Después de ver el primer trailer de Wanted, la adaptación al cine del cómic homónimo escrito por Mark Millar y dibujado por J.G. Jones, me ha apetecido comenzar este post (que básicamente sirve para que veáis dicho trailer si es que no lo habéis hecho ya) adaptando libremente una de las mejores frases de Death Proof, el segmento de Tarantino en Grindhouse, donde a través de Kim (el personaje de Tracie Thoms), el bueno de Quentin dejaba claro que a su juicio la versión original de la película 60 Segundos de 1974 dirigida por H.B. Halicki es infinitamente superior a la moderna del año 2000. Pues bien, algo así he querido expresar yo.

Y mentiría si dijera que el trailer no me deja buen sabor de boca. Que los tiros a discreción, las persecuciones, los efectos especiales en escenas rebuscadamente impactantes y el excesivo gusto de Timur Bekmambetov por la cámara superlenta a mi ganan casi siempre. Pero se ve a kilómetros que a la película le falta la magia que tiene el cómic. Para empezar, no hay disfraces, algo que puede parecer una estupidez, pero que por lo pronto ya elimina de un plumazo ese agradable aroma a "Watchmen de los supervillanos" del original y por tanto, gran parte del encanto y el potencial que podría tener el film. El grupo de supervillanos al que se une Wesley no tendría por que no ser la banda de matones de cualquier otra película. La historia es la misma, pero parece adaptada de forma demasiado libertina, como si el cómic fuera basura que hay que depurar para obtener algo decente. Y eso, no se a vosotros, pero a mi es algo que, personalmente, no acaba de convencerme. Bajo estas líneas os dejo los enlaces para descargar el trailer en HD y el video en stream, que siempre viene bien.

Wanted Trailer 480p
Wanted Trailer 720p
Wanted Trailer 1080p

Los héroes esperan.

Así es como comienza "La última historia de Los Vengadores" de Peter David y Ariel Olivetti. Sobrecogedor, ¿eh? Os habéis quedado con ganas de saber como sigue, ¿eh? Lo comprendo. Pero aún así, he pensado mucho el incluir este cómic en la Biblioteca Volatilis. A mi me parece magnífico, pero no sé si encajaba en la selección. Es un poco friki. La comprensión mejora si se conoce la historia de los Vengadores. Pero tras meditarlo mucho, creo que encaja bien, porque es un cómic fantástico que no necesita que el lector conozca a los Vengadores o al género de superhéroes para disfrutarlo, ya que es una historia épica y trágica capaz de emocionar y mantener en vilo a cualquiera. Yo me la he leído varias veces y me sigo emocionando con ella.

El cómic se sitúa en un posible futuro, un poco sombrío, del Universo Marvel, donde la razón de ser de los superhéroes no esta muy presente y donde los superhéroes clásicos, por diferentes razones, se han retirado. En estas, aparece Ultrón 59 y desafía a su "padre" Henry Pym a un duelo en la mejor tradición del Oeste. Un duelo cara a cara, en un lugar desolado. Un puñado de villanos contra otro de héroes, a muerte por supuesto, y por eso definitivo, donde se arreglará definitivamente la dialéctica héroe-villano (ya sabéis, este pueblo es demasiado pequeño ...) y, de paso, la compleja relación paternofilial (aunque yo opino que es más relación Dr. Frankenstein/monstruo) de esos personajes. Eso es lo que nos narra David, un nuevo duelo en O.K. Corral.

El argumento es simple, pero eso no impide a David hacer una historia emocionante y estremecedora, en la que además, se reflexiona sobre lo que significa superHéroe y la relación íntima, casi familiar (y sin casi), entre los héroes y sus némesis-villanos. Para contarla, David sigue el típico esquema de estas historias, así que el cómic va avanzando conforme Pym (el prota y uno de los Vengadores favoritos del guionista) va reclutando viejos amigos para poder enfrentarse a la cuadrilla del mal de Ultrón 59 (Kang y dos nuevos Segador y Oddball). Este periplo se aprovecha para desarrollar ese futuro sombrío con apenas superhéroes, donde vemos a la Avispa víctima de un efecto secundario de la fórmula que le dio sus poderes, que le hace ir disminuyendo de tamaño de año en año, un Reed Richards abandonado por su esposa y víctima de su elasticidad, con la vejez ya no es capaz de mantener su forma humana, un dr. Doom víctima de la demencia senil, un Ojo de Halcón ciego, pero más chulo, gracioso y dicharachero que nunca, un Peter Parker que ha vendido los diseños de sus redes y ahora es rico y no deja ir a su hijo a una exposición sobre la radiación y más que no os cuento. Lo curioso y original es que todo esto nos es narrado por el malo, por Ultrón 59. De este modo, llegamos al final épico y trágico del duelo a muerte (1/3 del cómic). Emocionantísimo por sus continuos vaivenes, su desacostumbrada, para el género, violencia y la cantidad de sorpresas que ocurren en su transcurso y, cuando el lector tiene el corazón en un puño, se llega al clímax final, inesperado y maravilloso, que deja boquiabierto a todo aquel que lo esta leyendo y lo conmueve dejando un poso de satisfacción y emoción que perdura tras su lectura.

David, con su habitual ironía, esta magnífico en los diálogos (su fuerte) y en el desarrollo de la historia, pues crea muy bien un clima de tensión y misterio que desemboca en el duelo, donde el ritmo, la violencia y el dramatismo se disparan como debe de ser. Pero el cómic no podría emocionarnos si David no hiciese también un gran trabajo con los personajes, caracterizándolos perfectamente. Se nota, al llevar a los personajes a su evolución lógica, sobre todo en el caso de Ultrón 59, que conoce muy bien a los personajes y la historia de este grupo. De este modo es como consigue que empatizemos con ellos y por ello no pasa nada si no los conocéis. Porque David no escribe para iniciados, te cuenta todo lo que necesitas saber y te retrata tan bien a los protagonistas, que rápidamente te familiarizas con ellos. Lo único que, saber un poco sobre los personajes, potencia esa familiaridad. Pero no es importante, porque "La última historia de Los Vengadores" habla del heroísmo, del miedo, de las dudas, de la valentía, del odio, del heroísmo, del poder de los mitos, etc. Temas que todos comprendemos y con los que nos emocionamos.

El guionista está excepcional. La lástima es que un guión así necesitaba algo más que un dibujante primerizo, como era en esos momentos Olivetti. Éste no lo hace mal y además, el guión es lo suficientemente bueno como para soportar cualquier dibujo. Pero, de contar con un mejor dibujante, casi seguro que este cómic sería mucho más conocido. Olivetti en esta obra esta muy influido por Bisley, de tal forma que, apenas muestra personalidad en las páginas. En estas, ya muestra el gran manejo del color que le ha hecho prosperar y además, se adecúa bien al tono sombrío y crepuscular del guión. Pero se nota que el proyecto le sobrepasaba. Así por ejemplo, prescinde a menudo de los fondos, lo que explica la pobreza visual (pocos elementos en la viñeta) del cómic, o sus recursos narrativos no son muy buenos, con lo que muchas veces es incapaz de contar algunos momentos con la intensidad que estos requerían. Así pues, no es un mal trabajo, considerando su bisoñez y las exigencias del guión. Tiene bastantes aciertos y el final lo plasma espléndidamente, que es cuando canta la gorda y por tanto, cuando hay que ofrecer lo mejor de uno mismo. Ahí si que no falla y así, aunque sabemos que pudo estar mejor, deja buen sabor de boca su rudo (por entonces) estilo de figuras hercúleas de expresividad histriónica y su paleta de colores densos donde predominan los azules (a la que no hace justicia el escaneado).

Resumiendo, "La última historia de Los Vengadores" es un cómic sencillo, sin pretensiones, hecho con libertad desacostumbrada en los superhéroes, que no necesita lecturas previas, ni las tiene posteriores, emocionante y sobrecogedor como pocos. Porque lo que hace excalente a este cómic es que trassmite, que es capaz de trascender el papel, el silencio y la ficción, para sobrecoger al lector, pues nos recuerda que el dolor, la sangre y la muerte son consustanciales al heroísmo, a pesar de que los intereses económicos de Marvel y DC traten de ignoralo. Es pues, una historia reivindicativa del héroe y para mi, representa el ideal de un cómic de superhéroes. Un gustazo, de verdad. Lástima que aquí sólo se haya editado una vez por Forum en 1996.

Nuestros cuerpos se funden ...

Saboreo su alma ... Es hermosa ...

El abismo se abre ante él ... grita ...

... De alegría ... Casi puedo tocarla ...

... Entonces, cae hacía la nada ...

... Caigo ... Me

... Muero ...

Imaginaos que sois autores de manga, y queréis sin duda alguna salir hacia delante en este mundillo. Sabéis (o mas bien os lo cuento) que los mangakas jóvenes tienen una oportunidad de hacerse valer en diversos concursos de talentos que se hacen en, por y para Japón. Si hubieseis sido extranjeros no tendríais ninguna oportunidad. Pero corréis la suerte en este caso de haber nacido en Japón. Y, con una obra, ganáis el premio al artista joven revelación del año. Y os hacéis llamar Teashi Takei, aunque vuestro verdadero nombre es Hiroaki Samura.


Hiroaki Samura (1970) es un autor de manga que tiene en su poder uno de los mayores relatos de samuráis que se conocen, un manga conocido como "La Espada del Inmortal" que hace furor en no pocos países, y que aquí podemos disfrutar con una correcta distribución, solo atada a los periodos que tarda el mangaka en publicar en su país natal. Aunque este manga tiene muchísima miga, y merece un atento análisis (que caerá en futuras ediciones), hoy no toca hablar de esta obra, sino del tomo recopilatorio que la editorial Glenat ha sacado en nuestras librerías, con el nombre de Ohikkoshi, La mudanza. ¿Que podemos encontrar en este tomo?

De primera mano se trata de una recopilación de historias cortas bajo la plumilla de este autor, algunas de las cuales fueron creadas mientras estaba publicando "La Espada del Inmortal", y otras anteriores a esta obra. La historia principal, “La mudanza”, que se lleva la mayor parte del grueso de páginas, cuenta las relaciones entre un grupo de amigos que están en el último año de carrera, precontratados por empresas, y, solucionadas sus vidas, se dedican a disfrutar de la juventud durante el año que les queda. Samura, por aquel entonces tenía treinta años, y es una situación que conocía bastante bien, a pesar de no completar nunca una carrera (fue contratado antes por una editorial, y dejo los estudios por no obtener satisfacción de ellos, quien pudiera...). Aunque suene a historia costumbrista, hay muchos detalles que nos hacen pasar un buen rato. Además podemos disfrutar de otras dos historias adicionales, “Shojo Mangaka sin techo / Diario de un luncheon de lágrimas” y “El infierno de Midorogaike”. La primera de estas (segunda en el orden del manga) relata la historia de una dibujante de manga que intenta debutar en el mundillo, acompañada de su editor, pero las malas decisiones de este la llevan a quedarse sin nada, tras lo cual debe intentar abrirse paso de nuevo en la vida. La segunda historia es un extra de fin de tomo dibujado por Samura que mezcla las vacaciones que se tomó cuando escribía una obra con una historia de fantasmas… es decir, ida de olla al estilo japonés.


Lo primero de todo, es disfrutar con el impresionante estilo de dibujo del mangaka. Con un trazo limpio, y un estilo abocetado nos muestra escenas cotidianas que no muestran ningún problema a la hora de imaginárselas reales. La naturaleza de las caras se antoja curiosa y personal al estilo de este autor, aunque si podemos notar entre sus obras que existe poca variedad en cuanto a diseño de rostros se refiere. Por lo demás, un buen uso de las tramas, y un detallado dibujo del escenario completan la tarjeta de presentación de este autor, un apartado técnico impecable. Además de todo el estilo técnico, debo recalcar lo que para mí es muy importante: la identidad del autor. Se sabe poco de los mangakas en persona. Prefieren ocultar sus identidades. Pero a través de las obras si podemos conocer como piensan, que es lo que les gusta, y que es lo que no. Por ejemplo, muchos detalles en la primera de las historias hacen referencia al gusto inexcusable de Samura por el Heavy y el Rock (declarado en algunos extras de los tomos de "La Espada del Inmortal"), en detalles como camisetas de los personajes (Dr. Feelgood) y bastantes mas, que os invito a localizar.

No debo olvidarme de las historias, que es otro punto muy interesante. Otra vez vuelvo a usar el término de mezcla de géneros, ya que tenemos drama al mas puro estilo de telenovela, superación personal, temas de amoríos, un pelín de crítica social, mucha crítica al mundo editorial (sobre todo en la segunda historia). Sin embargo, a mi me surgen muchas dudas en cuanto a cómo tomarse ciertas partes de la obra… Es decir, la segunda historia es muy rápida en el desarrollo, sin embargo, creo que no es una historia seria, sino que esta escrita para que al final de todo, sonrías y pienses que te lo has pasado bien. Una telenovela que, si no te la tomas de la mejor manera posible, puede hacer que te deprimas (en este punto es donde se diferencia a los lectores, los que solo leen lo que les dan y los que lo interpretan). Además, el autor salpica todas sus historias con mucha ironía y puntos divertidos, que hacen cogerle cariño a todos los personajes por igual.

En definitiva, si queréis conocer al autor por un manga, esta es vuestra elección. Sobre todo comentar que son historias muy personales, es su estilo, por lo que puede conquistaros o puede defraudaros. Pero no os dejará indiferente. Y desde el otro lado del teclado, recomendároslo efusivamente, para que veáis que no todo el manga es lo que parece.

Al elaborar el primer listado de las veinte películas que ninguno de nosotros deberíamos perdernos este año, con Hitman me pasó lo mismo que con Aliens vs Predator: Requiem. El estreno de la película estaba programado para 2007, pero en el momento de hacer la lista aun no existían noticias siquiera de que el rodaje hubiera comenzado. De hecho, en el caso de Hitman apenas se conocía el nombre del actor que iba a dar vida al Agente 47. Se hablaba de Vin Diesel (cualquiera que conozca el juego en el que se basa la película sabe a ciencia cierta que hubiera sido una elección nefasta), de Jason Statham (al contrario que Diesel, él sí que hubiera sido la elección perfecta), pero al final se optó por Timothy Olyphant, el malo de La Jungla 4. No obstante, habría que esperar aun bastante para saber si Olyphant daba la talla como 47, porque no había por aquel entonces ni una mísera imagen que echarse a la boca. Es por ello que aunque personalmente hubiera puesto a Hitman bien arriba en el ranking de recomendaciones (no porque piense que la película va a ser excelente, sino porque es bastante probable que servidor sea uno de los mayores fans de la saga de videojuegos que vais a encontrar) finalmente tuve que desistir de hacerlo.


En cualquier caso, un verano y un rodaje a contrarreloj después, puedo afirmar a ciencia cierta que Hitman es, a todas luces, una de las películas que no deberíais perderos en 2007 si sois lectores de este blog. Y no porque, a pesar de su cara de buena persona (un rasgo no precisamente característico del Agente 47), Olyphant haya demostrado en dos trailers y un montonazo de imágenes promocionales que en efecto da el pego de sobra como el personaje, sino porque todo apunta a que Hitman será gran sorpresa cinematográfica en la recta final del año. Quienes han tenido el placer de verla, por ejemplo, comentan que el guión escrito por Skip Woods es sorprendentemente bueno y que, a pesar de ciertas licencias algo cuestionables como el hecho de que un tipo tan condenadamente frío como 47 vaya a tener un rollete con la buenorra rusa de turno (la desconocida pero muy interesante en todos los aspectos Olga Kurylenko, importante aliciente del reparto junto al gran Robert "T-Bag" Knepper), la trama es muy, pero que muy fiel al juego. Y de hecho, no hay nada que nos hayan mostrado hasta ahora que lo desmienta: 47 se disfraza, liquida a sus objetivos con jeringazos venenosos por la espalda como buen asesino silencioso que es, monta con sumo cuidado su Walther WA 2000 de francotirador y hasta tiene una guarida llena de armas perfectamente expuestas en vitrinas de cristal. Por no hablar de lo importante que resulta que el aire europeísta decadente que empapa los juegos esté también presente en el film.

Salvo quizá la ausencia del compositor Jesper Kyd (padre de la brillantísima música de los juegos) puede decirse que no hay nada que haga pensar que Hitman no nos entusiasmará a los que conocemos bien los juegos, por lo que la gran duda es saber si lo hará con los que no saben nada sobre el personaje. La respuesta, dentro de poco mas de un mes.

Sí, continúa nuestra fiebre por Street Fighter...

Pero es que pocas, muy pocas veces, un remake en el sentido tan estricto de la palabra había creado tanta expectación como Super Street Fighter II HD Remix, la versión en alta definición para consolas Next-Gen del clásico Super Street Fighter II que Capcom ha estado desarrollando con la colaboración del estudio Udon, responsable de los comics que se realizan en Estados Unidos sobre licencias de la compañía japonesa como Rival Schools, Darkstalkers o, por supuesto, Street Fighter.

Y dado que en Volatilis hemos procurado seguir bastante de cerca los progresos de Udon por adaptar a HD los sprites del juego antiguo tanto en lo que respecta a los personajes como a los escenarios, por fin ha llegado el momento de ver como luce el juego en todo su esplendor a través de las imágenes mostradas por el blog norteamericano de Capcom. No obstante, también existe un video (de calidad bastante escasa, eso sí) donde ya podemos ver el juego en movimiento.


Lo único seguro, en cualquier caso, es que aun habrá que esperar algún tiempo para comprobar si el resultado final nos convence o no. Estaremos atentos...

Vía Destructoid

Sí, ya se que el Verano Zombie acabó hace tiempo, pero ya sabéis que los no-muertos me pueden, que le voy a hacer...


Éstos, al estilo LEGO, son gigantescos, no oficiales (al parecer dentro del universo LEGO no existe la muerte) y, que se sepa, de momento no están a la venta. Pero mas de uno, entre los que me incluyo, se pensaría muy seriamente el hacerse con ellos en el caso de que lo estuvieran.

Miden 19 pulgadas (unos 50 centímetros) y los ha creado un fan de las figuritas de las mini-figuritas llamado Andrew Bell especialmente para el evento Back in the day, una especie de convención donde se exponen todo tipo de juguetes antiguos modificados por distintos artistas y creativos. Podéis ver mas imágenes pulsando aquí.

Vía Esquizopedia

Si, como servidor, sois fans acérrimos de la saga de videojuegos Hitman y esperáis su inminente adaptación cinematográfica como agua de mayo, lo que os voy a recomendar a continuación os va a hacer mucha, pero que mucha ilusión. Y si como sospecho que os sucederá a la mayoría, no lo sois, al menos os servirá para ir entrando en materia de cara al próximo 30 de Noviembre (día que se estrena la película) así como para empezar a entrever que la mencionada adaptación tiene bastante mejor pinta de lo que parecía en un principio.


El caso es que con la renovación del sitio web oficial de la película (que por lo pronto deja caer que ese aroma decadente que tienen los juegos y que muchos de nosotros implorábamos que tuviera el film se ha respetado hasta límites insospechados) han aparecido los cada vez mas típicos webisodes, pequeños cortos exclusivos para Internet que habitualmente sirven de precuela o introducción a series y películas y que aquí hacen las veces de introducción a la figura del Agente 47. La web promete por lo menos tres (Ort-Meyer, Agent 47 y ICA), de los cuales ya está disponible el primero de ellos, centrado en el siniestro creador de 47 que no dudó en desechar a los cuarenta y seis sujetos anteriores con tal de lograr su creación perfecta. Presentan formato de cómic (relativamente) animado y tienen unos dos minutos de duración. Una vez mas, en el portal IGN se han hecho con la exclusiva, así que también podéis acceder a ellos directamente desde allí.

Hace unos días Capcom puso en su página web uno de esos contadores que tan famosos se han hecho en los últimos tiempos. Prometían algo grande, el retorno de un clásico y los rumores empezaron a dispararse. Somos muchos los que queremos ver continuaciones de esos Marvel vs... que tantas alegrías nos dieron. O un nuevo Capitan Commando, aunque yo por lo que mataría es por una continuación de esa pequeña maravilla que era el Midnight Wanderers (continuación plataformera, no me vale el Chariot).

La duda pareció resolverse hace unos días: un remake de Bionic Commando (no perdáis la ocasión de jugarlo en vuestra antigua y monocroma Game Boy, toda una maravilla) pero... no, no. No iban por ahí los tiros:

Se rumoreaban muchas más cosas. Un nuevo Megaman, que todavía tiene que demostrar de lo que es capaz en la nueva generación (¿Qué paso con la excelente saga Legends?) parecía lo más lógico. Con este nuevo movimiento han logrado sorprendernos a todos porque no creo que nadie se esperaba una nueva entrega de la saga a estas alturas. Ahora la eterna pregunta, lo que puede ser la comidilla de medio internet (¿o acaso no estamos saturados con cada nueva imagen que nos llega del SFII Turbo HD?): ¿2D o 3D? Visto el "exitazo" de la saga EX yo tengo la respuesta clara. De momento el trailer y su sorprendente estilo visual no creo que dejen indiferentes a nadie.

Ah! Si con los 20 últimos segundos del video no se os ponen los pelos como escarpias... tenéis un problema.

Como de costumbre, me entero vía Microsiervos de la existencia de una exposición que no se me ocurriría perderme bajo ningún concepto de estar un pelín mas cerca de lo que estoy de la ciudad del Turia. Y es que desde mañana mismo hasta el próximo día 5 de Diciembre, la Universidad Politecnica de Valencia expondrá por primera vez en España la obra del escultor y artista gráfico Hans Ruedi Giger, conocido sobre todo por su trabajo como diseñador de los decorados y la criatura (junto a Carlo Rambaldi) de la película Alien, El Octavo Pasajero.


La exposición llevará por título "H.R. Giger: Escultura, Gráfica y Diseño" y contará con unas 50 obras del artista, entre las cuales destacan especialmente la cabeza de Xenoforme utilizada en la película de Ridley Scott o los bocetos realizados por el autor para Alien III, de David Fincher. Por si fuera poco, el propio Giger estará presente en la inauguración.

Si sois de Valencia o tenéis pensado pasaros por la ciudad en el periodo que dura la exposición, no dejéis escapar la oportunidad de daros una vuelta por allí. Seguro que merece la pena.

Imagina que se va a escribir una biografía (o, mejor, LA biografía) de uno de tus personajes de cómic favoritos. El proyecto es de una envergadura brutal. Hay cientos de autores que le han tratado alguna vez (de hecho, es un poco Lobezno: tiene su propia serie, pero está en todas las demás). Incluso su creador ha alcanzado la categoría de mito. Sabes que, si ese libro se escribe alguna vez, dará la vuelta al mundo, y todo el que quiera referenciar a este personaje lo tendrá en su mesilla de noche. ¿Lo tienes?

Ahora imagina que te proponen a ti para el trabajo.

En Disney USA andaban algo preocupados, porque tenían la idea pero no el titán que tendría que llevarla a cabo. No se puede dejar algo así en manos de cualquiera. Y la única forma de que esta megalómana empresa saliera bien era encargándosela a un autor que lo viera como algo más que un deber profesional. A un fan. Alguien como Don Rosa.

Dice Rosa que la razón principal por la que aceptó fue por lo que se iba a divertir, buscando absolutamente todos los indicios del pasado del tío Gilito en las historias de Carl Barks (el creador de Patolandia y de gran parte de sus habitantes), no importa lo ambiguos o breves que fueran. Y se nota. A través de 263 páginas, el último del clan McPato empieza en los negocios limpiando botas (cuando gana su Número 1, la moneda que se convirtió en su inspiración); le acompañamos en su exilio a América, que al principio no será más que su pista de despegue hacia el resto del mundo; conoce a personajes que, por lo que sabíamos hasta ahora, siempre habían estado ahí (el abuelo y los padres de los Golfos Apandadores, el abuelo de Ungenio Tarconi)... Estamos con él mientras amasa su fortuna, y, sobre todo, le vemos cambiar: desde el polluelo emprendedor que salió de Escocia, hasta el viejo cascarrabias que su sobrino Donald y sus sobrinos-nietos Juanito, Jorgito y Jaimito se encuentran aquel día de Navidad (Christmas on Bear Mountain).

Si hay una palabra para definir a este cómic, es detalle. El dibujo es asombroso. Se nota el mimo del autor en todas partes, desde las esquinas de las fotos que Gilito guarda en su álbum personal hasta en la lluvia cayendo de camino al castillo de los McPato. Esto llega a tal extremo que, en la portada y en la primera viñeta de cada capítulo, Rosa escribe una dedicatoria oculta: D. U. C. K. Al final de cada capítulo, en las dos hojas que dedica a hablar del "making of" del mismo, hay un apartado titulado "Insane details to look for", en el que dice dónde está la dedicatoria. Pues hay una que, incluso sabiendo dónde buscar, aún no he encontrado (la del capítulo 4, "Raider of the Copper Hill").

Pero no sólo hablo de detalle a ese nivel. Para elaborar los guiones, Rosa estudió a fondo todo lo que Barks había escrito sobre Gilito McPato, en busca de pistas sobre sus batallitas. Cada historia a los sobrinos, cada personaje ya conocido, incluso cada momento cascarrabias estilo "esto en mis tiempos no pasaba", en el que se le escapa alguna hazaña de juventud, está debidamente registrado y reflejado en cada capítulo. Además, hay miles de referencias externas a Disney, tanto ligadas en exclusiva al tío Gilito (Ciudadano Kane, por ejemplo: aparece Rosebud en el último capítulo) como propias de Rosa, sobre todo en forma de diálogos de cine. También hay, aunque menos, referencias históricas (quién lo iba a decir, amigo de Teddy Roosevelt nada menos!). Y, por supuesto, no podía faltar algo que mejora automáticamente cualquier cómic (o película): un zombie.

Y, como colofón, están los "making of" de los que te he hablado antes. Tras cada capítulo, el autor nos cuenta en dos páginas lo que ha hecho para escribirlo, cómo ha cambiado desde la primera versión a la que finalmente se ha publicado (a veces añade imágenes de páginas abocetadas), nos da reseñas a los cómics que tienen información sobre el capítulo (en algunos incluye viñetas que ha "homenajeado"), nos muestra portadas de la serie del Tío Gilito en distintos países del mundo... Aquí están todas las referencias de las que hablábamos antes y sus porqués, además de los "Insane details".

Con todo, lo que más me ha gustado ha sido la seriedad y el cariño con que está tratado el pato más rico del mundo. Paso a paso se nos van descubriendo cómo se forman el carácter y los rasgos que ya conocemos del personaje, mientras aprende a ser nuestro Gilito McPato, con su chaqueta roja, su chistera y su bastón.

Para mí, desde luego, un imprescindible.

Pd.- Siento decirte que la figurita es consumismo friki extremo: un dibujante la hizo expresamente para regalársela a Don Rosa en una convención. Pincha en la imagen para más datos (y más figuritas).

Pd2.- Y, por si te quedas con ganas de más, Life and Times of Scrooge McDuck Companion, otro tomo con historias nuevas que completa algunos capítulos de éste. Para no perdértelo.

TIERRA-W
A pesar de que WildC.A.T.S se había convertido en serie más que entretenida y que el resto de Wildstorm (en especial Gen 13 y alguna que otra) avanzaba con fuerza hacia el futuro, lo cierto es que en el aspecto económico la compañía no acababa de funcionar correctamente. Aunque se publicaba dentro de Image Comics, la estabilidad de Wildstorm no era la mejor posible y en octubre de 1998 Jim Lee vendió sus personajes a DC Comics. No era ni mucho menos la primera vez que DC adquiría otra compañía, y ahí estaba el caso de Fawcett o Charlton años atrás. A partir de este momento Wildstorm obtendría una sólida estabilidad a la vez que DC se beneficiaría de poder emplear a los dibujantes de ese estudio en las series del Universo DC. A Jim Lee se le abrieron también las puertas a dibujar a los dos grandes iconos de la compañía, Superman y Batman; curiosamente no sería hasta muchos años después que lo haría, demostrando cuán Rey Midas es.

Las series de Wildstorm se mantuvieron al margen del Universo DC, pero si quisiéramos darle un lugar dentro su complejo organigrama podríamos denominarla como Tierra-W (obviamente, nada de esto se ha mencionado jamás en los cómics, pero sería divertido que unos personajes que han estado con los de Marvel (en el mencionado Universo Heroes Reborn) ahora fuesen parte esencial del Universo DC). Aún con todo algunos editores no se resistieron a la idea de que los héroes pasaran de un lado a otro. Ése fue el caso de Mr. Majestic cuando apareció en Action Comics # 811 (marzo de 2004) para proteger la ciudad de Metrópolis en ausencia de Superman. Otro ejemplo es el Capitán Atom, que tras el primer arco argumental de la serie Superman/ Batman pasó al Universo Wildstorm para protagonizar su propia colección regular: Capitán Atom: Armageddon.

En el primer arco argumental de Casey Lord Emp moría y dejaba la propiedad de la multinacional Halo a Spartan. Éste adoptó la identidad de Jack Marlowe, cambió su viejas mallas por un traje y corbata y se centró en su faceta como empresario. A partir de este momento Halo sería el punto de apoyo de toda la serie con Jack Marlowe y Grifter como principales protagonistas. Con la saga Serial Boxes Casey daba un golpe de efecto quitándose de encima a varios personajes que de poco le servían y redefinió de arriba abajo el estilo de la colección. En el fondo su etapa en Wildcats no era más que una tarjeta de presentación para el siguiente paso; tras su cancelación en el capítulo veintiocho apareció una nueva serie titulada Wildcats version 3.0 (2002).


"El auténtico poder mundial no está en los modestos despachos de los funcionarios locales o nacionales, sino en las opulentas salas de juntas de las mayores empresas del mundo" decía Casey. "Si las empresas son sin duda más influyentes que los gobiernos, ¿por qué no dan un paso al frente y asumen su lugar en la cúspide de la pirámide alimenticia del poder mundial?" Esta era la premisa de Wildcats Version 3.0, una serie distinta a todo lo que se publicaba en ese momento y que bien pronto se ganó el aprecio de la crítica especializada. Con Dustin Nguyen de dibujante, la serie no sólo era especialmente buena en cuanto a argumento y diálogos, sino que visualmente también era muy atractiva.

A Casey de poco le servían los viejos personajes, así que el protagonismo recayó en Jack Marlowe, Grifter y Wax, agente de una organización gubernamental (Servicio de Parques Nacionales) y que ya había sido presentado en Wildcats. Poco a poco se fueron introduciendo nuevos personajes como C.C.Rendozzo, a la vez que la serie se alejaba definitivamente de aquellos días de peleas intergalácticas y batallas cósmicas. Ahora los Wildcats (o lo que quedaba de ellos) desorganizaban bandas dedicadas a la explotación de menores en el tercer mundo, creaban pilas de energía infinita con las que cambiar la vida del día a día y se enfrentaban a mafiosos y a agentes del FBI. A medida que fue pasando la serie, eso sí, se recuperó (para sorpresa de todos) a algunos viejos personajes.

Pero las mejores series no siempre son las que más venden y Wildcats Version 3.0 terminó siendo cancelada tras veinticuatro números publicados por falta de lectores: "Estaba escribiendo el número 25 cuando me avisaron que tenía que dejarlo. La historia iba a situarse seis meses después de lo sucedido e íbamos a cambiar un montón de cosas en los personajes, coincidiendo con el regreso de Dustin" comentaba Casey. "La respuesta de los lectores a través de Internet por el cierre de la serie fue tremenda. Fue algo que me afectó a nivel personal por que veía a gente que comentaba la serie, sus personajes, que la comprendían, etc. y que me hizo darme cuenta de que ahí fuera había gente dispuesta a leer este tipo de material." Tal vez el error estuvo en que el lector busca siempre, aunque lo niegue, el típico tebeo de superhéroes al uso, y Wildcats Version 3.0 era radicalmente distinta.

LEE-MORRISON
Tras la cancelación de Wildcats Version 3.0 y la publicación de la miniserie Wildcats: Nemesis (2005), el próximo relanzamiento del grupo fue en una nueva serie con Grant Morrison (New X-Men) y el mismísimo Jim Lee como equipo creativo. Morrison explicó que el ritmo de la serie sería mucho más rápido que el habitual en los cómics actuales y que se tendría en cuenta todo lo contado por en los días de Alan Moore y Joe Casey. En esta ocasión la idea es mezclar el modelo de cómic visualmente espectacular de los noventa con aquel en el que se da un trato más serio y adulto a los personajes. Es de esperar que con estos dos autores al timón la serie no sólo goce de buenas palabras por parte de la crítica, sino también del apoyo de los lectores. Desgraciadamente no se están respetado las fechas de salida y de momento sólo ha visto la luz el primer episodio. En todo caso hay que estar tranquilos, que aún le queda una vida al gato.

Antes, cuando el uso de Internet no estaba ni mucho menos tan extendido como ahora (Inciso: mejor no pararse a pensar en la de cosas que han perdido gran parte de su gracia por culpa de Internet), muchos de nosotros íbamos al cine con la esperanza de que antes de que diera comienzo la proyección de la película propiamente dicha pudiéramos encontrarnos con un trailer que nos dejara tan, tan impresionados, que al salir de sala deseásemos ver la película anunciada en ese trailer mas aun que la que acabábamos de visionar. Lo que quiero decir es que ahora que Internet nos es algo poco menos que imprescindible para el normal desarrollo de nuestra vida y que gracias a ella podemos ver los trailers en inglés meses antes de que sean exhibidos en un cine en nuestro idioma, eso, por desgracia, ya no pasa. O eso creía yo.
Porque hace unos meses, justo antes de disfrutar como un enano con la última de Harry Potter, me encontré con el trailer de una película de la que, por extraño que parezca, no sabía absolutamente nada (de ahí que no la incluyera en la lista inicial, donde os puedo asegurar que habría estado muy, muy arriba) y cuyo primer avance me dejó completamente fascinado. Su título, La Brújula Dorada.


Al parecer, La Brújula Dorada es la gran superproducción de New Line Cine (la productora a la que le debemos las películas El Señor de los Anillos) de cara a estas navidades y está basada en Northern Lights (en Estados Unidos titulada como The Golden Compass, de ahí el título de la adaptación) la primera novela de otra trilogía, His Dark Materials (La Materia Oscura), escrita por Phillip Pullman y cuya trama está asentada en la existencia de un multiverso con varias realidades alternativas. En la presentada en La Brújula Dorada, la de Lyra Belacqua, el alma humana se manifiesta físicamente como un daimonion, un animal que permanece siempre al lado de la persona y junto al que la propia Lyra deberá emprender un largo viaje para rescatar a varios niños que han sido secuestrados y con los cuales se llevan a cabo terribles experimentos. En el camino tendrá que tratar con seres como Osos Acorazados o Brujas. El reparto, encabezado por Nicole Kidman, Daniel Craig o Sam Elliott, es de autentico lujo y el trailer, que podéis ver unas pocas líneas mas abajo, pone todas las cartas sobre la mesa acerca de lo mucho que puede ofrecernos esta película. Y sí, eso que os ha dejado boquiabiertos es la actriz Eva Green, volando.


Se estrenará en todo el mundo el próximo mes de Diciembre.

La historia es sabida por todos: A finales de 1991 Todd McFarlane, Rob Liefeld, Jim Lee y otros de los autores más populares del momento decidieron fundar su propia editorial: Image Comics. Los grandes beneficios que obtuvieron de cómics como el Spider-Man #1 o X-Force #1 eran una simple pellizco en comparación con los que la editorial se adjudicaba. Hartos de esta situación, Image nacía como una posibilidad para enriquecerse de manera absoluta de sus trabajos, manteniendo la propiedad intelectual de sus creaciones y sin trabas creativas de ningún tipo. Una situación idílica, sin duda.

UNIVERSO IMAGE
Otra de las características sería que todos los personajes creados existirían dentro de un mismo universo al estilo y semejanza del de Marvel o DC. Spawn, Youngblood, Cyberforce, Savage Dragon... Cada autor introdujo sus propios personajes. Jim Lee, por su parte, creó WildC.A.T.S (1992), una serie que partía de una base argumental simple pero efectiva: dos razas extraterrestres, kerubines y daemonitas, vivían enfrentadas desde hacía eones. En la Tierra se formaba un equipo especial para combatir a los malvados daemonitas y que contaba con kerubines, mestizos e incluso con humanos. A pesar de que muchos querían buscar parecidos con la Patrulla-X (grupo con el que Jim Lee se había convertido en una estrella), lo cierto es que estos WildC.A.T.S poco o nada tenían que ver más allá de algún pequeño rasgo. Ellos eran Maul, Grifter, Zealot, Spartan, Void, Warblade, Vodoo y Lord Emp. Inicialmente WildC.A.T.S se publicó como una serie limitada de cuatro episodios, y al comprobar su éxito se prologó con cadencia regular. Ya en el quinto capítulo los cats pasaron por su primer crossover con Cyberforce, serie creada por Marc Silvestri. La década de los noventa tenía estas cosas: rara era la colección que no se veía involucrada en algún cruce cada dos por tres. Y como dictaba la norma de aquella época los personajes debían tener una actitud agresiva y violenta, algo a lo que Jim Lee contribuyó a producir en sus trabajos previos para Marvel y que en WildC.A.T.S perpetuó.

Como el propio nombre de la editorial indicaba, en los cómics de Image el dibujo era una parte esencial en detrimento del guión. Cada serie era un auténtico desfile de splash pages (algunos incluso de páginas desplegables) para lucimiento de sus artistas y disfrute de sus lectores, que veían en aquello el modelo de cómic más actual y moderno. Con las ventas millonarias de sus cómics y la explotación de los personajes en distintas formas (figuras articuladas, camisetas, etc.) los autores ganaron tanto dinero que podrían vivir el resto de sus vidas sin trabajar tal y como reconocería Erik Larsen años después. Pero los inicios de Image fueron muy turbulentos debido a la falta de profesionalidad de algunos de sus autores (y a sus nuevas obligaciones como editores). Muchas de sus series aparecían en las librerías con una regularidad inusual a la esperada para desesperación de sus lectores y para alegría de un importante sector del mundillo que se mostraba crítico ante todo lo que giraba en torno a esta editorial.


Mientras ese aspecto se pulía, WildC.A.T.S seguía episodio a episodio con Jim Lee como dibujante mientras que un desconocido Brandon Choi se encargaba de la parte literaria. Este hecho que a priori no debería de parecer significativo sí lo es si se tiene en cuenta que otros autores renunciaban a sus propias series para dejarlas en manos de jóvenes artistas de dudosa calidad. En lugar de centrar sus esfuerzos en una serie y hacer de ésta un buen cómic, la vena inconformista de algunos autores llevó a producir más y más series que delegaron en escritores y dibujantes prácticamente desconocidos. Se trataba de los estudios de trabajo: los muchachos de Liefeld se aglutinaron dentro de los Extreme Studios, los de Silvestri en Top Cow, etc. Con el paso del tiempo ese "Universo Image" se iría disolviendo para transformarse en un cúmulo de subuniversos o líneas distintas de cómics que recibían el mismo nombre que los propios estudios. En el caso de Lee se trataba de Wildstorm Productions, sello que incluía, además de WildC.A.T.S, títulos como Gen 13 o Stormwatch. En el fondo se trataba de un paso bastante lógico: una de las ventajas de crear tus propios personajes era libertarte de las ataduras editoriales, pero en el momento en que éstos vivían dentro de un universo compartido se volvía a las viejas ligaduras. Y no es que el Universo Image desapareciese de un día a otro, pero con el paso del tiempo cada subuniverso fue tomando cuerpo y forma a la sombra del resto. WildC.A.T.S, obviamente, era la cabeza visible de este Universo Wildstorm.

UNIVERSO WILDSTORM
En los inicios de Image la parte literaria de los cómics o bien recaía en manos del propio autor o en la de algún guionista inexperto del estudio, pero ante las ruidosas quejas de los lectores Jim Lee buscó una solución simplísima para WildC.A.T.S: contratar buenos guionistas. En WildC.A.T.S #10 (abril de 1994) entraba Chris Claremont (X-Men), autor de reconocida calidad y amplia trayectoria. La jugada volvió a repetirse cuando James Robinson (Starman) comenzó a encargarse de la serie a partir de su decimoquinto episodio, dejándole el testigo a Alan Moore (Watchmen) que sin firmar ni mucho menos una genialidad sí creó la etapa más interesante de toda la serie. Entre todo esto Lee dejó su labor de dibujante de WildC.A.T.S: "En estos momentos estoy trabajando en varios proyectos relacionados con los WildC.A.T.S. El primero es una propuesta de crossover con X-men, y el segundo lo estoy llevando a cabo con James Robinson que ha creado un nuevo personaje que podría terminar dibujando yo". La realidad fue que ese crossover con X-Men no se produciría hasta varios años después (y en cuanto al personaje de Robinson poco o nada se volvió a saber). A partir de este momento Lee se centraría en su faceta empresarial y, afortunadamente, su sustituto fue Travis Chartest, poco conocido por aquel entonces pero que ya denotaba una inusitada calidad artística.


También es destacable el que el Universo Wildstorm, dentro de lo que cabe, apenas se viera plagado de crossovers en comparación con sus hermanos de Image. Como ejemplo un botón: la serie Team Youngblood (perteneciente al universo perpetrado por Rob Liefeld) pasó por hasta cuatro crossovers en tan sólo catorce episodios. Cierto es que en su quinto capítulo WildC.A.T.S atravesó por el mencionado cruce con Cyber Force, pero a partir de ahí vivió cierta autonomía para gozo de los reputados escritores que ahora se encargaban de los cats. No fue hasta el WildC.A.T.S # 20 (mayo de 1995) que la serie se enroló en un nuevo cruce de series, el titulado Wildstorm Rising (1995). En éste se daba un nuevo paso en la guerra entre kerubines y daemonitas y que afectaba a todo el panorama de Wildstorm. A su fin se creía que los WildC.A.T.S estaban muertos, pero en realidad se encontraban en Kera, planeta de origen de los kerubines. En la Tierra, mientras tanto, se formaba un nuevo equipo de cats con Savant (hermana de Zealot), Mr. Majestic (una especie de Superman kerubín) o Ladytron (una mujer mecánica que, de la mano de Moore, ofrecía ciertas dosis de humor negro). Por supuesto, con el tiempo Lord Emp y compañía volverían para reclamar lo que era suyo.

La proliferación de spin-offs relacionados con WildC.A.T.S fue un sin parar en el que muchos de sus personajes protagonizaron series limitadas o especiales. La trayectoria editorial de los WildC.A.T.S era aún muy corta, pero en su mundo de ficción muchos de sus personajes habían vivido aventuras para dar y tomar, aventuras que podían ser relatadas en infinidad de cómics. Zealtot, por ejemplo, era una guerrera kerubina que había llegado a la Tierra mucho siglos antes de Cristo y que había intervenido en hechos tan importantes como el de la creación del caballo de Troya. En la década de los sesenta del pasado siglo XXI Cole Cash (el pistolero conocido como Grifter) se unió al Team Seven, un grupo militar en el que fue alterado por Gen Factor obteniendo así diversas habilidades sobre humanas. Otro ejemplo sería un Lord Kerubín que adoptó el nombre de John Colt y fue parte del Team One (también durante los sesenta). Su esencia vital terminaría siendo descargada a un robot conocido como Hadrian o Spartan perdiendo todo rastro de sentimientos. Precisamente entre estos tres personajes se produjo un peligroso círculo amoroso cuando Grifter y Zealot comenzaron a salir y Spartan recordó su vida como John Colt en la que tuvo una relación amorosa con ella.

Fire From Haven (1996) fue el segundo gran crossover del Universo Wildstorm. La saga se desarrolló en un buen número de series y contó con las ilustres firmas de Warren Ellis, Alan Moore, Jim Lee o Travis Charest. Esta épica historia vino a enfrentar a los héroes con un villano de proporciones cósmicas a la vez que cerraba y abría varias tramas argumentales dentro de Wildstorm. Sin duda se trató del gran evento por el que pasaron todas aquellas colecciones y a su desenlace la perspectiva que muchos tenían de Wildstorm era bien distinta: ya no era aquella línea de tebeos dentro de Image basada en dibujos espectaculares o cuyos personajes eran simplones a más no poder; no, ahora era capaz de hacerle frente a Marvel o DC con un universo heroico de base muy sólida y cuyo título bandera, WildC.A.T.S, mantenía un alto nivel gracias a Moore.

WILDSTORM REBORN
En 1996 Marvel anunció a bombo y platillo el fichaje de Rob Liefeld y Jim Lee (y sus respectos estudios, Extreme y Wildstorm) como autores de Capitán América, Los Vengadores, Iron Man y Los Cuatro Fantásticos. La editorial buscaba un golpe de efecto para mejorar las ventas de estas series clásicas y decidió recurrir a dos de las estrellas que perdiera hace cuatro años. Marvel publicó una gran crossover en el que dichos personajes "morían" presuntamente; en realidad fueron enviados in extremis a un "universo de bolsillo" creado por Franklin Richards (un personaje de Los Cuatro Fantásticos) y en el que revivirían sus vidas bajo la nueva perspectiva que Liefeld y Lee tenían. Este proyecto fue llamado Heroes Reborn y no tendría mayor importancia para los WildC.A.T.S de no ser por que en el último episodio de esas cuatro series se produjo un enfrentamiento entre los personajes el Universo Heroes Reborn con los del Universo Wildstorm. Durante esta saga, La Tercera Guerra Mundial, se mezclaban elementos de uno y otro universo produciendo situaciones peculiares como el que el Hombre Gigante fuese miembro de los WildC.A.T.S, pero más allá de estos detallitos puede que se trate de una de las historias más insulsas jamás publicadas.

Al margen de todo esto, los personajes de Wildstorm se las vieron con los de Marvel y DC en infinidad de crossovers: Gen 13/ Superman, Backlash/ Spider-man... Pero el más importante de todos fue el esperado X-Men/ WildC.A.T.S en el que los dos grupos se la veían a lo largo y ancho de cuatro números especiales situados en diferentes épocas, desde el pasado al más retomo futuro. Como era de esperar, Jim Lee se encargó de uno de los especiales mientras que el resto recaía en manos de Travis Charest y otros. Todas estos cruces entre editoriales, obviamente, no afectaban a la continuidad del Universo Wildstorm.

Próxima entrega: De Tierra-W a la etapa de Grant Morrison y Jim Lee

Aun no me explico como es posible que se me haya pasado hasta ahora semejante genialidad.


Yo soy de los que, hasta cierto punto, salieron felices y contentos del cine después de ver Spider-Man 3, pero la gran verdad es que ahora mismo no se como aguantará un segundo visionado un guión tan tramposo y, a fin de cuentas, mediocre (ese mayordomo, esos científicos y su "seguramente será un pájaro", ese Capitán Stacy al que parece importarle un bledo que su hija esté a punto de morir... ay) como el escrito para la ocasión por los hermanos Raimi. A propósito, el video es obra de la gente de How It Should Have Ended, quienes ya han parodiado otras películas como Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto, Superman Returns o Matrix Revolutions. Echadle un vistazo a su web porque no tiene desperdicio.

Vía Entrecomics / Make Mine Marvel

Un hombre que viaja accidentalmente al pasado y se encuentra consigo mismo. Una chica desnuda en medio del bosque. Un extraño individuo con la cara cubierta por un vendaje de color rosa. Una inquietante mansión en la ladera de la colina. Piezas de un puzzle impredecible que conducen a una insólita modalidad de crimen.

Esto que habéis leído más arriba es la prometedora reseña de Los Cronocrímenes, opera prima en el largometraje de Nacho Vigalondo (para los despistados, el director que nos representó en los Oscars de 2005 con su cortometraje 7:35 de la mañana). Una de las propuestas españolas más estimulantes de lo que queda de año (los fans de Caótica Ana pueden irse a hacer malabares a otro parque) y que acaba de hacerse con el galardón de mejor película en el Festival de Cine Fantástico de Austin. Aquí podremos verla en el cercano Festival de Cine Fantástico de Sitges y esperemos que pronto (y con la distribución que merece) en nuestras salas.

Hay una fina línea que separa el oportunismo del homenaje en el terreno de la parodia. Por suerte Jan siempre ha tenido las cosas muy claras con Superlópez y nos ofreció en El supergrupo una de las mejores, si no la mejor, parodias existentes en el género. Aunque quizá más que de Jan, al hablar de este cómic deberíamos nombrar a Efepe (Francisco Pérez Navarro) guionista de los tres primeros números de Superlópez (El origen de Superlópez, El supergrupo y ¡Todos contra uno, uno contra todos!) y verdadero responsable del tono del mismo. En esos números que guionizó Efepe hay un marcado interes por referenciar al cómic americano, algo que se perdería a partir del número 4 (Los alienígenas) cuando Jan tomo las riendas de su personaje y prefirió darle un rumbo distinto, escribiendo él mismo sus historias. A partir de aquí Superlópez ganó en autonómia y los guiones se llenaron de guiños a la ciencia ficción, la literatura fantástica e incluso denuncia social. Todo ello sazonado con ese excelente sentido del absurdo del que goza Jan, aunque también hay que decir que Superlópez pocas veces a vuelto a situar el listón tan alto como con este supergrupo.

El supergrupo, eligiendo un sitio para cenar

Si Superlópez pretende ser una versión castiza de Superman, el supergrupo sienta sus bases sobre el concepto de grupo de superhéroes, tomando como modelo a Los Vengadores, Los 4 Fantásticos, Los Defensores y La Patrulla-X. Así, sus "heroicos" componentes son El Capitán Hispania (Capitan América), El Bruto (La Cosa), La Chica Increíble (Jean Grey/chica maravilla), Latas (Iron Man) y El Mago (Dr. Extraño). Todos ellos se conocen por casualidad cuando Superlópez frustra un atraco a un banco (sin querer, puesto que volaba dormido y se estrella contra la fachada, haciendo sonar la alarma) y es atacado por El Capitan Hispania que piensa que es un villano ("hay tantos super, que no distingo a los buenos de los malos"). Después de decidir aliarse para combatir el crimen se irán uniendo el resto de miembros al grupo, que se establece en el cuartel general de un supervillano que Superlópez derrotó "el otro día antes de almorzar". Lo que no saben es que están siendo vigilados por otro villano que seguirá muy de cerca los pasos de esta nueva amenaza superheroica...

En este génesis que apenas dura 6 páginas ya se establecen las señas de identidad de un grupo que es totalmente cómplice con un lector al que se le presupone conocedor de las referencias en las que se inspira. Pero que va más allá, no quedándose los personajes en meras fotocopias patrias de sus modelos originales. Es a partir de aquí cuando empieza la diversión, El supergrupo es un completo desastre porque no son capaces de organizarse y tienen una tendencia preocupante a resolver sus conflictos internos a guantazos. Son estos conflictos el eje de todas las tramas. Todas esas cosas que hemos dado por hechas en otros grupos más serios son la salsa de éste. No son capaces de elegir un lider democráticamente (hacen una urna con votos y al contarlos comprueban que... cada uno se ha votado a sí mismo!). No son capaces de establecer un plan de entrenamientos (en su sala del peligro particular) para estar en forma. Ni tan siquiera pueden elegir un destino común para sus vacaciones! Su falta de disciplina es tal, que un intento de Superlópez de infiltrarse en la guarida enemiga usando su identidad civil (Juan López, intentando que el supervillano le contrate como contable) se salda con su casa destrozada y sus planes hechos trizas.


Ejemplos prácticos de democracia

Esos detalles, como digo, son la chispa de este grupo. Y esa falta de organización es tan... nuestra, tan española... Sus egos y el afan de protagonismo de cada uno de ellos hacen que nos sintamos muy identificados con cualquier pequeña decisión que toman. ¿Cuantas veces habéis discutido con el grupo de amigos para ver que se hacía? Son además una panda de holgazanes capaces de desconectar la alarma del cuartel general porque suena muy alta...

Añadir a todo esto algunos detalles impagables (un banco sólo para superhéroes cuyo director es Thor, aquí llamado Thoro) y tenemos otro imprescindible para esta Biblioteca Volatilis. La pena es que Superlópez no haya vuelto a necesitar la ayuda de estos incompetentes ninguna otra vez. Jan sigue sorprendiéndonos de vez en cuanto y nos ha dejado algunas historias que merecen otra entrega de esta biblioteca (La gran superproducción). Pero yo hecho de menos todo el pastiche superhéroico que nos ofreció Efepe.

Por cierto, como curiosidad: tras su periplo con el supergrupo, Superlópez cambió la S de su traje para no tener problemas legales con DC. ¿Cómo se tomaría Marvel hoy en día ésta "revisión" de sus personajes?