No perdáis detalle del descubrimiento que nos hace el weblog A Bote Pronto. Se trata de un libro llamado Clean Cartoonist's Dirty Drawings, una publicación que como ya deja entrever su propio título, lleva a cabo una extensa recopilación de bocetos e ilustraciones de corte erótico (en ocasiones rozando lo pornográfico) realizadas por distintos autores que tienen en común en el hecho de ser reconocidas figuras de la historia del cómic. Desde leyendas como Steve Ditko (co-creador de Spiderman), Bob Kane (creador de Batman), Al Capp (recordado sobre todo por su tira cómica Li'l Abner) o Jack Kirby (creador de... bueno, ya sabéis) hasta autores modernos como Adam Hughes o Bruce Timm pasando por ilustres dibujantes como Chuck Jones (Bugs Bunny) o Carl Barks (Donald Duck). Podéis ver una pequeña muestra del libro en su web oficial.


Clean Cartoonist's Dirty Drawings sale a venta a mediados de Octubre en los Estados Unidos.

Vía Con C de Arte

En realidad, estaba previsto que la "secuela" de la muy decepcionante (pero aun así no desastrosa del todo, en mi opinión) Alien vs Predator formara parte de la primera lista de veinte que realizamos a principios de año. De hecho, se encontraba relativamente arriba en dicho ranking, algo completamente lógico tratándose de dos monstruos tan queridos por nosotros como Aliens y Depredadores.


Sin embargo, la ausencia casi total de información (se conocía el nombre de los nuevos directores, los Hermanos Colin y Greg Strause y de algunos miembros del reparto, pero no había trascendido ni siquiera una de esas fotos primerizas del rodaje que suelen aparecer poco después de concluir la preproducción. Por no haber, no había ni siquiera un título definitivo) provocó que finalmente se cayera de la mencionada lista. Sin embargo, hace bastante poco la productora del film ha comenzado a dejar caer las primeras imágenes, los primeros trailers y hasta el primer póster y es por ello que, una vez visto lo visto, podemos afirmar con total claridad que Aliens vs Predator: Requiem se merece a todas luces estar entre las películas que os recomendemos de cara al final de año.


Y es que lo que nos han enseñado hasta ahora solo puede definirse con una palabra: brutal. Dos trailers destinados de forma exclusiva a un público adulto por su alto contenido gore, una trama que sitúa a las dos razas de monstruos dándose palos en medio de una ciudad humana (nada de pequeñas peleas de iniciación Predator en un recóndito lugar del Polo Sur lejos de cualquier vestigio de vida), marines muertos de miedo que hacen lo que buenamente pueden para frenar la carnicería, Aliens que se parecen mas a los de James Cameron que a los de Paul W.S. Anderson, un Predalien con muy buena pinta, rumores que dejan entrever que nos daremos un paseo por el planeta de los Depredadores y hasta la Ripley de rigor, que no es Sigourney Weaver pero poco le falta. Si la película finalmente cumplirá las expectativas que han generado sus trailers es algo que aun está por ver. Eso sí, si algo está claro es que estas navidades las pasaremos con la agradable compañía de dos de nuestros engendros favoritos. ¿Se puede pedir mas?

Desde hace unos días se puede descargar la demo de Spider-Man: Friend or Foe, aquel juego sobre el que ya hablamos por estos lares y cuyos primeros avances tanto nos decepcionaron en su momento. Como actualmente mi PC de gama baja no me permite disfrutar de experiencias mas estimulantes como Bioshock o Stranglehold, por poner un par de ejemplos, finalmente me he decidido a bajar la mencionada demo y comprobar por mi mismo si el juego es tan malo como parece. Mucho me temo, sin embargo, que tras un buen rato jugando a Spider-Man: Friend or Foe, no puedo responder con rotundidad a esa pregunta si sí o si no. No es un gran juego, eso si puedo afirmarlo sin problemas, pero no puedo decir que realmente sea la bazofia que daban a entender que sería cualquier imagen o video in-game visto hasta ahora.


Me explico. Los gráficos son increíblemente mediocres, los personajes tienen pocos movimientos y los controles y la mecánica del juego son torpes hasta decir basta. Pero aun así Friend or Foe es un juego que podría llegar a disfrutar muchísimo... si tuviera unos cuantos años menos. Para empezar, es una especie de actualización de aquellos antológicos Spider-Man and Venom: Maximum Carnage o Spider-Man and Venom: Separation Anxiety de SNES, y la sensación cuando tenemos a Spiderman y Veneno en pantalla dándose tortazos contra enemigos idénticos que llegan de todos lados es muy parecida a la que nos provocaban esos juegos. Además, Friend or Foe cuenta con una grandísima baza, y es el hecho de que su "trama" esté planteada como un tremendo fan-fiction ambientado en el universo de las películas de Spider-Man. La intro generada por ordenador, con Spider-Man, Veneno, Doc Ock, el Duende Verde y el Nuevo Duende viéndose acorralados por un montón de bichejos parecidos a Matanza cuando se disponían tranquilamente a enzarzarse en una de sus típicas peleas es sencillamente tronchante, amén del mejor ejemplo de lo divertido que puede llegar a ser el juego. Por si fuera poco, parece que habrá un buen montón de personajes jugables (además de los mencionados están La Gata Negra, Puño de Hierro, Marta Plateada, el Escorpión...) y eso es algo que siempre suma muchos puntos.


En resumen, con Spider-Man: Friend or Foe, los jugones con mas muescas en nuestros mandos (o teclados, o ratones...) no tendremos ni para empezar, pero para los fans mas jóvenes del trepamuros este juego puede ser una experiencia grandiosa. Al fin y al cabo, nosotros ya nos lo pasamos como enanos en su momento de su versión en 16 bits (algunos incluso de vez en cuando lo seguimos haciendo), así que ahora les toca a ellos. A propósito, mi tarjeta gráfica de la serie GeForce 6 ha sido capaz de moverlo fluidamente a la máxima resolución, cosa que no puede decirse de casi ningún juego que haya salido en los últimos dos años, así que si vais a probarlo, yo no me preocuparía excesivamente de los requisitos mínimos.

Más Simpsons. Me pasa nuestro antiguo compañero Javier Arriola (a quien podéis seguir leyendo en su blog Comix Volumen 2) un par de enlaces que de inmediato me he visto en la necesidad y en la obligación de compartir con todos vosotros. Son un par de posts con algunas de las muchas e impagables referencias cinematográficas que nos ofreció la serie durante sus primeras temporadas, las cuales es mas que probable que conozcáis ya. Sin embargo, estoy bastante seguro de que pocas veces las habréis visto identificadas como en estas dos recopilaciones, ya que alguien, para nuestro goce y disfrute, se ha dedicado a asociar fotogramas exactos de la serie con aquellos pertenecientes a las películas que parodian/homenajean, dando como resultado un de lo mas estimulante a la propia mitología de la serie. Escenas de Psicosis, Que bello es vivir, 2001: Una Odisea del Espacio, En busca del Arca Perdida, King Kong... y así hasta superar una treintena de titulos que ahora podréis asociar con sus respectivos homenajes simpsonianos como Dios quiere y manda pulsando aquí y aquí. Disfrutadlo.

Con esta nueva iniciativa, Marvel sigue potenciando su página web cada día más. En este caso, tenemos un motor de búsqueda (en mi caso, que uso Firefox, se añade a la barra de búsqueda de arriba a la derecha, donde puedes añadir múltiples motores de búsqueda como la Wikipedia, la RAE, Google, Technorati, IMDB o eBay, por ejemplo), llamado Marvel Universe Search Extension (original el nombre) que nos permite buscar información sobre el Universo Marvel accediendo directamente a las completas fichas de la propia compañía. Por poner un ejemplo, después de instalarlo (cosa que lleva, por lo menos en Firefox, 2 segundos exactos), introduces Spiderman en la barra y le das a buscar, llevándote a esta página, con mucha información y enlaces al estilo Wiki. Claro, como siempre, el problema es que está en inglés, pero para cosa concretas, puede estar interesante.

Vía Marcus.es

El comienzo de la decimonovena temporada de Los Simpsons ha estado precedido de un opening que es, desde ya, uno de los más gloriosos que hemos podido ver en toda la historia de la serie. Como suele suceder en estos casos, las palabras sobran...


Los Simpsons son grandes. Lo han sido siempre y siempre lo serán. E independientemente de lo buenas, malas o irregulares que sean sus últimas temporadas, no está de mas que ellos mismos nos lo recuerden de vez en cuando.

Vía Freak’s City

Ha llegado el momento de hablaros de aquellas películas sobre las que, bien por falta de información, bien por falta de previsión, no acertamos a incluir en la lista de veinte que os ofrecimos durante los primeros meses del año.


Comenzamos con Beowulf, un proyecto de animación del que poco o nada se sabía a principios de este año pero cuyas primeras informaciones, espectaculares trailers incluidos, nos han llamado la atención sobremanera a lo largo del verano. Y lo cierto y verdad es que hay pocas cosas que no resulten atrayentes de esta película. Para empezar, está escrita nada mas y nada menos que por dos plumas tan visionarias como son las del escritor Neil Gaiman (Sandman, Stardust) y la del guionista Roger Avary (Pulp Fiction, Silent Hill), cuya colaboración a la hora de adaptar al cine (una vez mas) el poema de Beowulf ya debería ser de por si una garantía de peso que nos llevase al cine ipso facto. A los mandos de la nave se encuentra además el director Robert Zemeckis, que viene avalado por su experiencia al cargo de producciones de animación por ordenador basadas de forma exclusiva en tecnologías avanzadas de motion-capture como Polar Express. Y a sus ordenes, un reparto de autentico lujo encabezado por actores como Ray Winstone, Angelina Jolie, Anthony Hopkins, Brendan Gleeson o John Malkovich. Ahí es nada. Sus creadores prometen además, y ahí están los trailers para confirmarlo, que las técnicas de animación por ordenador empleadas irán mucho mas allá de cualquier cosa que hayamos visto hasta ahora, permitiendo un increíble realismo mezclado a la vez con la inverosimilitud visual que solo puede conseguirse en una película de animación. El propio Gaiman, de hecho, no se cansa de afirmar que Beowulf será lo mas parecido a una novela gráfica que vamos a ver en una gran pantalla. Y no hay razón alguna para pensar que miente.



Si finalmente Beowulf hace honor a sus impresionantes avances y no se no se ahoga a la hora de recrearse en su propia magnificencia (como por ejemplo si le sucedió hace algunos años a ese precioso aburrimiento llamado Final Fantasy: La Fuerza Interior), podemos estar ante el gran peliculón de esta recta final del año. La respuesta, el próximo mes de Noviembre.

En este artículo me refiero única y exclusivamente a la etapa de Ellis y Hitch en la colección "The Authority", no a los números posteriores que, si bien tienen una calidad más que notable, sobre todo la etapa de Millar y Quitely (pocos números), no son lo que estos 12 números, que ahora podéis encontrar en un tomo único bien editado por Norma a un precio asequible.


Citando a Grant Morrison, "The Authority" es el primer gran cómic de superhéroes del siglo XXI. Y es que hay pocas formas mejores de decir qué significó esta colección para el cómic (aunque algunos crean que no es para tanto: puede que no sea un cambio a lo "Watchmen", pero sienta las bases del nuevo cómic de este siglo).

"The Authority" nace en la privilegiada mente de Warren Ellis y es parido por los lápices del gran Bryan Hitch (en un estado de gracia que muchos echamos de menos en algunos números de "The Ultimates") pero, empecemos por el principio, "Stormwatch". Esta colección, nació en Image, en los 90, y nunca ofreció prácticamente nada interesante. Contaba las andanzas de una agencia gubernamental de seres superpoderosos a las órdenes de la ONU y no llegó a tener prácticamente ninguna relevancia (casi ni al nivel mediático y adolescente de sus compañeras de piso) hasta que llegó el crossover que afectó a todo el universo editorial de Image, Fire from heaven, a partir del cual, Warren Ellis se puso a los mandos de la colección, la hizo interesante, oscura y sentó las bases de "The Authority", con la que empezó tras matar a casi todos los personajes durante el crossover WildC.A.T.s/Aliens, que sirvió de borrón y cuenta nueva para la serie.

Y, así, en el 99, aparecería "The Authority" que, pese a que tenía sus conexiones con la colección anterior, estaba concebida para leerse sin haber leído nada de lo contado por Ellis en "Stormwatch" (y así lo leí yo la primera y la segunda... y la tercera vez) y lo hizo con éxito. Pero, ¿qué tiene de especial la colección? ¿Qué es lo que le caracteriza? ¿Qué es lo que le hace tan grande? Precisamente eso, que es grande, que sobrepasa todos y cada uno de los límites narrativos, argumentales y gráficos fijados y se dedica a hacernos felices.


Partamos de la base de que la premisa argumental de la colección es que alguien se decida a actuar, con una autoridad moral superior, como vigilante del mundo y protector del bienestar de sus habitantes, sin ninguna atadura política ni ningún color en su bandera. Los miembros del grupo, supervivientes de diferentes estamentos y divisiones de la difunta "Stormwatch", son siete, pero no necesitan más... aunque es bien es cierto que se puede decir que su transporte, una desmesurada nave viva abandonada que navega entre dimensiones, es como el octavo miembro del grupo. Son siete (Jenny Sparks, Jack Hawksmoor, Apollo, Midnighter, El Doctor, Engineer y Swift), sí, y se enfrentan a cientos y a miles, hacen lo que haga falta y actúan sin responder ante nadie. En los 12 primeros números, divididos en 3 arcos argumentales ("El círculo", "Naves transmutadoras" y "Oscuridad exterior") nuestros héroes se enfrentan a un dictador con un ejército de superseres, a alienígenas de realidades alternativas y a algo que podríamos llamar "dios". Cada vez más grande, cada vez más desproporcionado y cada vez más espectacular.

He dicho héroes pero, aunque ni siquiera podríamos llamarles superhéroes, es lo menos que podemos hacer, porque se enfrentan a superamenazas de verdad (y porque son "super", en todas sus facetas, casi divinos, casi mitológicos y totalmente elevados por encima de la ley), amenazas inminentes que, de verdad, van a dominar, destruir o esclavizar el mundo. YA. No mañana o si hacen tan o cual cosa. YA. Y nadie más puede hacer nada para detener las amenazas. Cuando le preguntan a un miembro del grupo que porqué ha cambiado su "vida normal" por ésta, que porqué sigue adelante, éste le responde: Porque alguien tiene que hacerlo. Y es que, es verdad, alguien tiene que intentar que el mundo sea un mundo mejor que ayer y peor que mañana, alguien tiene que responder a las amenazas que nadie más puede, porque sino, no habría esperanza.


Y si todo lo dicho de los argumentos, de la profundidad y simbolismo de la serie no os convencen, vamos a entrar en el apartado técnico. Y es que, si todo en las historias que se cuentan en la colección son grandes, todo lo demás también lo es: Warren Ellis escribe un guión genial y dialoga de maravilla (no creo que sorprenda a nadie y, seguramente, veremos algo más suyo en esta sección, como "Planetary" y "Transmetropolitan"); Bryan Hitch, en su versión definitiva, dibuja todo grandioso, sin escurrir el bulto, con detalles, con una narración casi cinematográfica perfecta y espectacular; Paul Neary entinta un dibujo sublime de la mejor manera; y, Laura DePuy, le pone el mejor color posible, un color perfecto, claro y brillante que agranda aún más las imágenes que se nos proponen. Leyendo todo lo anterior, da la sensación de que todo es perfecto, que no hay nada malo en el cómic (y no es muy falso pero, más bien, lo que es perfecto es el momento y la unión de talentos, que parece irrepetible) y lo hay, aunque siguiendo un manido tópico que nunca fue más cierto: lo peor de "The Authority", es que se acaba (y cómo) y, además, lo hace de tal forma que no haría falta continuarla, cerrándose como un círculo perfecto.

Si no la tenéis en vuestra estantería, por lo menos leedla, no os arrepentiréis, porque "The Authority", es puro superheroismo moderno, espectacular, ágil, violento, sin filtros, con acción, con enemigos demasiado grandes y con todo lo que hace falta para pasar un buen rato deleitándose entre sus páginas: el paradigma de lo que deberían ser los cómics el cual, actualmente, se ha pervertido a muchos niveles. Una pena.

Para saber más de la colección:
Guía del cómic: The Authority, de Warren Ellis y Bryan Hitch.

El cine de Takashi Miike suele provocarme sensaciones contradictorias. Adoro algunos de sus trabajos, pero aborrezco la gran mayoría de ellos. Sin embargo, me es imposible negar lo mucho que me llama la atención su próxima película, Sukiyaki Western Django.


Por lo que he podido leer por ahí, se trata de una especie de remake de Django (de Sergio Corbucci y uno de los mejores exponentes del spaghetti western que se han realizado jamás) que se traslada al antiguo Japón, justo en medio de las Guerras Genpei que enfrentaron a los clanes Taira y Minamoto entre los años 1180 y 1185. En otras palabras, una paranoia al estilo Miike disfrazada de western para la ocasión. Como habéis podido comprobar, el trailer promete. Y los japoneses molones vestidos a la última moda estilo anime que se enfrentan con katanas y revólveres, también. Ah, y sale Tarantino, lo cual no deja de ser un aval de peso. Eso sí, apuesto a que su personaje la palma a las primeras de cambio...

El bueno de Takashi lleva recorriendo festivales con ella prácticamente desde finales de Agosto la estrenó hace un par de días en Japón. En cualquier caso, aun no hay noticias de que eso vaya a pasar en nuestro país, por lo que habrá que seguir esperando.

Vía TarantinoSpain

Ya sabéis que un blog es una paradoja, un producto esquizofrénico. Por un lado obedece a motivos puramente ególatras, por otro, a motivos altruistas. Volatilis es uno de los blogs donde esta contradicción se ve más clara. Por un lado, tenemos el atrevimiento de suponer que nuestra opinión de amateurs tiene el suficiente valor como para ser difundida, por otro, tenemos una vocación solidaria por la que nos dedicamos a informaros, con un rigor y una opinión independiente digna del mejor periodismo, de todo aquello que puede llevar divertimento a vuestras vidas.
Por eso, vamos a inagurar una serie de post temáticos que son una selección de lo mejor que los diferentes modos de ficción ofrecen. En este caso empezamos con los comics (aunque no lo parece, antes esto era un blog de comics). Biblioteca Volatilis pretende agrupar los comics que no pueden faltar en tus estanterías, que hay que tener, que son imprescindibles, en suma, que hay que leer antes de morir (Dani dixit).

"Hard Boiled" (nada que ver con la peli de Woo) de Frank Miller y Geoff Darrow es una obra absolutamente impactante. Nadie que la haya visto (no hace falta leerla) puede olvidarla. Me atrevo a decir que nunca, antes ni después, se ha visto algo igual en el cómic, al menos en el de EE.UU (que los japos, son los japos). Es una obra eminementemente visual, que se hace inolvidable con tan sólo un leve vistazo por dos cosas: un dibujo brillante e hiperdetallado y su exagerada ultraviolencia. Por eso, en su momento se consideró el cómic más violento jamás publicado en EE.UU. y yo creo que, a pesar de que después de él vineron Bisley y Ennis, no ha sido superado a nivel visual. En el cómic mueren violentamente más gente que en todos los Rambos juntos y todas las muertes se detallan como si el dibujante fuese un notario obligado a dar fe de todas y cada una de las que en el cómic acontecen.

"Hard Boiled" cómic absolutamente delirante, desquiciado y desquiciante se publicó entre 1990 y 1992 (esos años felices en los que Tarantino y Woo saltaron al estrellato, cuyo cine tiene muchos puntos en común con este cómic). Miller escribió una historia INGENIOSA porque con ella, conseguió integrar perfectamente el arte de los dos autores, a la vez que permitía lucirse al dibujante y así pasar desapercibido (si esto fue intencionado, lo tendrán que decir los expertos en el autor). Así pues, Miller hizo una guión perfecto demostrando que la calidad de uno de estos, no se mide exclusivamente por sus cualidades argumentales y estilísticas, sino también, por su cualidad de vehículo para elaborar una historia que trasciende las palabras.

Esta obra es la que parte la carrera de Miller en 2. Después de "Hard Boiled", viene el Miller que conocemos hoy, el gamberro de humor retorcido y negro enfocado a la DIVERSIÓN, al ruido y a la furia. La historia es de Ci Fi, uno de sus dos géneros favoritos. Su inspira en P. K. Dick, dicen que en "La hormiga eléctrica", no lo sé porque no he leído ese relato, pero si os digo que tiene ecos de "Sueñan los androides con ovejas eléctricas". Acabo de decir que Miller tiene 2 géneros favoritos, pues bien, el otro, es el género Negro o Policíaco. De este coge el aspecto visual (años 50) y el título, que es como se conoce en inglés las novelas estadounidenses de detectives privados (punto de ebullición en castellano). Con estos dos mimbres construye una historia simple, vandálica, ultraviolenta, SATIRÍCA, de humor negrísimo y sádico que va in crescendo hasta un APASIONANTE final paroxístico y apoteósico como pocos, al que le sigue un epílogo trágico que pone en primer plano, lo que en la parte anterior de la historia estaba escondido y que es una reflexión espiritual, convencional, pero no por ella exenta de fuerza, que da cierta profundidad a una historia que hasta ese momento, se presentaba como un divertimento descerebrado, enfermizo y de muy mal gusto. Aunque el guión se puede considerar atípico en la obra de Miller, pues las constantes que siempre se encuentran en todas y cada una de sus obras no estan, no es así. Estan, pero no voy a deciros más por no espoilear, dado que esta obra sólo se ha publicado en nuestro país una sola vez a principios de los 90 (que por cierto, la portada del 3º número español no es la original, no se que motivó el cambio, sólo se me ocurre como tal, la ultraviolencia de la misma), puede que muchos no la hayáis podido leer.

Los dibujos de Darrow son los verdaderos protagonistas de la obra. Ante un guión muy lacónico (y pese a ser de Miller, sin textos de apoyo, voces en off o pensamientos) son los que llenan, de alguna manera, ese silencio con un dibujo superlativo (se publicó en un tamaño cercano al europeo, cosa rara en EE.UU.), BIZARRO y recargado como jamás se ha visto. Un dibujo magnífico que recuerda al de la línea clara, al de Hergé, pero más realista y moderno. Un dibujo excelente, recargado hasta la náusea con detalles, increíble y alucinante, que llevó mucho tiempo hacer, que consigue suplir la falta de información del guión y llegar más allá. Con esta habilidad extrema, esta locura por los detalles y con múltiples referencias visuales (los 50, el manga clásico, los dibujos animados, la cultura pop, Los Simpsons, el urbanismo japonés, etc.) Darrow crea una ficticia megalópólis ciclópea, excesiva, malsana, pervertida, superpoblada, donde la vida no vale nada, que ha sentado precedente y es referencia obligada desde entonces (la megalópolis de Top Ten es heredera directa). Supongo que ayudado por Miller en algunos detalles, Darrow lo llena todo de pintadas, de autopistas atestadas de vehículos, de letreros, carteles y señales, de metal, de basura, de calles atestadas de peatones, de grandes armas y, sobre todo, de cadáveres y ultraviolencia, todo detallado perfectamente y sin ningún ahorro en cuanto a visceras. En fin, un trabajo totalmente ACOJONANTE por el talento desplegado, las horas de trabajo empleadas y porque, a pesar de la exhuberancia y frondosidad de los detalles, jamás comete un error de raccord. En fin, que Darrow nos da, por algo de dinero, un auténtico y exclusivo espectáculo visual apabullante que, siguiendo aquejado de esta pedantería desatada, recuerda lejanamente a la pintura flamenca y en especial a El Bosco. Narrativamente también es un gran cómic. Es muy cinematográfico (o muy manga) por su dinamismo y ritmo acelerado, llena de recursos y variedad, dado que la pericia de Darrow permite dibujar cualquier cosa y adoptar cualquier punto de vista y perspectiva. Me atrevo a decir que el mérito de esta es de Miller, ya que su calidad, ritmo y recursos que estan presentes en todas sus obras, estan en "Hard Boiled" también. Por un lado, estan esas páginas de mil viñetas cada una y por otro lado esas splash page (que son un macabro y ácido "Dónde esta Wally?") una detrás de otra, que preludian "Sin City". De modo que la lectura de este cómic, es algo EMOCIONANTE.

Así pues "Hard Boiled" es un cómic excepcional y una auténtica obra maestra del Cómic. Pues, aunque la historia es muy simple (en verdad es un chiste), a nivel artítisco llega muy lejos. No sólo esta la excepcional calidad y trabajo de los autores (sobre todo de Darrow, que se da una auténtica paliza), el dibujo perfecto y la atención a los detalles exagerada e insana, sino también su condición de obra vanguardista lograda por su exploración de los límites del Cómic mediante el contraste entre el guión y el dibujo. Puesto que "Hard Boiled" padece de un desiquilibrio radical entre los dos lenguajes que el Cómic auna. Se podría decir que es un cómic con hipoletritis e hiperdibujitis (no me pequéis en la cara). De tal forma que, mientras lo escrito casi llega a brillar por su ausencia, lo dibujado tiene un nivel de detalle tan inmenso y excesivo que es imposible decodificarlo en una sola mirada de tal forma, que cortacircuita el cerebro del lector nada acostumbrado a algo así. Por un lado la mayoría de las viñetas son mudas, las que no, tienen pocas palabras lo que, normalmente, haría que el cómic se leyese como un manga, en un santiamén. Pero aquí no, porque el dibujo es tan hiperdetallado que detiene la mirada puesto que, con un solo vistazo, no basta para procesar toda la viñeta pues excede la capacidad de los sentidos humanos. De modo que el lector, en cada viñeta, no sabe si avanzar o detenerse (y no hablamos de un par de segundos más de lo normal) para disfrutar y descubrir todos los detalles, lo que obliga a una lectura esquizofrénica. Así que, este es el único cómic que se lee 2 veces seguidas, primero la letra y luego sólo mirando los dibujos.

En fin, "Hard Boiled" es un CÓMIC absolutamente genial, pero no te lo recomendamos porque sea una gafapastada o por su alto valor artístico, sino por su vandálica ultraviolencia, por su radicalidad excesiva, su humor negro SARCÁSTICO y sádico y su "Mal gusto", por lo que creemos que os entretendrá mucho, pues son cosas que sé que sólo la legión de fans de los zombies que leen este blog, son capaces de apreciar. Creedme, "Hard Boiled" desprecia la vida humana al mismo nivel que un zombi.

Ayer leía en Apokolips la noticia de la inmediata marcha de Carlos Pacheco como dibujante de Superman. No deja de ser curioso que en España estemos aún descubriendo sus primeros episodios y ya sepamos que en cuestión de unos meses Pacheco no va a seguir ahí. Pero bueno, esto ya no debería de resultar extraño para nadie que haya seguido la carrera de este hombre durante unos cuantos años. El gaditano parece estar metido en esa moda o costumbre de dibujar unos pocos episodios al año, aunque éstos resulten excelentes, eso si. Cada vez más lejos quedan los tiempos en que un dibujante pasaba años y años en un título y hacían Historia, así, en mayúscula. Siempre pensé que este señor haría algo grande, y aunque sin duda se ha convertido en uno de los mejores, aún estoy a la espera de que haga esa gran obra por la que podamos recordarle en un instante.

Allí donde ha trabajado se ha mostrado incapaz de dibujar más de docena de episodios consecutivos (cosa más que habitual en Salvador Larroca, por cierto) y sus pinitos como guionista en Fantastic Four fueron un poco decepcionantes. No hizo época en X-Men, como tampoco más recientemente en Green Lantern. Y sus Avengers Forever y Superman/Batman se quedan en simples frikadas de mucho cuidado. Tenía la esperanza de que en Superman se mantuviese durante mucho tiempo, dibujando una etapa que pudiésemos disfrutar durante años. Transmitía cierta confianza por estar acompañado de Kurt Busiek, guionista con el que parece tener cierta amistad y buen rollo. Pero ni aún con esas. Pacheco deja Superman en el número 668. Otra ocasión perdida, y además, ésta con el más grande de los superhéroes.

Después de sólo diez episodios publicados la serie Green Lantern fue relanzada en Estados Unidos, no porque estuviese necesitada de ello, sino más bien para que se viese enmarcada en el evento Un Año Después. Esto significa que entre el número 10 y el 11 ha pasado para el personaje todo un año, cosa que deja al bueno de Hal Jordan en una nueva situación que descubrir. Y aunque la serie no lo necesitase, lo cierto es que ha ganado, y mucho, en calidad. El guion sigue a cargo del incombustible Geoff Johns, mientras que Carlos Pacheco y Ethan Van Sciver dejan los lápices a Ivan Reis. Para que nadie se pierda decir que esos diez primeros episodios fueron publicados en español en la miniserie Green Lantern Especial, mientras que del 11 hacia delante aparecen ahora en una serie regular, la denominada Green Lantern/Green Arrow Presenta.

¿Y por qué la serie ha mejorado respecto a los primeros episodios? Primero por la espectacularidad de Ivan Reis, quien se suelta la melena creando splash-pages verdaderamente increíbles, dibujando todo tipo de personajes, desde extraterrestres a simples humanas de esas que dejan boquiabierto a cualquiera. Y además con una puntualidad que ya le gustaría a otros profesionales, cosa que otorga cierta continuidad visual a la colección. Sin duda Reis mejora la serie respecto a sus predecesores, un Pacheco un tanto acartonado y un Van Sciver de estilo oscuro que no parece encajar con un personaje que precisamente representa lo contrario, la luz.

Por su parte Johns embarca la colección en una nueva saga que lleva a Hal Jordan y a Guy Gardner hasta el mismísimo planeta de los Manhunter. Y ya se sabe que cuando se habla de los Manhunter sólo se puede esperar combates a lo grande, con cientos de robots dispuestos a machacar a cualquier ser humano que encuentren por el camino. La historia viene plagada de sorpresas, primero porque durante esos doce meses perdidos Hal ha pasado por una dura experiencia, y segundo por el regreso de varios viejos personajes, en especial uno de esos que nunca se olvidan. También a destacar la incorporación de los Guardianes Globales como personajes secundarios, uno de los pocos grupos que aún no había pasado por las manos mágicas de Johns, así que es de esperar una renovación profunda de este particular equipo del Universo DC.

La Liga de la Justicia vuelve en una nueva serie, tanto para los españoles como para los americanos. En esta ocasión las historias vienen firmadas por Brad Meltzer (autor de Crisis de identidad y de un arco argumental de Green Arrow) y Ed Benes (un clon de Jeff Scott Campbell que ha trabajado en Supergirl, Superman o Birds of prey). Desde la marcha del guionista Mark Waid la JLA ha pasado por una etapa especialmente mala, de la que sólo se puede salvar alguna que otra historia muy concreta. Con la entrada de Meltzer es de esperar que el grupo recupere la gloria de antaño.

Este primer cuaderno español recoge no sólo el primer episodio americano, sino también el número 0, un especial que repasa la trayectoria del grupo a través de la relación de tres de sus principales fundadores: Batman, Wonder Woman y Superman. Quienes hayan leído recientemente el libro JLA: Año Uno pensarán que esto es un error; nada más lejos de la realidad. Con la excusa de Crisis Infinita DC ha recuperado a la trinidad como fundadores del grupo, o sea, un concepto pre-Crisis invalidado para la continuidad post-Crisis y que vuelve en esta continuidad post-Crisis Infinita. ¿Era necesario este "regreso a los orígenes"? Pues sí y no. La verdad es que resultaba extraño que en el principal grupo de superhéroes de la editorial no estuviesen los tres grandes. En su momento el mencionado Waid y Barry Kitson hicieron un trabajo estupendo en ese JLA: Año Uno, pero faltaba la grandeza que le podía otorgar el tener a estos personajes. Ahora eso ha cambiado en un efecto de retrocontinuidad que coloca a Wonder Woman en las filas del grupo incluso durante la etapa de estatus internacional (ver Clásicos DC: JLA/JLE). En este número 0 participa un buen montón de dibujantes que representan con sus característicos estilos esas etapas de la Liga: Kevin Maguire, Dick Giordano, George Pérez, Howard Porter, etc. Pero este número 0 no sólo es un vistazo al pasado, sino también al futuro, dejando en el aire las tramas argumentales que van a ponerse en marcha a lo largo de los siguientes episodios. Meltzer vuelve a mostrarse como un fan nostálgico sin olvidar que ahora es él el que tiene que aportar su granito de arena a la Historia.

Es con el número 1 propiamente dicho con el que Benes se adueña del dibujo en exclusiva. Su estilo es el de esperar: figuraras musculosas, mujeres despampanantes con ojos "achinados", escasa caracterización de los personajes, etc. Probablemente muchos otros dibujantes habrían sido una mejor elección para el cargo, pero Benes sale con decencia haciendo uno de sus mejores trabajos. Lo cierto es que le habría venido de lujo una historia más movida y cargada de acción como las de la época de Grant Morrison. Como en Crisis de identidad, esta JLA de Meltzer parece más ubicada en el suspense o el misterio que en la aventura superheroica tradicional. La de Morrison era una JLA que no sólo guiñaba a las viejas historias, sino que además intentaba trasladar aquel espíritu a la actualidad. Meltzer, como Morrison, también adora aquellos cómics, pero va a la suya y hace lo que a él le gusta, o sea, lo dicho: suspense y misterio. El sorprendente regreso de un héroe, el asesinato de otro, conversaciones crípticas entre algunos personajes…

Por cierto, como puede entreverse por la portada, el protagonismo de la serie va a moverse entre un amplio número de personajes: Vixen, Tornado Rojo, Relámpago Negro, Green Arrow… Parece que al menos ahora, con Meltzer, la serie no se centrará sólo en siete personajes, sino que abarcará un extenso abanico de superhéroes. No en vano, estamos hablando de la Liga, y ya se sabe que la justicia no la pueden impartir unos pocos.

• ¿Podría Robert Rodriguez dirigir el episodio piloto de Predicador?. Por si el proyecto de Mark Steven Johnson de convertir en una serie de televisión para el canal HBO el genial cómic de Garth Ennis no tenía ya una pinta lo suficientemente buena, ahora nos sorprenden con esto. La gente de CHUD.com va incluso mas lejos, y aporta nombres como Brian De Palma, David Cronenberg, Danny Boyle, Alex Proyas o Juan Carlos Fresnadillo como posibles directores de capítulos posteriores. ¿Podemos babear ya?.
  
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• Viaje al planeta de los Depredadores en Aliens vs Predator: Requiem.
  
• The Spectacular Spider-Man dobla el número de episodios previstos para su primera temporada.
  
• Dario Argento y George A. Romero encuentran distribuidoras para The Mother of Tears y Diary of the Dead respectivamente en los Estados Unidos. El maestro Romero, por cierto, acaba de comentar que tiene planes para al menos una nueva entrega de su zombificada saga (sería la sexta entrega). Y nosotros nos alegramos de ello, ya que parece que Diary of the Dead nos ayudará con creces a superar la decepción que muchos nos llevamos con Land of the Dead, su predecesora.
  
• Trailer de la séptima temporada de Smallville.
  
• Nuevos (e impresionantes) pósters de 30 Days of Night

• Ya disponible la demo de Stranglehold de John Woo para PC.
• Kung-Fu Bandito. Mejorar Kung-Fu Master era posible. (Vía Ecetia)
  

Mi último venazo post-visionado de Death Proof es volver no solo sobre la filmografía completa del Gran Hombre, sino también sobre un considerable número de películas a las que hace referencia de una forma u otra en las suyas propias. Y aunque algunas de ellas ya las había catado (las mas obvias, como Lady Snowblood, Vanishing Point o los spaghetti western de Leone, por ejemplo), otras me eran completamente desconocidas. Por eso, de vez en cuando, uno se alegra de encontrarse posts como éste del siempre interesante blog TarantinoSpain, donde se destapan algunas de las referencias mas importantes que el bueno de Quentin tomó prestadas ("Los grandes maestros roban, no hacen homenajes", son palabras suyas) para construir esa obra maestra que es Kill Bill.

Aparte de referencias obligadas a películas como la propia Lady Snowblood, Salario para matar de Sergio Corbucci o la serie The Green Hornet, del mencionado post me ha llamado especialmente la atención el descubrimiento de una película sueca They Call Her One Eye, máximo exponente de las sexploitation setenteras, inagotable fuente de inspiración para Kill Bill (en un trailer de apenas minuto y medio de duración ya es posible intuir de donde se sacó Tarantino al personaje de Elle Driver y si me apuras, hasta a la propia Beatrix Kiddo) y sobre todo, verdadero germen ese gran acontecimiento veraniego que ha sido Grindhouse.


Aunque en este post os he dejado algún que otro video ilustrativo, tenéis más ejemplos en un canal de YouTube llamado Kill Bill Reference. Ahora decidme que no os han entrado ganas de llamar a unos cuantos amigos y montar vuestra propia double feature con los DVDs de Kill Bill…

El tener que documentarme para Consumismo Friki me ha llevado a descubrir algunos sitios web realizados por auténticos fanáticos del coleccionismo de merchandising friki y figuras varias. Algunos de ellos tan sorprendentes y por otra parte, tan obvios, que me sorprende no haber sabido de su existencia hasta ahora. La palma a este respecto se la lleva un página llamada Eternal Collector, y que viene a ser algo así como el concepto de los Templos Frikis (no como lugares físicos, sino como referencia a la idea de que los lectores de una web la construyan enviando fotos de sus colecciones) llevado a la máxima expresión.


Así, si en Volatilis los Templos Frikis son una importante sección del blog, en Eternal Collector son su razón de ser. Lo cual da lugar, como no podía ser de otro modo, a que la web se nutra de otros contenidos a partir de esa idea. Por ello, y aunque las fotos de los lectores son el puntal básico, también es posible encontrar noticias sobre lanzamientos de figuras, rarezas, artículos, reviews y hasta muñecos modificados por los propios lectores. En otras palabras, si sois fans de los Templos Frikis, Eternal Collector será de ahora en adelante, una web de visita obligada para vosotros.

Bonus: Volatilis no es el único lugar donde podemos contemplar imágenes de los Templos Frikis patrios. En varios foros como el de la web Tumba Abierta o el de Marcianitos hay extensos hilos donde los lectores cuelgan decenas de fotos de sus santuarios frikis...

Coged un rotulador rojo y marcad bien el 23 de Septiembre en vuestros calendarios, ya que es la fecha elegida para el estreno de la sexta temporada de Padre de Familia y que, como muchos ya sabréis, comienza nada mas y nada menos que con un episodio doble que homenajeará por todo lo alto a Star Wars. Como no podía ser de otra manera, la primera imagen promocional de la nueva temporada es una versión del primer póster de Star Wars pero con los personajes de la serie como protagonistas. Y en efecto, como vosotros mismos podréis apreciar, es sencillamente genial.
En YouTube y similares hay varios avances del episodio (algunos de ellos de mas de 10 minutos de duración) que sirven para hacerse una idea de por donde irán los derroteros del mismo. Como suele suceder en estos casos, no son sino videos de escasa calidad grabados por aficionados en distintas convenciones pero que sin duda os ayudarán a hacer la espera un poco mas llevadera hasta finales de la próxima semana. Al menos mientras hasta que sean retirados, claro. En este enlace tenéis más datos sobre la emisión, así como la descripción oficial del episodio.

Unas cuantas semanas después de que se filtrara en la red una versión primeriza de este mismo trailer (la que fue mostrada en la pasada Comic-Con de San Diego), Paramount Pictures ha lanzado por fin el montaje definitivo del que es el primer avance de la adaptación al cine de Iron Man.


Aunque enseña bastante (quizá demasiado) para ser lo primero que vemos sobre la película de forma oficial, al menos sirve para hacernos una idea a ritmo de Black Sabbath de la pinta que tendrán todos los personajes principales de la película e independientemente de como resulten finalmente otros aspectos de la misma, lo cierto y verdad es que la elección de Robert Downey Jr. como Tony Stark resulta, en principio, de lo mas acertada. Todavía habrá que esperar bastante para juzgar si Iron Man está a la altura de todo el hype que ha generado, pero lo que no se puede negar es que las sensaciones iniciales son inmejorables.


Podéis ver el trailer en todo su esplendor al tamaño que prefiráis pulsando aquí.

Como no podía ser de otro modo, ponemos punto y final a este Verano Zombie (esperamos de todo corazón que lo hayáis disfrutado) con una de las entregas de Volatilinks mas bestias que vais a poder encontrar jamás en este weblog. Películas, libros, juegos, videos antológicos y en general una pequeña parte de todo aquello que puede ofrecernos Internet acerca de uno de nuestros subgéneros de terror favoritos. Debo mencionar que al menos un 80% del mérito de este post es de mi compañero Forfy, quien ha rastreado la red en busca de todo tipo de material zombie para vuestro uso y disfrute. Dicho esto, y antes de entrar directamente en materia, pido una ovación de honor para nuestros idolatrados muertos vivientes. Hemos pasado un verano estupendo a su costa. Y ya, sin más, comenzamos.

A principios de los 90 era Editorial Perfil la empresa dedicada a la publicación de los cómics DC en Argentina y Chile. Una de sus series, Grandes Historias, ofrecía cada mes un número con unas 50 páginas protagonizadas por un personaje distinto. Su número 9 estaba dedicado a Flash, publicando así los capítulos 45 al 47 de la edición americana, todos ellos inéditos en España.

Para un lector español (y para el de cualquier nacionalidad, a decir verdad) lo primero que llama la atención es que el nombre de Flash es cambiado por el de Flush Man. Esto se debe a que en Argentina el nombre Flash está registrado por una empresa (no dedicada a los cómics) que se niega a que en los cómics aparezca su nombre. Es un problema que existía en los 90 y que aún hoy día parecen seguir adelante. La cuestión es que para superar esta situación al amigo Wally West lo llamaron Flush Man.

El velocista llegó a este número de Grandes Historias después de una serie regular que fue cancelada después de más de 40 episodios publicados. El equipo creativo era el compuesto por William Messner Loebs y Greg LaRoque, autores que realizaron un buen montón de capítulos de Flash. En esta ocasión mostraron un nuevo encuentro entre el héroe y Gorila Grodd, con la participación, además, de Vixen. Gracias a sus poderes telepáticos Grodd manipula a cientos de animales provocando el caos entre las calles, desde perros a caimanes, pasando por palomas, tigres, etc. La participación de Vixen es muy importante, porque sus poderes vienen precisamente de su unión con los animales, y resulta vital en la derrota del villano.Teniendo en cuenta otras apariciones de Grodd en la propia serie de Flash (o incluso en la Supergirl de Peter David), ésta casi parece anecdótica por lo floja que es. No se puede hablar de una historia especialmente interesante ni curiosa, y no destacan en ningún momento los diálogos. Ni tan siquiera LaRoque pareció esforzarse en demasié, cosa que no se puede decir de otros episodios de la serie dibujados por él. Dejando aparte el detalle de Flush Man, la edición es correcta, salvo porque no incluye las portadas originales por falta de espacio. El formato es el propio de un comic book y el papel es similar al de cualquier cómic de principios de los 90 de Ediciones Zinco o Planeta DeAgostini.

No voy a añadir mucho más a la extensa review que el compañero Lord Pengallan nos ofreció hace meses. Zombies!!! es el primer juego de esta temática que probé y la verdad es que me convenció bastante. El sistema de juego es sencillo, hay que huir hacia un helicoptero en una ciudad infectada de zombies que se va creando conforme van pasando los turnos. Como sólo puede salvarse uno, se prima bastante el putear al jugador que está a punto de lograrlo y eso hace que el desarrollo comience de forma lenta al principio y al final llegue a ser hasta frustrante. Lo que no es sino uno de sus mayores alicientes, la sensación de agobio y supervivencia que puede darse si juegan muchos jugadores (lo ideal son 4 o 5) está muy conseguida.


Existen múltiples expansiones (5 de momento si no me equivoco) y la mejor prueba de su éxito es que os va a costar encontrarlo en vuestra tienda habitual. La relación calidad/precio (25/30€ aprox) es la mejor de todos los juegos que vamos a ver en el post y con un poco de ingenio ofrece muchas posibilidades para cambiar sus reglas y adaptarlo a nuestras necesidades.

Mall of Horror es un juego que entra por los ojos. Un diseño espectacular hará que se nos caiga la baba mientras desempaquetamos la caja. Al igual que en Dawn of the dead, nos hemos refugiado en un centro comercial y debemos resistir a la plaga zombie. Su sistema de juego mezcla elementos de los dos anteriores pero de una forma más abstracta. Aquí el tablero no presenta casillas, sino lugares a los que iremos accediendo (os podéis hacer una idea viendo esta imagen) para defendernos. Esto es su mayor fortaleza y debilidad a la vez, pues puede echar para atrás a jugadores acostumbrados a tableros cuadriculados y sistemas de juego más clásicos. Es recomendable que alguien de confianza nos hable de su experiencia previa con el juego o que podamos probarlo nosotros mismos antes de comprarlo. Sin embargo si se acepta la originalidad de la propuesta nos encontramos con un juego muy dinámico, bastante más rápido que los anteriormente citados, en el que cada jugador controla a 3 personajes y que ofrece una idea demencial que va a elevar vuestros piques a niveles antológicos. Como os he dicho nos resguardamos en diversos habitáculos, pero no siempre hay sitio para todos... por lo que se hacen unas votaciones para elegir a quien expulsar al pasillo donde están todos nuestros amigos comecerebros. Algo así como el confesionario de Gran Hermano versión gore. Por supuesto que esta regla hace que cuantos más jugadores participen mayor sea la diversión siendo el mínimo necesario de 3 (en los anteriores podían jugar 2 sin muchos problemas). Al presentarnos un sistema tan peculiar las reglas son muy cerradas y complicadas de cambiar y el tablero es dificilmente aprovechable para ninguna otra cosa que no sea este juego.


Su relación calidad/precio (40/45€ aprox) está bastante ajustada, sin ser barato sí que goza de una presentación espectacular e insuperable. Recomendado si estáis cansados de fórmulas tradicionales en los juegos de tablero y si contáis con mucha gente para jugar.

Otros juegos:

Voy a comentaros algunos juegos más que no han pasado por mis manos (todavía) pero que podrían ser una buena adquisición para nosotros, amantes de la casquería y enemigos del compañerismo sobre el tablero.


A simple vista este juego puede confundirse con Zombies!!!, y es que ambos comparten distribuidora (Twilight Creations) y los componentes del juego son muy similares. De hecho hay algún fan que ha ideado un sistema de juego para combinar ambos, y ha gustado tanto que han subido las reglas en pdf a la página oficial.

Por lo que tengo entendido su sistema de juego también es parecido pero un poco más complejo en este caso, mezclándose elementos de juego de tablero y de rol. Lo bueno es que dependiendo del tipo de partida que queramos jugar y del escenario tendremos distintas misiones y además también han introducido vampiros, hombres lobo y demás criaturas de la noche con lo que tendremos más variedad a la hora de reventar sesos.


Tiene múltiples expansiones y a mí la impresión que me da es que en el fondo es un Zombies!!! para jugadores más experimentados. Es muy difícil de encontrar y además no es demasiado barato (30€) para lo que ofrece (cuando veáis su caja situada al lado de la de Zombies!!! veréis lo que os digo), aunque si parece tener un sistema de juego lo suficientemente variado y cambiante como para ser un juego que ofrece múltiples posibilidades.


Print-n-play!

Hasta aquí hemos llegado con recomendaciones de juegos de mesa pero...ALTO! esto es una página de cómics fundamentalmente y demasiada desgracia tenemos con gastarnos la paga/sueldo en doscientas colecciones que no nos aportan nada para encima dejarnos seducir por esa otra droga que son los juegos de mesa. Después de todo lo que hemos visto queremos pasar la tarde tirando dados y espachurrando muertos vivientes en la mesa de la salita, pero no tenemos ni un duro...

Calma, calma. Hay muchísimos juegos que sólo necesitan que imprimamos el tablero para que empecemos a jugar y son gratis para descargar. Para terminar este post vamos a ver algunos de ellos, pero antes necesitamos zombies:

Técnicamente podéis coger las fichas del parchís y decir "las amarillas son zombies, las azules humanos". Pero no seáis cutres. Os ofrezco 3 soluciones:

3 - Mi favorita. Compráis una bolsa de soldaditos de plástico y los quemáis con un mechero amputando sus brazos y piernas. Ya tenemos zombies al estilo Homecoming!

¿Ya tenéis vuestro ejercito de no-muertos? Pues mirad donde podéis usarlos:



Vamos a empezar con un clásico. El padre ideológico (por la película) de todo lo que hemos comentado aquí también tuvo su versión de tablero. Pese a tener un sistema al que le pesan los años y una presentación bastante sobria, tiene unas opciones de juego muy atrayentes. Pueden jugar desde 1 persona a 4 combinando diversos modos de juego (1 contra 1 controlando uno a los zombies y otro a los humanos, 4 de modo cooperativo...).


El juego está disponible para descargar porque se dejó de comercializar hace años (es de 1978), los derechos han expirado y no hay intención de sacarlo de nuevo al mercado. Una de las mejores páginas para conseguirlo es esta y además tampoco váis a tener que imprimir mucho.


Muchas veces algunos diseñadores de juegos amateur cuelgan en internet sus trabajos de forma gratuita para ver si alguna empresa del sector pica el anzuelo y decide comercializarlo. Según tengo entendido Dead of night es el mejor juego gratuito de esta temática y debido a su éxito una empresa del sector quiso hacerse con los derechos. Sin embargo parece que dicha tentativa no llegó a buen puerto por lo que el propio autor del juego sigue ofreciéndonos el juego para descargar (sin querer decirnos cual es la empresa que inició las negociaciones con él).


Y ahora vamos con un poco de conspiraciones... bastante gente coincide en las similitudes de éste juego con Last night on earth, hasta el punto de considerarlo una especie de remake. Podemos pensar lo que queramos (yo buscando información no he salido de dudas) pero el caso es que si es similar, podéis probar éste primero por si os ha entrado el gusanillo de comprar el Last night on earth.



Este juego comparte con Dawn of the Dead la filosofía de formar equipos de humanos contra zombies, unos creando barricadas y los otros deseosos de lanzarse sobre su potencial cena. Os recomiendo que veáis las diferentes modificaciones que han hecho algunas personas porque han mejorado muchísimo el aspecto del juego. Sólo hace falta que comparéis con el original. Espectacular.



Y unos cuantos más que no conozco apenas pero que quizá sean tanto o más recomendables que los que os he seleccionado:

- Dead walk again [+] Tiene algún que otro componente rolero, como hojas de personaje y ambientación postapocalíptica a elegir)

- Dead & Alive [+] Este es para un sólo jugador y necesitas papel, lápiz y un dado. Ideal si no tienes amigos u odias al resto de la humanidad.

- Urban Dead [+] Si tanto tablero y dados os ha mareado este se juega desde su página web.

Y esto ha sido todo! Recordad, elegid el juego que queráis. Pero no dejéis a ninguno de ellos con la cabeza en su sitio.

Amargamente nos hemos estado lamentando en otras ocasiones de que ciertas técnicas de marketing de guerrilla no llegaran nunca a España. Pues bien, si desde el pasado día 3 os habéis dejado caer por la madrileña estación de Atocha sabréis que ya no tenemos motivo para seguir haciéndolo. O bueno, sí, pero menos.


Porque con motivo del estreno de la tercera temporada de Perdidos en nuestro país, el canal Fox ha decidido poner en marcha una campaña de publicidad de esas que hacen época, y para ello, nada mejor que plantar los restos de la cola del avión del vuelo 815 de Oceanic dentro del jardín tropical de la estación. Como lo leéis. Cuentan en MundoPlus que la maqueta está realizada a escala real (6 metros de altura y alrededor de 400 kilos de peso) y que además, será subastada en eBay una vez haya concluido la campaña.

(Visto en Vaya tele. La foto que ilustra este post está extraída del blog Donde duermen los tranvías)

El Ejército de los Muertos (Homecoming) es uno de los trece capítulos que conforman la primera temporada de Masters of Horror, un proyecto para televisión creado por Mick Garris que se asienta sobre la idea de reunir a algunos de los mas importantes directores y guionistas del cine de terror de las últimas décadas con el objetivo de dar forma a una serie de películas de poco mas de 50 minutos de duración y totalmente independientes entre sí. Así, las dos temporadas que hasta el momento tiene la serie han contado con la colaboración de autenticas leyendas vivas como Dario Argento, John Carpenter, Tobe Hooper o Takashi Miike entre otros. Aun siendo bastante irregular (algunos episodios son bastante memorables, mientras que otros son decepcionantes, mediocres o directamente infumables), Masters of Horror es una de las series mas a tener en cuenta de los últimos años, especialmente por los aficionados al genero y dado lo mucho que recuerdan tanto su estructura como las propias historias a clasicazos de la televisión los 80 y los 90 como Cuentos Asombrosos (Amazing Stories) o Historias de la Cripta.


Tras esta breve introducción, volvamos sobre el episodio que nos ocupa, Homecoming (podéis ver el trailer pulsando aquí), y que como obviamente habréis adivinado, tiene a nuestros queridos zombies como protagonistas de su trama principal. Homecoming no solo es uno de los mejores y mas originales capítulos de cuantos se han ofrecido hasta el momento dentro de Masters of Horror, sino que además puede presumir de ser una de las historias de zombies mas atípicas jamás contadas. Dirigido por Joe Dante (Gremlins, Piraña), Homecoming está basado en un relato corto del escritor Dale Bailey llamado "Death & Suffrage" y narra la historia de un grupo de soldados del ejercito norteamericano que, tras morir en un conflicto armado reciente (aunque nunca se menciona explícitamente, el guión da suficientes pistas como para pensar que se trata de Irak) un buen día regresan a casa transformados en zombies pacifistas con la única intención de votar en las próximas elecciones en contra del gobierno que les envió a luchar en una guerra sin sentido alguno. Tal y como habréis supuesto, la trama de Homecoming es en si misma toda una declaración de intenciones. Una grandísima crítica al actual gobierno conservador de los Estados Unidos que va mucho mas allá de la carga social de la que hacen gala, por ejemplo, las películas de zombies del maestro George A. Romero. Y por supuesto, todo un alegato en contra de la propia guerra de Irak.


Como (mini)película de zombies, Homecoming presenta una frescura vista muy de vez en cuando dentro del subgénero. De tal modo, aquí tenemos zombies que hablan (aquellos que aun conservan las cuerdas vocales, claro), que piensan y razonan y que no tienen problemas para ponerse delante de una cámara para defender aquello en lo que creen oponiéndose al autentico monstruo de la historia, y que no es otro que el gobierno que trata de manipularlos. Se agradece además que, en consecuencia al estatus con el que se nos presenta a estos peculiares no-muertos, no les veamos en ningún momento hambrientos de carne humana (grandioso el momento en el que uno de los miembros del equipo de gobierno, desesperado por las consecuencias que tiene el hecho de que los propios soldados hayan vuelto para decirle a la gente que jamás deberían haber ido a aquella guerra, implora por que alguno de ellos le coma el cerebro a alguien para así obtener el rechazo de la opinión publica), solucionando así una incongruencia vista tantas veces en otras historias zombificadas como Marvel Zombies. Por otra parte, el hecho de que casi todos los episodios de Masters of Horror cuenten con el buen hacer a efectos de maquillaje de Greg Nicotero y Howard Berger nos permite ver en Homecoming unos zombies con un aspecto que, sin llegar a ser excesivamente putrefacto, resulta mas que aceptable. A modo de conclusión, añadir solamente que El Ejército de los Muertos es un agradable soplo de aire fresco dentro del género, no exento de la casposidad justa y necesaria en toda historia de zombies rarita que se precie de serlo y que desde este vuestro weblog os recomendamos que visionéis y disfrutéis para ir despidiéndoos con buen sabor de boca del Verano Zombie que concluye esta misma semana y que esperamos que os haya resultado interesante. Eso sí, ni se os ocurra pensar que la cosa ya ha terminado.

Estáis a punto de asistir a la gran traca final...

Hasta ayer, no solo estaba totalmente convencido de que Death Proof sería lo mas flojo de Grindhouse (mas aun después de lo fascinado que quedé con Planet Terror), sino que además estaba bastante seguro de que el principal culpable de ello no sería otro que el mismísimo Quentin Tarantino, quien según la mayoría de las críticas que llegaron en su momento del otro lado del charco, habría sobrepasado aquí en mas de lo soportable su cuota de manías, (auto)referencias, (auto)homenajes y demás elementos de aquellos de los que sus películas suelen estar plagadas.


Y en efecto, Death Proof es la película mas puramente tarantiniana de toda su filmografía, con mucha, mucha diferencia. Pero en todas aquellas críticas había un error de base. El error, lo que personalmente me despistó en todas ellas, es que señalaban el hecho de que Death Proof sea Tarantino sin adulterar como algo negativo, lo cual, una vez vista (y disfrutada) la película, se convierte en algo absolutamente falso. Porque que Death Proof sea Tarantino en estado puro, es algo que, lejos de resultar molesto, se presenta aquí como algo realmente fascinante. No me cabe duda, además, de que Death Proof va a ser una de las películas mas incomprendidas y defenestradas por un lado y admiradas por el otro del director, por la sencilla razón de que ha de gustarte mucho su forma de hacer cine para maravillarte con mas de setenta minutos de diálogos tarantinianos agradablemente salpicados de forma exclusiva por un par de memorables escenas de persecución que unidas apenas duran media hora. Es por ello por lo que estoy mas que seguro de que la mayoría de la gente odiará Death Proof, mientras que solo unos pocos la amaremos como una de las mejores películas de Quentin Tarantino. Otra cosa muy distinta, claro, es que me sea mas difícil encajar Death Proof dentro de Grindhouse que Planet Terror, ya que a lo que se dedica Tarantino aquí es a hacer una película muy suya con pequeñas dosis altamente concentradas de exploitation, algo que contrasta con el homenaje intencionado a las sesiones dobles setenteras que si que era el segmento de Robert Rodriguez. Y quizá sea por ello que los fallos intencionados de Death Proof quedan algo mas raros y menos naturales que en Planet Terror únicamente por el mero hecho de que Death Proof no los hubiera necesitado para funcionar igual de bien. Y... aunque ahora mismo estoy en condiciones de afirmar de todas todas que Grindhouse (Death Proof + Planet Terror) es lo mejorcito que nadie ha podido y podrá ver en un cine este año, me resulta mas facil admirar la película de Tarantino como algo independiente al proyecto.


Pero dejemos ya de analizar del fondo y hablemos de la película en sí. Una película que de nuevo, Tarantino divide en partes (dos, para ser exactos) bien diferenciadas. Y aunque ambas tienen una estructura muy parecida, el transcurrir de los acontecimientos en cada una de ellas irá por derroteros absolutamente opuestos. El nexo de unión entre ambas partes es un tipo siniestro y malrollero, un cabronazo de cuidado que se hace llamar Especialista Mike, una vieja gloria de las escenas de riesgo del cine de explotación que gusta de seguir a grupos de chicas para posteriormente asesinarlas con su coche. La primera parte, considerablemente mas densa que la segunda, la utiliza Tarantino para presentarnos al Especialista a la vez que vamos conociendo y familiarizándonos con sus futuras victimas. En la segunda, temporalmente situada catorce meses después de la primera (los accidentes a los que se somete el Especialista no solo acaban de la forma mas brutal posible con sus pobres victimas, sino que le dejan a él mismo bastante tocado, por lo que necesita un tiempo de recuperación), conocemos al nuevo grupo de chicas que están esta vez en el punto de mira del amigo Mike. Aunque en esta ocasión, lo que él no sabe es que ha cometido un grave error eligiéndolas a ellas, ya que dos de sus nuevas victimas son también... ¡especialistas de cine!. Y como resultado, no tenemos otra cosa que el bonito cuento del cazador cazado, con tronchantes y salvajes consecuencias.


Al igual que sucedía en Planet Terror, todo el reparto está brillante, con mención especial para Kurt Rusell como el Especialista Mike, pero si he de elegir un personaje como mi favorito, ese no puede ser otro que el "interpretado" por Zoë Bell, una verdadera especialista de cine (comenzó como extra de Lucy Lawless en Xena y acabó doblando a Uma Thurman en las secuencias de acción de Kill Bill, por ejemplo) que en Death Proof hace de ella misma y que se convierte en lo mejorcito no solo de la segunda parte en la que interviene, sino también de la memorable escena final y de la película en general. Una vez mas, la magia de Tarantino hace efecto en ella, y logra que una completa desconocida se convierta a si misma en una actriz de culto. Como de culto es, desde ya, la propia Death Proof. Dicho esto, no puedo acabar esta reseña de otro modo que no sea lamentando el que Grindhouse haya sido un fracaso de taquilla allá por donde ha pasado.

Y es que, señores, no vamos a volver a ver algo tan grande en años.

Cuenta la Wikipedia que un spin-off es un proyecto que nace como extensión de otro anterior. Pues bien, damas y caballeros, por fin ha llegado el día en el que me complazco en presentarles el primer spin-off de Volatilis...


Como saben, hasta ahora Consumismo Friki era una sección del blog donde les mostrábamos distintos productos de merchandising relacionados de un modo u otro con la temática que solemos tratar en Volatilis y que ahora, evoluciona hasta convertirse en un weblog independiente. Un weblog que nace única y exclusivamente para hablar de todo aquello sobre lo que lo hacía su sección homónima en Volatilis y que además lleva algún tiempo funcionando en modo de pruebas, por lo que ya es posible encontrar bastante material relacionado con figuras y demás merchandising.

Dicho esto... solo me queda invitarles a todos ustedes a la inauguración. Pueden acceder pulsando aquí. Espero que les guste.