Supongo que han sido los continuos problemas con mi ordenador los que me han llevado, con el tiempo, a cometer el grave error de perderle la pista a Process Recess, el weblog de James Jean, un ilustrador del que ya os había hablado en el pasado y al que muchos recordaréis sobre todo por su participación en la serie Fables del sello Vertigo de DC. Sin embargo, hoy, y gracias a otro blog, el de Newsarama, he recaído en ese magnifico lugar en el que el autor muestra el proceso creativo de prácticamente cualquier trabajo que realiza. Y al instante he recordado el por que de que Jean me parezca uno de los mejores ilustradores de la industria americana actual, tan saturada hoy en día de dibujantes mediocres.

¿De que otro modo sino me hubiera quedado tan prendado de esta maravilla inspirada en el cuento de Caperucita Roja que ha realizado por encargo de la marca deportiva Nike?. Comenta el autor en el post en el que muestra la evolución de dicha imagen que no solo ha tenido total libertad creativa por parte de Nike dentro del tema fijado (Space Race 2020), sino que además le encantan este tipo de trabajos.

Ni se os ocurra dejar de visitar su blog.

Más, dadme más cómics (bueno, dadme más dinero para que los compre). Nueva entrega, esta vez con 5 cómics de lo más distinto para terminar con este mes. Nos leemos.

Ultimate Extinction #1: ¿Sabéis aquella miniserie de Ultimate que reunía en el título a los X-Men y a Los Ultimates (y a Los 4 Fantásticos también, creo), "Especial nosequé"? Pues es muy conveniente leerla antes que esta miniserie. Uno que no lo hizo por un error en la librería se arrepiente ahora. De todos modos hay un breve resumen al inicio para nosotros (aunque muy breve, pero no esperaba que me resolvieran tanto la papeleta). Eso sí, aunque no hayáis leído nada vais a disfrutar de la historia de lo lindo y más si sois fans de Warren Ellis, como yo. Y es que nadie como Ellis para la renovación de conceptos y el intento de explicar las cosas inexplicables haciendo, además, gala de agilidad narrativa y buenos diálogos. Y es que, con él, el Ultimate significa algo de verdad: hay cosas nuevas. El dibujo de Peterson tengo que reconocer que me ha encantado pese al sombreado a rayitas que exhibe el acabado: es dinámico, agradable y bonito. Un gran cómic, aunque deja con ganas de más y no da la sensación de que pueda acabarse en otros dos cómics.
Nota: 9/10 - Precio: 3 Euros - Páginas: 48


Lobezno #9: Pues una miniserie más, eso es lo que han ofrecido Yoshida (un guionista competente) y Nagasawa (un dibujante aceptable y luminoso), pero poco más. La historia, totalmente envuelta en leyenda y atmósfera oriental no ha conseguido captar mi atención ni creo que conseguirá captarla de quienes busque una historia de Lobezno, la verdad. Porque no es que lo sea, su pasado vinculado a Japón le hace susceptible de ser protagonista de la historia, pero casi cualquier personaje podría haberlo sido. Una historia que no pasa a la historia y que sirve de relleno. El mes que viene: más Dinastía de M (tres números de la tacada, concretamente): ¿no hubiera sido mejor que nos metieran un número del cruce cada mes en vez de la miniserie? No sé qué decir, lo de quitarte el cruce del medio en un sólo número es toda una tentación.
Nota: 5/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

Nota: 6/10 - Precio: 3,5 Euros - Páginas: 80

Vosotros, los lectores, sois una parte importantísima del blog. Por ello, necesitamos pediros directamente vuestra opinión acerca del cambio realizado en el diseño de Volatilis. Este cambio solo ha afectado a la cabecera y a la disposición de las columnas de la derecha, pero aun así, nos interesa saber si preferís el aspecto actual del blog o por el contrario creéis que deberíamos mantener el usado hasta hace unas horas. Como no estamos muy seguros de si el cambio ha sido para mejor, esta vez sois vosotros los que decidís. ¡Gracias!

Otra entrega (últimamente escribo/leo como loco. Y mañana, más) de las compras. Esta vez vamos con 4 números enmarcados dentro del "universo" de Dinastía de M, que están resueltos de forma bastante digna o incluso notable (sin spoilers, como siempre).
[PD: Ya está a la derecha la sección de todas las compras de cada mes. Si hay algún link confundido decídmelo para que lo cambie]

New X-Men / Academia-X #13: Una serie y unos personajes, si estaban siendo bien llevados no tienen porqué caer en saco roto en cruces como éste y, en este caso, la pareja de guionistas lleva mucho tiempo haciendo un gran trabajo de caracterización reacción, descripción y entretenimiento, por lo que sólo tenían que tener una buena idea para meter a los personajes en un buen lugar dentro del nuevo contexto y, creo, que lo han encontrado. Buenos diálogos, aventura, personajes coherentes y complejos y un dibujo, el de Aaron Lopestri, que no molesta en absoluto y está bien narrado y hecho. ¿Qué tiene de malo? Nada, simplemente que no es una obra maestra, le falta algo de complejidad y que ya estamos hasta los mismísimos de la Dinastía de M. En definitiva, la primera parte de dos de aventuras bien hechas.
Nota: 8/10 - Precio: 3 Euros - Páginas: 48

Hulk #9: Otro ejemplo de cómo se pueden hacer bien las cosas aunque le obliguen a uno a meterse en un crossover. Esta vez, Peter David ha aprendido de sus errores pasados, cuando le obligaron a participar en el crossover de Onslaught y vio como alteraban sus planes para la colección y, viendo que esta vez estaba más de paso por la vida del Goliat Esmeralda, decidió meterse de lleno en el acontecimiento y desarrollar allí sus ideas de siempre. El resultado, claro, es muy notable e inteligente, lleno de humor, acción y muestras de cómo se debe tratar a un personaje tan complejo como Hulk. Uno de los mejores ejemplos que da este cómic es cómo dejar claras las diferencias entre dos mundos o situaciones en poco tiempo: en el último número describe de manera magistral las diferencias entre el universo de Dinastía de M y el normal, dejando el final visto para sentencia (no sé si sigue más adelante con la colección o si ya llega otro autor). La lección de un maestro. Lástima que el dibujo no sea todo de Adam Kubert (que dibuja el último número), porque Jorge Lucas es un dibujante que aún está bastante pez.
Nota: 9/10 - Precio: 8,5 Euros - Páginas: 120

“Van Helsing” debe ser, probablemente, una de las películas que más veces he visto en toda mi vida. La vi en el cine, la alquilé en videoclub y, al poco tiempo, la compré en DVD (en mi defensa, diré que era una oferta…). La he visto doblada, en versión original, con comentarios, me he tragado el trailer, los “how making”, las notas de producción… todo ello con un único objetivo: quiero que “Van Helsing” me guste. Quiero ser capaz de decir “Vale, no es una maravilla, pero entretiene”. Pero ni eso. “Van Helsing” es una mala película, y punto.
Una de las más conocidas máximas del frikismo es que la unión hace la fuerza, y más aún cuando lo que se une son personajes de más o menos fortuna: es el fenómeno llamado “cross-over”, que de tan recurrente en el seno de las editoriales ha acabado por constituir universos (o multiversos) más o menos coherentes, reservando finalmente el término, en su sentido más estricto, al cruce entre series o personajes de distintas editoriales: Superman/Spiderman, Batman/Hulk, X-Men/Wildcats, Joker/Mask, Mickey Mouse/Bugs Bunny… la lista es inagotable. El fenómeno “cross-over”, tan típico en el mundo del cómic, parece haber sido recientemente descubierto por un cine que, cada vez más falto de ideas, ha acabado por seguir la máxima de la unión de personajes. Ha sido así como ha llegado a materializarse productos como “Freddy VS Jason” o “Alien VS Predator”, a la espera de un cruce editorial tipo “Superman-Batman” en un mismo film.

Es posible que “Van Helsing” (2004), en su inicio, tuviera también algo de esa voluntad de “cruce” entre personajes, en este caso los monstruos clásicos de la Universal: Drácula, el Hombre Lobo y Frankenstein. A ello se le añadía el interés de la productora por reeditar en DVD los tres films originales, junto a algunas de sus más innecesarias secuelas. Así fue como, poco después del estreno de “Van Helsing”, aparecían los films de Bela Lugosi, Boris Karloff o Lon Chaney Jr., junto a productos como “La hija de Drácula”, “El hijo de Frankenstein”, “Frankenstein y el hombre lobo”, y otras tantas. Entre ellas, y ocupando un lugar destacado, “La zíngara y los monstruos”, primer film en presentar, bajo un mismo título, a los tres grandes monstruos cinematográficos.
Para Stephen Sommers, “Van Helsing” era su tercera aproximación al canon de terror de la Universal, previamente recuperado en “La Momia” y “El Retorno de la momia”, con una clara línea de actualización: en la época del terror de origen asiático, con psicópatas humanos mucho más reales y terroríficos que cualquier monstruo, o con vampiros de todo tipo, condición, estado o personalidad, la solución Sommers será siempre la de convertir al original en un film de aventuras al más puro estilo Indiana Jones. Voluntad no falta; talento sí.
Al margen de estas consideraciones preliminares, la idea no era del todo mala, y debo reconocer que la esperé con ilusión. Para empezar, el título de la película, “Van Helsing”, era una referencia clara al cazavampiros por excelencia, al héroe de la novela de Bram Stoker, el hombre de ciencia enfrentado a lo sobrenatural que tan brillantemente fue interpretado por mi idolatrado Peter Cushing para la productora inglesa Hammer. La posibilidad de una especie de “Van Helsing: Año Uno” me parecía lo suficientemente audaz como para interesarme. Segundo, el actor que encarnaba al héroe era nada menos que Hugh Jackman, el mejor descubrimiento del reparto de “X-Men” (no, lo siento, Halle Berry no me vale…), y alguien a tener en cuenta todavía hoy. Y tercero, la presencia segura de los tres monstruos de la Universal, que le da ese componente friki al que pocos podemos resistirnos (aunque después lo critiquemos como posesos…). El caso es que, como ya he dicho, tenía muchas esperanzas en esta película; más aún cuando se anunciaba que, de tener el éxito esperado, se preveían hasta dos secuelas. Parece ser que se las ahorrarán (Por cierto, que varios conocidos míos añaden un motivo más para ver la película, y es la presencia de de la española Elena Anaya en el reparto, bien por el mero hecho de ser paisana o por su físico. En cualquiera de los casos, no puedo compartir su opinión…).
Decía Stephen Sommers que su intención inicial era rodar todo el film en blanco y negro, a fin de resaltar aún más su homenaje a los clásicos originales. Tal vez por eso, el prólogo del film aparece en blanco y negro, recreando las escenas del molino del primer Frankenstein, con un Drácula histriónico a más no poder metido con calzador en una historia que chirría como un motor viejo. Porque los tres monstruos aparecen, sí, y todos ellos se relacionan en la trama, pero de una forma tan artificiosa y falsa que el espectador no puede hacer más que bostezar. Por si fuera poco, el mismo Drácula, el “monstruo” sobre el que recae el peso antagónico de la historia, es un personaje insufrible en su interpretación, tan alejado de Lugosi que me pregunto qué habría sido del pobre conde de haber sido interpretado así desde su primera aparición en celuloide. En cuanto a Frankenstein o al hombre lobo… en fin, que sí, que están allí, pero que hacen más bien poco, sobre todo éste último.
Y llegamos al héroe, Van Helsing. Digamos en primer lugar que Hugh Jackman está sencillamente correcto; el problema es que el personaje no da más de sí. El hombre de ciencia da paso a una especie de asesino de vampiros que trabaja para el Vaticano a la espera de recordar su pasado, vagando de un lugar a otro sin rumbo fijo (¿alguien ha dicho Lobezno? Yo no…). Su actitud es la de un James Bond decimonónico, más aún cuando va acompañado de un monje que se encarga de prepararle aparatos mortíferos con los que cumplir su macabra labor (hace unos días me enteré de que el actor que interpreta a este monje es el mismo que hace de Faramir en “El Señor de los Anillos”, y me quedé de piedra: no creo que pueda haber dos personajes más antagónicos). Hugo Jackman, en definitiva, tiene tan poco de Peter Cushing como yo mismo (sigh…).

Mención aparte para la presencia femenina: aparte de la señorita Anaya, Drácula cuenta con dos novias más, que le han proporcionado un buen número de hijos no-nacidos (se ve que no han perdido el tiempo…), y junto a Van Helsing, contaremos con Anna Valerious, interpretada por una Kate Beckinsale aparentemente encasillada en este tipo de films (saldrá de ellos gracias a “Click”? Hagan sus apuestas…).
Y ya está. Stephen Sommers combina estos elementos, los agita un poco, y a ver qué sale. La necesidad de unir las trayectorias de Drácula, Frankenstein y el Hombre Lobo fuerza en exceso la historia, y aunque algún detalle puede ser aceptable (por ejemplo, que el doctor Frankestein trabaje para Drácula), en general la trama cae por su propio peso. El director se toma una libertad excesiva en su recreación de Van Helsing, a quien no duda en cambiar el nombre (el original “Abraham” cambia a “Gabriel, porque sí, porque yo lo valgo…) y su personalidad, transformándolo en un cazador más, algo así como los de “Vampiros de John Carpenter” o la misma Buffy. Vale, sí, puede que entonces no fuera tan comercial, pero… ¿por qué llamarlo Van Helsing? La película se podría llamar “Gabriel, el cazador de vampiros”, y seguir siendo lo mismo.
Como ya he dicho antes, la previsión de las secuelas se fue al traste con el relativo fracaso de la película, aunque no del todo: poco después del estreno aparecía en el mercado de vídeo “Van Helsing: Misión en Londres”, un medio-metraje de animación en el que el personaje se enfrentaba a Mr. Hyde en la capital inglesa, poniendo a punto el inicio del film de imagen real. La historia animada funcionaría mucho mejor que su predecesora, con incorporaciones como la misma reina Victoria de Inglaterra, y es una lástima que el olvido que ha caído sobre la película no permita explotar la posibilidad de una serie sobre el personaje.

En fin, siempre nos quedarán Lugosi, Lon Chaney y nuestro querido Karloff para hacernos olvidar este fiasco, así como Peter Cushing se alzará, con su sempiterna lucidez mental, sobre cualquier armatoste de Hugh Jackman. Sin embargo, creo que de aquí unos días volveré a revisionar “Van Helsing”. No pierdo la esperanza de encontrar algo…

Voy a estar fuera unos días, así que la nueva entrega de "Razones para amar el Batman de Adam West y Burt Ward" tendrá que esperar a la semana que viene. Pero no os preocupéis, oh, amantes del justiciero de las mallas negras! Os traigo otro nuevo desprop video con la versión árabe del opening de la serie animada. ¿Para que necesitas la memorable sintonía que compuso Danny Elfman cuando puedes cambiarla por esto?

Bat-ma-aaaan

¿Como se os ha quedado el cuerpo? Al principio dudaba sobre si era un fake, pero si consultamos la página de Youtube de Rangers335 (el tipo que ha subido el video) podemos encontrar otros openings arabescos como este de Street Fighter o este otro de Capitan Tsubasa.

Nueva remesa de reseñas, esta vez con más Marvel. Me estoy dando cuenta de que la mayoría de las portadas de las "ediciones especiales" son más feas que las de las ediciones normales... Ya no sé qué les queda para que te las compres. Personalmente me compro la edición que llega antes o la que encuentro así que, me da igual. Vamos al tema (sin spoilers, como siempre):

Ultimate Fantastic Four #14: Un anual de esos que se sacaban antaño. Lo que no sé es si antaño se hacían números tan sosos y precipitados. Sí, en este número, Millar deja de lado todo lo bueno que había venido haciendo en los números anteriores ya que, excepto por un par de ideas que no están mal (y que supongo que se desarrollaran cuando los personajes vuelvan a aparecer), todo el cómic es un cómic de presentación de lo más convencional y algo precipitado y conveniente (quiero decir: mira lo que pasa y así conocéis a alguien nuevo), como una excusa para presentar a la versión Ultimate de los Inhumanos. Luego, pues sí, no está mal escrito, pero es intrascendente (más cuando se ve que el próximo número es de otra cosa). El dibujo de Jae Lee no puedo evitar considerarlo de lo más agradable, aunque es un dibujante que genera odios o amores, no hay término medio.
Nota: 5/10 - Precio: 3 Euros - Páginas: 48

MK: Daredevil #7: Sigue la saga "Decálogo", muy lenta, pero que en estos dos números empieza a mostrar alguna cosa de verdad y, sin embargo, sigue siendo lenta. Tiene pinta de ser uno de esos arcos argumentales que cobran sentido en el último número. Sentido y emoción. De todos modos está bien escrito, con buenos diálogos y algunos personajes intrigantes, además de aclarar algunos puntos oscuros de los números anteriores (cómo no, al estilo Bendis: vamos hacia delante mirando atrás continuamente y, al final, casi nos quedamos como estábamos). El dibujo de Maleev a mí me encanta así que no le pongo pegas.
Nota: 7/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

X-Men #6, #7, #8 y #9: En fin, en fin. Pues 4 números de una tacada, que había tenido algunos problemas para conseguir un número (esto del verano es terrible). Termina el arco argumental "Triángulo de amor bizarro" y empieza "Reino salvaje", que se cruza con la colección de Pantera Negra. En el primer arco argumental ("Gólgota") Milligan sorprendía con una mierda bastante grande y en el segundo ha mejorado, no lo voy a negar, pero me da la sensación de que trata por todos los medios de hacer lo mismo que Austen pero escribiendo bien y termina perdiéndose en páginas y páginas de romances, pullitas, roces y celos que prácticamente nunca le llevan a ninguna parte. Es como si se creyeran que eso es lo único que nos importa, porque no se habla de otra cosa. Además, la excusa/revelación del 6 número está algo pillada, pero no es lo peor de la colección ni de lejos. Al final, "Triángulo de amor bizarro", se ha reducido a eso y no ha estado demasiado bien. De todos modos, aunque el final tiene algo más de chicha, me estoy cansando de tanto dedo en el ojo ajeno y de tanto usar a Emma sólo para meterse con Bobby. En cuanto al arco que empieza, decir que sigue en el mismo plan aunque, forzado por sus mismas circunstancias, se va un poco más al terreno de la acción con una historia que también se coge por los pelos y que parece dirigida al reencuentro de dos personajes. El cruce está escrito por Hudlin, uno de los peores guionistas de la última oleada pero que hace un trabajo más digno que en Spider-Man. El dibujo de Larroca a mí me gusta, no lo puedo negar, y más cuando no hay acción que pueda enturbiar con su forma de narrar (como en los cuatro primeros números, donde me hizo sufrir). El número de Pantera Negra está dibujado por Yardin, que no lo hace del todo mal.
Nota: 5/10, 5/10, 6/10 y 6/10 - Precio: 1,7 y 2,90 Euros - Páginas: 24 y 48

En un mundo perfecto, esta ilustración de Arthur Suydam sería un gigantesco póster presidiendo mi Templo Friki:

Será la portada de la segunda edición del hardcover de Marvel Zombies, está libremente inspirada en la cubierta del cómic The Amazing Spider-Man #316, obra de Todd McFarlane y es tan condenadamente maravillosa que casi se me han empañado los ojos al verla. Claro que... todos tenemos un pasado.

Last Man Standing es una iniciativa que desde hace ya bastante tiempo viene poniendo en marcha la revista Wizard y que tiene como premisa principal una de las aficiones mas comunes entre los frikis pijameros: enfrentar a superhéroes (o supervillanos) que tendrían mas bien pocas posibilidades de hacerlo en los tebeos oficiales.
La diferencia con cualquier otro tipo de Fan-Art o Fan-Fiction es que para tal menester la publicación norteamericana ha contado con la ayuda de dibujantes, coloristas y entintadores de relumbrón como Phil Jimenez, Ed McGuiness, Mike Mignola o Rags Morales entre otros. Y creedme, la cosa queda de lo mas resultona.
Hay enfrentamientos clásicos, como los siempre recurrentes JLA vs Los Vengadores, Superman vs Thor o Detective Marciano vs La Visión, pero como de costumbre, los mas molones suelen ser los mas raritos: Spider-Girl contra Batman del Futuro, Dr. Muerte vs Darth Vader o mi favorito... ¡Los Osbournes contra Los Osborns!, del siempre genial Jim Mahfood.

Además, la web aporta datos sobre cada uno de los contrincantes, una descripción sobre el desarrollo de la pelea (en plan fanfic, vaya) y permite a los usuarios votar con vistas a elegir un vencedor en cada combate. Podéis echarle un vistazo pulsando aquí.

Una de las cosas que quería aportar en Volatilis era hacer análisis de adaptaciones de superhéroes a imagen real. Pero esto me ha superado porque ni tan siquiera sabía de su existencia hasta ahora.

Electra Woman & Dyna Girl fue una serie de 8 episodios emitida en el año '76 destinada a ser una réplica en clave femenina al Batman que comentábamos el otro día. De hecho en este enlace podemos ver un apartado en el que se muestran diversas coincidencias entre ambas series (EW & DG también tiene su cortinilla!).

Consultando la wikipedia he descubierto muchas cosas, entre otras que se rodó un episodio piloto para un remake que la Warner (seguramente animada por los resultados que estaban dando las películas de superhéroes) tenía previsto emitir en 2001, pero que finalmente paso a la lista de los que nunca ven la luz. Una lástima porque el desparpajo de esta serie me ha arrancado una sonrisilla. Ahora vamos a conocer algo más del mundo de estas dos superheroínas:

El IMPAGABLE opening


Y también podéis (y debéis) ver este video de "Elektra-sayings". Si la coletilla de Robin era "Santo-lo-que-fuera" la de Dyna Girl es "Elektra-lo-que-sea". Aviso, una persona inestable puede bordear la locura con el mismo.

Los supervillanos

Básicamente y por lo que he podido ver (descontando al tipo del opening) son tres. Estos dos tipejos (Leggs y Spinner, ataviados con sendos pijamas de Spiderman que parecen diseñados por un Alex Ross en horas bajas) que estan a las órdenes de la mala malísima, Spider Lady:


Terrorífica, verdad? Pues por si no fuera poco su traje mezcla de Madame Web con Spiderman, toca el banjo (!)

El remake

Que como ya os comento más arriba no llego a emitirse. Aunque en este enlace tenéis más información y capturas del mismo, para que veáis a las actrices que se iban a encargar de enfundarse las mallas de nuevo.

The Electra Woman & Dyna Girl Webopedia (imprescindible)

Fichas en IMDB de EW y DG: 1976 - 2001

Antológica reflexión de Brodie sobre el sexo de los superhéroes en Mallrats (1995), de Kevin Smith.

Seguimos con compras del mes. Lo malo de no ir retrasado es que me cuesta encontrar las portadas españolas de las series pero las he sustituido por las ilustraciones originales que coinciden así que, no creo que importe mucho. Esta vez tocan tres cómics de DC, que sigue a un nivel de calidad más que notable:

Jóvenes Titanes #11: Aunque la serie no tiene la excelencia de los primeros números sigue siendo muy buena, con personajes bien caracterizados, un dibujo genial y muchos finales sorprendentes que no parecen sacados de una historia hecha sólo para conseguirlos. Lo que sí mantiene intacto de sus comienzos la serie es el ritmo, que sigue siendo bastante más pausado de lo que podría esperarse con tantas cosas que ocurren y acción continua, dejando que el lector se quede con esa sensación de que todo avanza lento pero seguro, lo cual es enervante a veces y, otras veces, simplemente es cuestión de esperar algún salto cuantitativo en forma de giro argumental. En cualquier caso, parece que el tema de Raven no puede durar mucho más aunque, nunca se sabe.
Nota: 8/10 - Precio: 1,95 Euros - Páginas: 24

Outsiders #12: Otro número doble. Estos meses parece que andan haciendo encaje de bolillos para que todo quede bien con Identity Crisis, que debe estar al caer (en Octubre, ¿no?). Una serie bastante mejor que en sus inicios, muy entretenida. Sobre todo está claro que ése es su principal rasgo: es una serie de entretenimiento puro y duro con algunos toques de misterio y, sobre todo, mucha acción. El retorno del grupo de supervillanos parece que tiene más de lo que muestra y está bien llevado. Lo que no sé si está tan bien llevado es el personaje de Indigo, que era mucho menos humano al comienzo y no se sabe si su humanización tiene que ver con alguna razón o con un descuido de Winnick, al que todos sabemos lo que le mola el tema de los romances. El dibujo es primero de Derenick que, sinceramente, le pega más a la colección que el dibujante habitual y hace un muy buen trabajo a pesar de uno o dos vicios noventeros. Tom Raney lo hace bien pese a sus rarezas y el color sobre los lápices queda muy aparente.
Nota: 8/10 - Precio: 3,5 Euros - Páginas: 48

Para los que todavía no lo habéis pillado esto es un post sobre la primera parte de una trilogía de OVAs (una especie de mediometrajes de anime para tv), que rescata del olvido uno de los exitazos del manga para chicos, "Hokuto no Ken" o como se le conoce aquí, el "Puño de la Estrella del Norte".

El "Puño de la Estrella del Norte" fue uno de los 4 primeros mangas elegidos por PDA para empezar con el manga aquí, allá por el año 1992 (si no me falla la memoria). Este manga de artes marciales con estética Mad Max, ultraviolento y melodrámatico a más no poder, fue un exitazo de la época y si no peco de listo, el primer manga junto con "Bastard!" en publicarse en tomo (1200 pelas que valía!! Toda una fortuna para entonces). Un manga de éxito internacional como "Akira" o "Dragon Ball", como demuestra que se hiciese un anime deslumbrante (sobre todo para la época, que no estabamos acostumbrados a los modos japoneses) y buenísima adaptación del manga y atención, una peli americana de serie B con actores reales!! Muy mala y cutre por cierto.

A mi el manga me encanta, aunque admito que bueno, bueno no es, y su adaptación al anime también me gusta, por eso, cuando vi la oferta de lanzamiento del nuevo coleccionable de PDA de DVD de anime, no pude dejar de comprarlo. La oferta de presentación era demasiado tentadora para mi, "El viaje de Chihiro", la mejor peli del estudio Gibli junto con "Laputa, el castillo en el cielo", y un nuevo anime de "Hokuto no Ken". Luego al pillarla, parte de mi gozo en un pozo, puesto que "New El Puño de la Estrella del Norte" es un OVA, no una peli.

Bueno, vamos al grano que ya es hora. El OVA este no es gran cosa pero es interesante. Capta perfectamente la esencia del mundo de Hokuto y esboza unas ideas muy interesantes sobre el Poder y la Religión, en ese aspecto este OVA no puede disgustar a ninguno de los fanáticos de la serie. Por lo demás, es una historia muy topicona, que sigue el esquema del manga que es el esquema del "Equipo A" y similares, un vagabundo le resuelve la papeleta a un pueblo de débiles víctimas. Aunque es una delicia ver de nuevo a Ken repartiendo hostias como panes y "disfrutar" con la ultraviolencia oriental del Puño de la Estrella de Norte, la verdad es que la historia no tiene mucha emoción. No la tiene, porque pierde demasiado el tiempo en tonterías, con lo que se queda sin tiempo para desarrollar como se merece lo interesante de la historia. Así, sus creadores no tienen más remedio que recurrir a brutales elipsis para hacer avanzar la historia, por lo que estas dotan de excesiva sencillez al argumento solamente permitiendo esbozar las interesantes ideas sobre las que pivota la historia de "Hokuto no Ken".

En cuanto a la animación muy competente. Se nota que ha contado con presupuesto y que esta hecha por japoneses, los mejores en este campo. Como siempre, nos demuestran lo magos del color que son, una competentísima dirección y una buena animación. Las aportaciones del ordenador de las que yo no soy muy partidario (es que soy "viejo"), estan bastante bien hechas pues sólo en contadas ocasiones se dan de patadas con la animación. Un ordenador que esta bien porque abarata, facilita el trabajo y ofrece mas posibilidades a la dirección, que en este OVA se aplica al movimiento de los vehículos, a generar unos cielos superreales, un desierto no tan conseguido como los cielos, un agua creíble y unas texturas aplicadas al metal que le dan verosimilitud. En suma, un trabajo técnico a la altura de la historia, no levanta pasiones, ni pasara a la Historia, pero es muy competente.

En fin, que eso, el OVA no esta mal, a mi no me ha llegado mucho porque me esperaba un anime en condiciones. Salvo ver de nuevo al gran Raoh y el Puño de la Estrella de Norte en acción, no tiene nada destacable para mi. Asi que en mi opinión (no si esta coletilla es redundante) es un OVA sólo para otakus de la ultraviolencia o del manga del que nace esta animación. Por cierto, que esta basada en una novela del guionista del manga, Buronson, que narra lo que pasa después del final de la serie y tiene un final abierto que promete.

En este enlace tenéis una serie de homenajes realizados por reconocidos mangakas a la magna obra del maestro Akira Toriyama. La imagen que ilustra este post corresponde a Masashi Kishimoto, creador de Naruto y fan incondicional de Dragon Ball, pero en la página mencionada encontraréis ilustraciones de autores como Eichiro Oda (One Piece), Yasuhiro Kanô (Pretty Face) o Yoshio Sawai (Bobobo) entre muchos otros.

Nota: Sí, continúo sufriendo mi segunda fiebre Dragon Ball y no dejo de encontrarme cosas como esta en Internet, por si os lo estabais preguntando. No se... quizá debería escribir una reseña del Civil War #4 o algo así para desintoxicarme antes de que me empiecen a entrar ganas de hacer cosplay ;)

(Saludos a todos! Soy Mr. Forfy y este es mi primer post en Volatilis, pero basta de cháchara que no necesito más (ni mejor) presentación que la que me hizo Carlos el otro día. Disfrutadlo!)

Oh, amantes de Frank Miller y Tim Burton! Desfruncid el ceño! El Batman de Adam West y Burt Ward es (creedlo o no) una de las mejores adaptaciones que ha tenido el señor de la noche. Aunque bueno, los alegres años 60 hicieron que ese adjetivo no le encajara muy bien. Porque este Batman es colorista, bailón y ridículo como pocos. Pero nos encanta y ahora vamos a ver porque:

Despues de ver esta sensacional secuencia: quien puede sentirse engañado? Batman y Robin sonriendo(!) y repartiendo justicia con las onomatopeyas características de la serie. Y con una canción que no nos pudimos quitar de la cabeza en años. Que empiece la fiesta!

Riete de Perdidos o Prison Break! No había un sólo capítulo de este Batman que no te dejará colgado (con aquello de "Sintonícenos mañana en el mismo Bat-canal a la misma Bat-hora"). Todos terminaban con Batman y Robin a punto de morir ahogados o quemados o de alguna manera horrible. Situación que resolvían en el primer minuto del siguiente capítulo, para volver a terminar el mismo de forma similar. Muy posiblemente sean (sin saberlo) los padres del cliffhanger televisivo. Y eso nos tenía irremediablemente enganchados.

La serie estaba plagada de ellos! Vale que a Batman siempre le han gustado los artilugios pero esto ya era pasarse. Aquí el teléfono era un Bat-teléfono, la escalera una Bat-escalera, el desayuno un Bat-desayuno... Todo era un Bat-loquefuera! Nuevamente los creadores de la serie eran innovadores, llegaba el concepto del merchandising masivo. Todo podía Bat-comercializarse.

Al menos para mí, su presencia en los cómics siempre ha sido de lo más molesta. Carne de cañon para que los villanos hicieran su agosto con él. Pero no aquí, Robin era quien sacaba a Batman de todos sus aprietos, el ayudante que realmente necesitaba. Un ejemplo de diálogo en la serie:

Maldita sea Batman! ¿Cómo que justo lo que estabas pensando!? Nunca sabías nada, era Robin el que lo solucionaba todo! No llegaría a Nightwing, pero este Robin ha hecho más por el concepto de sidekick que cualquier coleccion que se haya sacado de la manga DC.

Ponerle pezones a Batman es un sacrilegio, reirse de nosotros en nuestra cara. Pero que Adam West vistiera pijama satinado y llevara una mascara de cartón con las cejas pintadas de tiza para combatir el crimen es un ejemplo de corrección y respeto. ¿Por qué? Porque si miras los cómics de la época todo era tan ridículo y estúpido como en la serie. Vale, que la cosa se desmadró mucho pero echadle una ojeada a esta recopilación de portadas de la época y veréis que quizá no tanto.

Y hasta aquí hemos llegado con la primera Bat-entrega. En la siguiente veremos a las mujeres de Batman, los villanos, los vehículos y algunas cosas más! Os espero en el mismo Bat-Blog a la mism... bueno, un día de estos.

Uno de los principales encantos de YouTube es que siempre encuentras algún video que sientes la necesidad de compartir con alguien. Éste, por ejemplo:

El primer comentario que hay en la página del video me ha asustado bastante. Dice que si pillas al vuelo todas las referencias que contiene, entonces, en efecto, eres un empollón.

(Vía pjorge)

En fin, año nuevo sección vieja en la que, incluso, recupero el formato anterior a la locura veraniega (aunque si me decís que preferís reseñas ultracortas y más masificadas yo obedezco). Esta vez tocan 4 cómics variaditos como siempre sin spoilers:

Nota: 5/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

Los Nuevos Vengadores #9: Bendis sigue a vueltas con el personaje de El Vigía y, la verdad, habiendo leído la miniserie original (que, todo sea dicho, me gustó), no sé muy bien de qué va todo pero bueno. Por lo menos los diálogos están bien, aunque este mes hay más letra de la de costumbre. Eso sí, el dibujo de McNiven me sigue gustando bastante pese a algunos gestos y caras que le salen (pero las caras sabemos de quien son, ¿eh, Finch?
Nota: 5/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24

Jóvenes Vengadores #6: Que el tiempo Marvel no va así... Hace dos meses pasé por el aro y eso que todo era mucho más visible pero es que me matan este tipo de cosas y más cuando me gusta la serie y los personajes tanto. Directamente diré que me jode que Heinberg se piense que esto es Regreso el futuro porque del resto parece que sí tiene idea. En cualquier caso, a quien no le importe demasiado el "detalle temporal", encontrará un tebeo muy bueno y mejor dibujado por Cheung cuyo estilo me gusta mucho y le va perfectamente a la colección.
Nota: 7/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24

Nota: 8/10 - Precio: 3 Euros - Páginas: 48

Cuando apenas faltan unas semanas para que Volatilis cumpla su segundo año de vida, damos por fin comienzo de forma oficial a la que será nuestra tercera temporada en la red.
Tenemos un objetivo muy claro de cara al próximo año, y este es sin duda el mantenernos fieles a nuestros contenidos y sobre todo, a nosotros mismos. Queremos seguir haciendo esto por que nos gusta, porque es un apoyo tremendo para nosotros saber que cada vez sois mas al otro lado del monitor y principalmente, porque disfrutamos como niños haciéndolo.
Este post nos sirve también para presentaros nuestras novedades de cara a los próximos meses, incluyendo dos nuevas incorporaciones a nuestra plantilla que estoy deseando que conozcáis. Comenzamos esta etapa manteniendo la idea principal que tan buen resultado nos ha dado hasta ahora y que no es sino la de ser absolutamente subjetivos en casi todo. Un ejemplo será que, como de costumbre, cualquier noticia que sea reflejada en Volatilis contará inevitablemente con un componente fijo de opinión 100% personal e intransferible. Esto es, nada de copypaste.
Aunque eso, claro, no es nada nuevo si sois de los que nos seguís desde hace tiempo.

Las novedades esta tercera temporada vienen dadas de la mano de Mr. Forfy, al que es posible hayáis leído en su excelente blog Mad World y Antonio Álvarez, a quien muchos identificaréis mejor con el nick de Lord_Pengallan y cuyas reseñas pueden encontrarse en El Critiquitas, su weblog sobre tebeos desde finales de 2005. Así, el imprevisible Forfy se hará cargo de buscar adaptaciones en imagen real de nuestros héroes, encontrar crossovers estúpidos, despedazar videojuegos lamentables e incluso una sección manga... y por supuesto, cualquier curiosidad que vaya encontrándose por ahí. Mientras tanto, el plúmbeo Lord_Pengallan reivindicara obras que no han tenido la repercusión que (el cree que) se merecen y aportara su granito de arena para que en Volatilis se hable mas de cómic japonés.

Como habéis podido comprobar, he mencionado en dos ocasiones el manga nipón. Y es que otra de nuestras intenciones es desterrar la falsa impresión que a veces hemos podido transmitiros de que somos única y exclusivamente un weblog sobre cómic americano. Vale... quizá fuera así al principio... pero de un tiempo a esta parte no solo hemos venido incluyendo artículos sobre cine, videojuegos e incluso otras vertientes distintas del mundo de la historieta, sino que en adelante, trataremos de impulsar el tratamiento de todo tipo de géneros que hasta ahora hemos tenido algo olvidados. De tal modo, además del mentado manga, también daremos cabida al cómic europeo, algo de lo que se encargará (cuando su tiempo libre se lo permita) nuestro compañero Javier Arriola.
Sergio Holmes, el hombre tranquilo, seguirá re-visionando algunos de los films más olvidados, despreciados o desapercibidos de la historia del cine, con su habitual estilo entre crítico y reivindicativo. Por supuesto, admite propuestas para pasar a formar parte de la cada vez más extensa lista de películas "re-visionadas".
Dani López continuará haciendo lo mismo desde que llegó: reseñas, reseñas y más reseñas en la sección de las compras de cada mes. Por supuesto, además, siempre puede que le salga algún artículo sobre algo destacado o alguna crítica de cine relacionada con el mundo del cómic. Incluso, nunca se sabe, puede que nos sorprenda con algún artículo de análisis de algún autor o etapa, como el interesante repaso a las obras de Brian Michael Bendis en B&N.
Igor Rodtem promete regularidad, algo que sus aficionados reclamamos fervientemente.

Por su parte, el que os escribe intentará seguir haciendo exactamente lo mismo que hasta ahora: contribuir a que Volatilis sea un sitio al que os apetezca volver todos los días. Que al fin y al cabo, esa la idea de todo esto.

Comentaba hace unos días en el post dedicado al videojuego Battle Stadium D.O.N. que ando inmerso desde varias semanas atrás en la muy placentera tarea de re-visionar una de las series de mi infancia, Dragon Ball Z, gracias a los Dragon Box nipones, que no son sino la edición en dividí de la serie que, según dicen, cuenta con la mejor calidad de imagen de cuantas se han comercializado a lo largo y ancho del globo terráqueo. Esto es algo, por otra parte, que no podría confirmar con certeza, puesto que no he tenido la oportunidad de acercarme a los DVDs de la serie que se están vendiendo ahora mismo en España y que me consta que también cuentan con audio y video remasterizado. En cualquier caso, los Dragon Box se ven de vicio. Y como no es ese el tema del cual quería hablaros, tanto da.

Lo que verdaderamente me está llamando la atención en esta revisión del anime que propició el boom del manga en este país han sido una serie de escenas que yo no recordaba haber visto en su día en los capítulos emitidos en televisión. Y, bueno, cualquiera sabe que tanto Dragon Ball como otros animes icónicos, como por ejemplo Los Caballeros del Zodiaco/Saint Seiya sufrieron en su día un puñado importante de tijeretazos que en teoría garantizaban que el chaval que se sentaba a verlos mientras desayunaba antes de ir al colegio o merendaba al volver mantenía intacta su inocencia. Lo que yo no sabía es que esa censura había sido en la mayoría de los casos, tan estrictamente absurda. Vale que, capítulos como el que mostraba el combate librado entre Videl y Sporovich durante el penúltimo Campeonato de Artes Marciales de DBZ [Dragon Ball Z - Episodio 217] eran bastante bestias como para ser emitidos en horario infantil, pero vistos hoy aquellos episodios, la verdad es que uno llega a pensar que la censura en la gran mayoría de fotogramas eliminados (muchos de ellos de apenas unos segundos), fue, como poco, innecesaria. Al fin y al cabo, Dragon Ball ya es una serie violenta por definición, y es por ello que no le encuentro demasiado sentido a meter la tijera en imágenes que muestran a Goku sangrar mientras entrena en su nave camino del planeta Namek y enseñarnos, por ejemplo, el fragmento que nos muestra a un tipo hinchándose hasta explotar. Máxime cuando gran parte de la chavalería que la veía en la tele acababa por comprar el manga de Akira Toriyama. Sin censurar, por supuesto.

Así que, puestos a investigar sobre el tema, llegué a un hilo del foro de la web El Mundo de Dragon Ball en el cual se ha aportado un listado completo con todas la escenas censuradas en las tres series de DB (Dragon Ball, Dragon Ball Z y Dragon Ball GT) en cualquiera de sus emisiones hispanohablantes. Resulta curiosísimo comprobar como un gran número de las escenas eliminadas corresponden a comportamientos del pervertidillo Maestro Mutenroshi para con los personajes femeninos o a partes teóricamente extremas de la pelea contra Freezer y, desde luego, merece la pena echarle un vistazo para comprobar que fue exactamente lo que nos perdimos cuando vimos la serie por primera vez.

Que nos estamos acostumbrando a que determinadas editoriales la caguen mucho mas de lo que deberían amparadas bajo la seguridad de que seguiremos comprando los comics que editan es, a estas alturas, una verdad incuestionable y realmente preocupante.

Un fallo de traducción es admisible. Un leve error de rotulación puede llegar a ser molesto. Que falte una página en todos los ejemplares de una misma tirada es ciertamente irritante. Pero lo sucedido con la edición española de la serie Los Defensores de Giffen, DeMatteis y Maguire solo se puede definir como insultante. Sobre todo para aquellos que han pagado religiosamente los 10,5 euros que cuesta el tomo de marras. Soy de los que en su momento se hizo con la edición original y no he tenido la necesidad de adquirir la que Panini Comics publicó en nuestro país el pasado mes. Y es por eso que me he quedado a cuadros después de leer este post publicado en el blog de Adlo que compara la edición americana, la española, y la realizada por la gente del CRG, un grupo de aficionados que escanean los comics que se publican en los Estados Unidos, los traducen, los rotulan y los comparten sin animo de lucro a través de las redes de pares.

El comprobar como la versión del CRG es calcadita a la norteamericana e infinitamente superior a la española es algo que sencillamente le deja a uno sin palabras. Aquí tenéis una muestra se semejante chapuza gracias a imágenes vilmente sustraídas del post mencionado anteriormente, (donde por cierto, podréis encontrar otros ejemplos) comparando, por este orden, la edición original, la del CRG y la de Panini:

En serio, sin palabras.

Vía La Cárcel de Papel

Aunque siempre he sido en mayor o menor medida consumidor de manga y (sobre todo) anime, la lectura del primer número de la nueva etapa del manhua Tigre y Dragón, Héroes Orientales publicado por la recién nacida editorial Iced Lands Books ha supuesto mi primer acercamiento a un genero que verdaderamente desconocía hasta ahora: los comics realizados y publicados en China. He decir que en general, la experiencia ha sido bastante satisfactoria. Al fin y al cabo, los personajes que se muestran en el manhua son una variación muy directa de los que refleja el cómic japonés o incluso otra rama oriental aun mas desconocida para mi, el manhwa coreano. Y eso se nota.

A fin de cuentas, “Kung-Fu a muerte en Tailandia”, que es como se subtitula este primer volumen de la obra del dibujante Tony Wong, presenta un guión adecuadamente simplista que no hace sino estar casi todo el tiempo al servicio de la acción que inunda todas las paginas. Y es que a grandes rasgos, Tigre y Dragón (nada que ver con la película de Ang Lee, por cierto) es un cómic de tortazos a punta pala y eso es algo que saben los lectores potenciales a los que va dirigida su publicación. Quiero decir, nadie que no soporte, por ejemplo, una película de Jet-Li, principalmente si es de su primera etapa como actor cuando aun no era conocido en Hollywood, tendría ni la mas mínima intención de acercarse a este cómic, por lo que si hay algo bien definido es el tipo de lector que busca introducirse en la historia que plantea Wong. Personalmente opino que eso es mas una ventaja que un inconveniente. En cuanto al apartado gráfico, sin lugar a dudas el punto fuerte del cómic, destacar lo especialmente bien coreografiadas que están todas las luchas (Kung-Fu significa Kung-Fu) y algo que me ha llamado poderosamente la atención y que no es sino el hecho de que algunas viñetas, aquellas que tratan de enfatizar la idea principal de cada página, estén dibujadas de una forma mucho mas detallada que el resto. Y la verdad es que funciona.
En esta nueva etapa, la edición agrupa varios ejemplares de la serie conformando un tomo de alrededor de 160 paginas con sobrecubiertas y cabe subrayar de ella lo cuidada que está. La editorial se estrena con este cómic, perteneciente a un género que en España ha estado publicado de forma muy irregular y se nota que se ha puesto especial interés en tratar de hacer las cosas bien. Las primeras paginas del tomo, obviamente presentado como el original en formato de lectura oriental, introducen al lector en la trama a través de un resumen de lo acontecido en la ingente cantidad de números anteriores de la serie, algo poco menos que imprescindible si se tiene en cuenta que se inicia su publicación en el número 566 de los mas de mil quinientos que aparecieron semanalmente y de forma continua desde el año 1970.

Creo que la publicación de Tigre y Dragón, Héroes Orientales, que tendrá lugar de forma mensual e indefinida, supone una excelente oportunidad para que un buen número de lectores, como el que escribe, tengan la oportunidad de acercarse a un tipo de cómic tan desconocido como el manhua por primera vez.

Sí, ya sé que estamos a mediados de Septiembre, pero bueno, hay que ir zanjando las compras del mes pasado para empezar bien la nueva temporada (o intentarlo). Como siempre este "verano", breve y sin spoilers:

Los Nuevos Vengadores #8: Seguimos con el Vigía a vueltas cuando no haría falta más que un número para contarlo todo, me da la sensación. De todos modos, por lo menos, no todo es eso y hay otras cosas, algo de acción y conversación.
Nota: 6/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24
Jóvenes Vengadores #5: Un número de batalla interesante en el que no se aprecian las tonterías temporales del anterior (digo tonterías porque no tienen sentido, el tiempo no funciona así en Marvel) y hay alguna sorpresa pero, sobre todo, personajes bien tratados y un Kang bien escrito.
Nota: 7/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24
Capitán América #10: Sí, Dinastía de M, sí (esto va a ser como el mes mudo de hace años: en España nos comeremos el crossover hasta cuando haya acabado). La verdad es que es un número bien escrito sin más que se dedica a recontarnos la vida del Capi, ahora en la nueva realidad. El dibujo está bien pero es algo sosete.
Nota: 6/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24
The Pulse #12: La serie regular más irregular vuelve otro mes con Dinastía de M y nos trae un número bien escrito por Bendis y bien dibujado por Lark que trata de Ojo de Halcón, ni más ni menos. Sinceramente: intrascendente pero se lee rápido y no hace daño a nadie.
Nota: 6/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24

Astonishing X-Men #12: Termina la primera temporada de la serie con una segunda parte bastante más floja que la primera y un final que finiquita a Peligro y nos engancha directamente a la siguiente saga. Un número de acción bueno y algunas revelaciones. Buenos diálogos y dibujo.
Nota: 7/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48
Patrulla X #8: Dinastía de M sigue por aquí y no tiene prisa por marcharse, así que el número siguiente más. Alan Davis dibuja genial una aventura muy "Claremontiana" que se sigue centrando en el Capitán Britania, su familia y mundo (sí, vale, también sale Rachel...).
Nota: 6/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24

Lobezno #8: Muy japonés todo, tanto el ambiente como los autores pero la historia no tiene mucha gracia así que la cosa es muy muy sencillita y correcta. Nada del otro mundo.
Nota: 5/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48
Nota: 7/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

Spiderman #53: JMS hace un buen número en el que sale más Spiderman como viene siendo habitual, con humor y con acción. Hudlin descubre de qué va toda su etapa y deja un par de detalles entre tanta chorrada. Y Bedard pues lo de siempre pero con algo más de protagonismo de Spiderman que de los villanos habituales. Este mes no está tan mal la cosa.

Ultimate Spiderman #5: Mucha acción en el número en la mejor colección, de bastante lejos, del "universo Bendis". El dibujo de Bagley estupendo, como siempre, le echaremos de menos cuando se vaya (aunque en España queda mucho aún).

Ultimate X-Men #3: Vaughan se quiere despedir a lo grande y "Norte magnético" se lo va a permitir. El dibujo de Immonen es bueno pero parece algo más descuidado que de costumbre. De verdad que, para mí, es la mejor serie de mutantes actualmente.
Nota: 9/10 - Precio: 3 Euros - Páginas: 48

Jóvenes Titanes #10: Pues un número ligerito, entretenido y que nos lleva a la boca del lobo directamente. En próximos números van a pasar cosas, se huele.

Outsiders #11: Un número dedicado a Arsenal muy bien escrito y bien llevado por Winick que analiza las consecuencias del incidente que le ocurrió al personaje hace unos números. Dibujo algo soso pero no molesta.

Wonder Woman #9: Número doble con invitado sorpresa y algunas sorpresas pero, para mí, principalmente, el mejor número de la etapa actual. El dibujo sigue siendo agradable. No digo más.

The Flash #9: Aunque la mitad del número es Superman corriendo detrás de Flash el número está genialmente escrito y los diálogos y pensamientos de Wally están a la altura de los mejores. Al final, se "re-redefine" el status del personaje y lo deja todo preparado para empezar otro arco.

Batman #3: Gabrych continúa haciendo un cómic aceptable que tiene un buen dibujo. Lieberman me da la sensación de que empieza a perderse en una maraña de ideas noventeras. Winick hace una buena colección de dibujo algo exagerado pero interesante. Y el último cómic es un clásico de Goodwin y Rogers, que huele a clásico por todos los costados. Un cómic consistente que baja un poco la calidad este mes pero que sigue siendo bueno.

Superman #4 y #5: Austen hace un cómic de acción pura y dura sin ninguna justificación que, que queréis que os diga, es mejor que tenerle pensando demasiado. De todos modos el segundo número tiene más gracia (y demuestra cómo el villano de los primeros números no hace falta para nada). Azzarello parece que empieza a mostrar dónde quiere llegar y nos importa una mierda porque no tiene ni idea de cómo hacer un cómic de superhéroes entretenido y no entiende al personaje. Rucka hace los mejores números. Concretamente el segundo tiene muchos momentos graciosos por la aparición de Mr. Mxyzptlk. Una colección algo flojilla que, por cierto, ¿porqué tiene 10 páginas de anuncios de Planeta al final? (anuncios muy viejos encima).

Coleccionable Las Aventuras de Superman #1 y #2: Pues Byrne haciendo de lo mejor del personaje, con dibujo y guión muy buenos, redefiniendo personaje y orígenes y aportando ideas en cada página. Dos números imprescindibles aunque luego no hagáis el coleccionable, por precio y por todo.

En tiempos como estos, en los que los blogs salen de debajo de las piedras y la pretenciosidad está a la orden del día, da gusto descubrir cosas tan interesantes como Pasion Pulp. Yo acabo de hacerlo gracias a un comentario situado en el post inmediatamente anterior a este y me ha bastado con leer unas cuantas entradas sobre cine, videojuegos raritos y figuras de acción para incluirlo entre mis favoritos.

Uno de esos videojuegos de los que os hablaba es Battle Stadium D.O.N., una frikada de dimensiones incalculables con graficos cell-shading que reúne, aunque resulte difícil creerlo, a personajes de tres de las series manga mas famosas de todos los tiempos publicadas en la revista Weekly Shonen Jump: Naruto, One Piece y... ¡Dragon Ball Z!. Hago aquí un inciso simplemente para dejar constancia de lo bien que me lo estoy pasando volviendo a ver todos los capítulos de esta última desde hace un par de semanas gracias a los maravillosos Dragon Box japoneses.
Pero volviendo a Battle Stadium D.O.N., decir que es un juego de lucha multijugador (de uno a cuatro jugadores dandose tortazos a la vez) al mas puro estilo del ya viejales Super Smash Bros. de Nintendo, que ha salido para las consolas Game Cube y PS2 y que como los japos son con diferencia los mas listos del mundo mundial, se lo han reservado para ellos solitos. Rebuscando convenientemente por ahí me he encontrado con el opening del juego y con unos cuantos videos del mismo en acción. Pero lo mejor, sin duda, es el ending. Yo aun sigo babeando…

Ni se os ocurra perderos la review que hacen los chicos de Pasion Pulp.

Realmente interesante la entrevista que publica Newsarama con los autores multiusos Jimmy Palmiotti y Justin Gray (actualmente escribiendo cosas interesantes en Marvel como Claws o Heroes for Hire) acerca del nuevo arco argumental de la serie regular del cowboy mas famoso de DC Comics, Jonah Hex, que comenzará a narrarse en el número 13 de la colección a partir de Noviembre.
En dicho arco Palmiotti y Gray contarán por primera vez el origen de Hex, una historia no lineal que se remontará sobretodo a los tiempos de la Guerra Civil norteamericana y que irá trasladando al lector a distintos momentos clave en los años mozos del vaquero, poniendo especial énfasis en su infancia y su estancia con los indios Apache.

Todo ello estará ilustrado ni mas ni menos que por el dibujante patrio Jordi Bernet, toda una leyenda del cómic europeo para quien el genero del western no es precisamente algo nuevo.
La participación de Bernet, quien ya deslumbró a los lectores estadounidenses con su participación en la serie de especiales SOLO (también de DC), será sin lugar a dudas el principal aliciente de estos números de Jonah Hex. No obstante, si algo caracteriza a Palmiotti y Grey es que acostumbran a desarrollar unos guiones que posibilitan un mayor lucimiento del dibujante de turno. Y aunque personalmente crea que Bernet es uno de esos autores cuyo estilo se disfruta mas en blanco y negro, confío plenamente en que los guionistas sacarán el máximo el partido a los lápices del dibujante. Así que no os quepa duda... de ahora en adelante habrá que seguirle la pista a Hex.

La nueva genialidad de un Brian K. Vaughan cansado ya de niñatos fugitivos se llama Pride of Baghdad. Es una novela gráfica de 136 páginas ilustradas por Niko Henrichon (Barnum) inspirada en la historia real de cuatro leones que escaparon del zoo de Bagdad durante la "Operación Libertad Iraquí" llevada a cabo por el ejercito estadounidense durante el año 2003.
El propio Vaughan dice sentirse realmente orgulloso del resultado final y comenta haber escrito esta historia "no porque tuviera todas las respuestas, sino porque quería hacerme a mi mismo preguntas importantes acerca de la guerra de Irak, sobre la naturaleza de la ocupación y el precio de la libertad". Y sí, es un cómic de animales que hablan.

Como tantas otras obras maestras, Pride of Baghdad ha sido publicada bajo el sello Vertigo de DC Comics y llegó ayer mismo a las librerías especializadas de los Estados Unidos. Rick Shea ya la ha leído y la define en Newsarama como brillante. Yo le creo, la verdad. Las primeras páginas, preciosas, me han entrado por los ojos.

El mundo del frikismo, como tantos otros, está plagado de tópicos más o menos acertados. Es cosa conocida, aceptada y casi de ley que la mejor etapa de los X-Men fue la de Claremont y Byrne, que Brandon Routh no da la talla frente a Christopher Reeve, o que George Lucas ha perdido el norte en su saga más célebre (y no hablo de Indiana Jones). Lógicamente, todos estos tópicos tienen parte de verdad (especialmente el último), pero es extraño que, a menudo, los mismos frikis los defendamos sin saber muy bien por qué, al igual que son muchos los que reconocen al Quijote como la mayor novela de la historia sin haber finalizado el primer capítulo.
Uno de estos tópicos, tal vez no el más conocido pero sí comúnmente aceptado, es el que se refiere a la película que trataré en este post. Creo que, a lo largo de los últimos años, he oído hablar de este film a unas cinco o seis personas, y la coincidencia era casi absoluta, con alguna variante que iba del “bodrio” a la “basura”. Todo ello hizo que, sin haberla visto jamás, pasara a formar parte de los detractores del Señor de los Anillos de Bakshi (o, simplemente, el “Bakshi”).

Hace un año, sin embargo, cayó en mis manos por casualidad una copia de la película, y aunque mi reacción inicial fue de rechazo, fue entonces cuando me di cuenta de que jamás la había visto: dicho y hecho, decidí perder cerca de dos horas en el susodicho Bakshi, a fin de poder despotricar a gusto del director, el film, la productora y quien se tercie.
Digamos, en primer lugar, que hoy en día resulta muy difícil (imposible, creo yo) ver este film sin compararlo con la versión, extendida o no, de Peter Jackson. Las comparaciones son odiosas, pero ahí están, y más cuando la trilogía por excelencia resulta mucho más accesible para el espectador común. Queda claro, así, que Ralph Bakshi no es Peter Jackson, ni la película animada es la cinematográfica, y ni siquiera (por si fuera poco) la primera versión logra completar la trilogía. Todo ello puede llevar a pensar que, en este caso, nuestra re-visión de Bakshi será del todo negativa. Pero, como siempre, vayamos al film.
A finales de los años 70, Ralph Bakshi y su estudio de animación tratan de realizar una versión animada de la gran obra de J.R.R. Tolkien, El Señor de los Anillos: con la reciente muerte del autor y un esperado y renovado interés por el libro, el seguimiento del proyecto debió ser (y fue) muy estrecho, así como todo aquello que la película prometía: animación de personajes basada en el movimiento de actores reales, diferentes texturas de dibujo, sorprendentes técnicas… nada que no se hubiera visto antes por separado, pero jamás todo junto, en una sola película. Todo ello indica la desmesura de un proyecto que, finalmente, quedó reducido a un primer film que alcanzaba más o menos la mitad de la obra original (digamos, con alguna duda, que finaliza algo más allá del inicio de “Las dos Torres”), a la espera de una segunda parte propiciada por el seguro éxito del film. No hace falta decir que se equivocaron, y que la secuela jamás vería la luz, quedando este experimento como un frustrado intento para muchos tolkenianos.
La película, como es sabido, empieza con la fiesta de cumpleaños de Bilbo Bolsón, el hobbit de la Comarca que en un lejano día abandonó la comodidad de su tierra para embarcarse en una aventura que le haría volver más rico que ninguno de sus vecinos, además de convertirlo en un hombre (perdón, un hobbit) distinto. Lo que nadie sabe es que, en ese viaje, Bilbo trajo consigo un curioso presente: ni más ni menos que un anillo que permite hacerse invisible a cualquiera que lo leve. Nadie, ni siquiera Frodo, el protegido de Bilbo, conoce la historia del anillo, que será el eje y centro de la historia, con implicaciones hacia el pasado mismo de la Tierra Media y especialmente hacia el futuro: Hombres, Enanos, Elfos y Hobbits, más otras razas de seres fabulosos, deberán luchar unidos contra Sauron, el Señor Oscuro y auténtico propietario del anillo. La historia de este anillo, por cierto, se explica a medida que la historia transcurre, con la aparición de un Gollum más obsesionado que nunca (espectacular escena del asesinato de Déagol y la obtención del anillo por parte de Sméagol: en un fondo rojo, dos sombras lo dicen todo).

La innovación técnica será, sin duda, lo mejor de la película: el movimiento de los personajes es fluido; las expresiones resultan tremendamente creíbles, y en general la representación de los caracteres del libro está bien lograda (la deuda entre los Espectros del Anillo de Bakshi y los de Peter Jackson es real, le pese a quien le pese). El prodigio técnico también está presente en las capas de los hobbits, tratadas con una textura especial tratada con pincel sobre el mismo fotograma (algo que también aparece en los fondos). Finalmente, la combinación de realidad y animación alcanzará la máxima perfección en la escena de la taberna de Bree (imposible distinguir realidad y lápiz) o la figura de los orcos (más aterradores que nunca), La música, siendo setentera total, tampoco desmerece al resultado final.

¿Dónde se encuentra, entonces, el fallo de la película? ¿Por qué generación tras generación de frikis repudia El Señor de los Anillos de Bakshi? Sin duda alguna, por su ritmo. Bakshi, como director del film, se equivoca al realizar la necesaria translación del lenguaje literario al cinematográfico, con las concesiones que ello implica. No vamos a entrar en el eterno debate literatura-cine, pero sí señalaré que el ritmo del lector que va pasando páginas cómodamente sentado en su butaca no puede ser el mismo del espectador de un film, por muy cómodo que esté también. Bakshi es fiel al original hasta la extenuación, y la película se resiente: no hay un guiño humorístico que aligere el tema, ni un Legolas en monopatín bajando unas escaleras, ni… en fin, no hay ninguna concesión no sólo al espectador “palomitero”, sino también al normal, o incluso al aficionado a Tolkien. El Señor de los Anillos de Bakshi es una magna película basada en una magna obra, pero que se resiente de un ritmo lento y que no arranca hasta más allá de la media hora de film, cuando es demasiado tarde para captar la atención de nadie.
Técnica y ritmo, guión y efectos: la realidad del cine hace que cada película sea una sola unidad en la que cada elemento compensa al resto, o al menos, forma parte de una estructura muy superior. En el caso de Bakshi, el proyecto de ser fiel (lo más posible) a Tolkien le superó. Por suerte, pronto llegaría Peter Jackson para arreglarlo… (mmm… ¿seguro?)

Minimates
Me quedé prendado de los Minimates de Art Asylum y Diamond Select cuando descubrí una pequeña maravilla llamada X-Men Darktide, un corto de animación por ordenador protagonizado por la Patrulla X de Grant Morrison en versión muñecajo. Me gustaron tanto que no alcanzaba a explicarme como no los había descubierto antes, de modo que no me quedó otra que hacerme con alguna de las parejas de Minimates disponibles en el mercado, comenzando así la que espero, sea una extensa colección.
Ya se sabe que sobre gustos no hay nada escrito, pero elegí la que creo que es la pareja mas molona de todos los Minimates disponibles hasta ahora: Fénix Oscura y Cíclope. Posteriormente, y después de encontrarlos en una librería especializada on-line (en Ciudad Real sería harto complicado encontrar nada ni remotamente parecido a los Minimates), descubrí que estos dos pertenecían a una edición especial y limitada a 5000 unidades que Diamond preparó como plato fuerte de cara a la Comic-Con de San Diego del pasado año, de ahí que fueran un poco mas caros de lo habitual.

Habiéndolos recibido hoy mismo, puedo comentar que contemplados de cerca, los Minimates son considerablemente mas reducidos de lo que pueda parecer en cualquier foto que veáis. Son bastante mas pequeños que los Clicks y mucho mas fragiles que las figuras de LEGO. Por contra, poseen mas puntos de articulación que estos y están mas detallados. Además, Art Asylum cuenta con licencias para fabricar Minimates sobre personajes de Marvel, DC, Capcom, Star Trek, El Señor de los Anillos... además de alguna que otra edición especial como el pack que contiene a cuatro personajes femeninos del sello Top Cow.

Ya les tengo echado el ojo a los Minimates de Los Nuevos Vengadores y de Astonishing X-Men que Art Asylum prepara para el futuro y si he de ser sincero, me asusta el posible riesgo de engancharme a ellos como si de un diminuto vicio se tratara. Creo que los Minimates intentan preparar el asalto a mi Templo Friki. Por suerte o por desgracia, algo me dice que mi poder adquisitivo de estudiante provocará que la conquista vaya para largo ;)

Bien pensado, era lógico que, en vista a la oscuridad de la cual hará gala (muy acertadamente) Spider-Man 3, el trepamuros volviera tarde o temprano a enfundarse su precioso traje negro creado por Rick Leonardi. No obstante, ya es seguro que lo hará después de Civil War y por supuesto, a consecuencia de ésta.
Lo cierto y verdad es que, además de negar que éste "Back-in-black" esté relacionado con el futuro estreno de la película en 2007 (algo que nos creemos todos, faltaría mas) el sempiterno Joe Quesada ha comentado al respecto algunas cosas bastante interesantes durante su estancia en la ciudad de Baltimore, donde estos días se celebra una nueva convención del cómic. A destacar como ejemplos (y como hipotéticos destripes) la posibilidad de que bajo la máscara no se encuentre necesariamente Peter Parker o que el negro refleje en esta ocasión el estado de animo de Spiderman tras lo sucedido en la Guerra Civil.
Estos no dejan de ser unos perfectamente bien lanzados rumores que a buen seguro alborotarán a los lectores durante algún tiempo en blogs y foros de Internet, pero es que si hay algo que sabe hacer este tipo es dejarnos con la miel en los labios. Aunque algunos de sus dardos se queden bien lejos de dar en la diana. Léase Bryan Singer co-guionizando Ultimate X-Men o Stephen King escribiendo tebeos.

En cualquier caso, no deberíais dejar de echar un vistazo a su panel en la Baltimore Comic-Con, ya que entre otras cosas también ha anunciado el regreso de Alan Davis y Clandestine, el futuro equipo creativo de Runaways formado por Joss Whedon y Michael Ryan o la creación de una nueva serie bimensual de Spiderman escrita por el infravalorado Sean McKeever. Además, claro, de hablar de World War Hulk, el macroevento para el verano de 2007, del nuevo Thor de J.M.Straczynski o del acuerdo alcanzado para distribuir los comics de los Hermanos Dabel. Esta información, además de en Newsarama, podréis encontrarla ya a estas horas y como de costumbre en perfecto castellano en los habituales weblogs de referencia.

Lo dicen en la web CVG, donde al parecer han averiguado que los derechos que LEGO tiene sobre el personaje de DC Comics van mas allá de lo que a fabricar (maravillosos) juguetes de construcción con bloques inspirados en la parafernalia que rodea al Señor de la Noche se refiere.

Como es obvio, la empresa encargada de desarrollar el videojuego será la veterana Traveller´s Tales, responsable también de los dos juegos protagonizados por figuritas de LEGO sacadas directamente del Universo Star Wars. Aun no ha trascendido ni una sola de las características del videojuego, aunque teniendo en cuenta los mencionados de Star Wars, cabe esperar que sea al menos tan competente y divertido como éstos. Sustituyendo los siempre molones sables láser por... el Batmóvil, por ejemplo.

De momento, y para que la espera se haga algo mas llevadera, podemos ir echándole un vistazo al minisite oficial sobre el personaje en la web de LEGO, bastante cargado de animaciones, juegos en Flash, información sobre las figuritas comercializadas hasta el momento y hasta comics protagonizados por ellas.

Buenorras, biquinis, katanas, voleibol, luchas con cable a camara lenta, ingeniosos diálogos (como el que abre el trailer), los encargados adaptar al cine Mortal Kombat, el rey de la Serie B Eric Roberts...

¿Por que querría nadie perdersela?

Marvel continúa anunciando comics que llaman poderosamente mi atención. Si hace pocos días hablaba del relanzamiento del grupo de supers canadiense Omega Flight, ahora mi interés se centra en un One-Shot previsto para Noviembre llamado Civil War: Choosing Sides y que tiene como premisa principal el contar como están viviendo una serie de personajes secundarios de la editorial los tiempos de guerra que centran en estos momentos la realidad del Universo Marvel. Para ello, se ha contado con hasta cinco equipos creativos realmente interesantes que condensarán en 48 páginas varios relatos acerca de la experiencia personal de cada uno de los personajes que, por cierto, tendrán (a excepción, imagino, de Howard el Pato) una importancia capital en los acontecimientos presentes y futuros de esta Guerra Civil. Spoilers ahead.

Así, Marc Guggenheim y Leinil Francis Yu narrarán una historia protagonizada por un cada vez mas psicótico Mac Gargan unido al simbionte de Veneno; Matt Fraction y David Aja nos contarán el motivo de que Puño de Hierro se haya posicionado del lado del grupo del Capitán América bajo la identidad de Daredevil; Robert Kirkman y Phil Hester comenzarán a dar forma al nuevo Hombre Hormiga y Michael Avon Oeming y Scott Kollins se encargarán de relatar lo que opina John Walker, el USAgente, sobre el acta de registro de superhéroes, lo cual probablemente siente las bases para que el personaje sea uno de los miembros de Omega Flight. Por último, Ty Templeton escribirá y dibujará el segmento del cómic correspondiente a Howard el Pato.

Lo realmente interesante del cómic es que los autores encargados de mostrar el punto de vista de cada personaje de cara al macroevento Civil War son los que posteriormente continuarán haciéndolo en sus respectivas series regulares (especialmente ansioso espero The Irredeemable Ant-Man de Kirkman y Puño de Hierro del español David Aja... ¿y que me decís de un hipotético nuevo Veneno a cargo de Guggenheim y Leinil Yu tras la decepcionante versión de Daniel Way?), por lo que si algo hay que dar por senado es el cuidado que se va a poner en cada una de las historias. En resumidas cuentas, Civil War: Choosing Sides no es sino otra agradable sorpresa por parte de Marvel.

Novedades Recerca Editorial:

-Marie des Loups, guión de Frédéric l’Homme y dibujos de Régis Penet. Color: Fabien Alquie. Tomo. 17 x 24 cm. 148 págs. Color. Encuadernación en lomo. Cosido con hilo. Historia completa. 15.95 €.

-Fragile, guión y dibujos de Stefano Raffaelle. Color: David Steward). Tomo. 17 x 24 cm. 180 págs. Color. Encuadernación en lomo. Cosido con hilo. Historia completa. 19.95 €.

Más información, portadas y resto de novedades en éste pdf

Novedades Aleta Ediciones:

-Dylan Dog nº 18: "El Proyecto", guión de Tiziano Sclavi y dibujos de Gianpero Casertano. 100 págs. - B/N - 5,00 euros.

-Nathan Never nº 18: "El despertar de Thor 14, guión: Pasquale Ruju y dibujos de Stefano Casini. 100 págs. - B/N - 5,00 euros.

-Martin Mystère nº 18: Pesadilla en Haití, guión de Marco Deplano y dibujos de Giovanni Romanini. 100 págs. - B/N - 5,00 euros.

-Dampyr nº 8: Desde las tinieblas, guiónde Mauro Boselli, Maurizio Colombo, dibujos de Nicola Genzianella. 100 págs. - B/N - 5,00 euros

Más información, portadas y resto de novedades en éste boletín

Pues sí, acaba de salir el primer número del coleccionable de Planeta de Los Pitufos Negros, en una buena edición. Con 24 números de salida quincenal, con oferta de lanzamiento a 2’ 95 € éste primero. La siguiente entrega los números 2 y 3 a un precio especial de 7’95 €, y a partir del cuarto, todos los números a un precio de 7’95 €. Una colección estupenda, divertida y llena de pitufeces, qué más se puede pedir.

Aquí tenéis el listado de los álbumes:

Just Imagine Stan Lee creating Watchmen es un proyecto en el que el blogger y escritor de comics Kevin Church aporta una tronchante (y estremecedora) visión acerca de lo que hubiera sido la obra maestra de Alan Moore y Dave Gibbons de estar escrita con el inconfundible estilo del ahora octogenario creador de Spiderman, La Patrulla-X y compañía.

"You´ve always heard that TV was bad for you. But can it be bad for the entire world?. Find out in so when "Savage" Stan Lee and "Dashing" Dave Gibbons bring you an issue that had to be called... THIS MAN... THIS WATCHMAN!

Son cinco páginas absolutamente hilarantes y sin el mas mínimo desperdicio que ni el mismísimo Stan Lee habría escrito de forma mas apropiada. Pasen y vean.

Vía Pjorge

Aquí teneís el listado de novedades de Europeo de Norma Editorial. Más información y resto de novedades de Comic Usa y Manga el pdf de octubre

- Cita en París, de Enki Bilal. Cartoné. 72 pág. Color. 18,00 €
- Los combates cotidianos 3: Lo que de verdad cuenta, de Manu Larcenet. Cartoné. 64 pág. Color. 16,00 €
- Lothario Grimm 1: El Castillo de la sabiduría, de Barthélémy y Galliano. Cartoné. 56 pág. Color. 15,00 €
- Weëna 3: Resurgimiento, de Corbeyran y Picard. Cartoné. 48 pág. Color. 13,00 €
- Blake y Mortimer 5: S.O.S Meteoros, de Edgar P. Jacobs. Cartoné. 64 pág. Color. 16,00 €
- Blake y Mortimer 11: El Secreto del Espadón 3, de Edgar P. Jacobs. Cartoné. 56 pág. Color. 14,00 €.
- Blake y Mortimer 12: Las 3 fórmulas del profesor Sato 2, de Edgar P. Jacobs y Bob de Moor. Cartoné. 48 pág. Color 12,00 €

Destacaría sobre todo el nuevo tomo de "Los combates cotidianos" y como siempre los esplendidos Blake y Mortimer.

Mas Templos Frikis en este comienzo de Septiembre por cortesía de nuestros lectores, a los que me temo, nunca les daremos las gracias lo suficiente. Esta vez le toca el turno a uno de esos templos que suelen dejarnos babeando con la boca abierta. Su dueño, Jose Manuel Sarabia nos envía desde Palma de Mallorca las fotos de su Sancta Sanctorum, donde según nos dice, pasa y pierde mucho de su tiempo. No es para menos. ¡Atentos a su colección de dispensadores de caramelos PEZ!

Los 80 fueron, para todos aquellos que tuvimos la fortuna de vivirlos, una década inolvidable: dibujos por la tarde, bocatas de pan de Viena, Tejero, Espinete, el libro gordo, el 1, 2, 3, Michael Knight… todo ello ha envejecido (mucho y muy mal), pero por aquel entonces el paraíso existía, y House no se habría comido nada frente a un sub-producto como El Equipo A.
En este contexto de felicidad perpetua, uno de los mayores placeres, y casi un auténtico ritual, era el de acercarse a las llamadas “videotecas” Sí, los 80 fueron también la época del Beta, del video 2000 y del VHS, y del alquiler de películas en antros más o menos acondicionados en los que te hacían un carnet y podías llevarte una cinta o más durante un día (ojo: hoy en día, el único reducto de las “videotecas” son los video-clubs, dedicados casi en exclusiva al DVD y bien distintos a sus antecesores: vamos, de las dos videotecas de las que fui socio, una es hoy un garaje y la otra una papelería, y es que aparecían como setas…). Muy pronto, el cuanto tuvimos el primer vídeo en casa, instauramos una tradición: cada sábado por la noche, película. A veces la alquilábamos el viernes, pero nunca la veíamos antes del sábado, cuando la familia está al completo (además, el viernes echaban el 1,2, 3…), y creo recordar que por 200 pesetas en los últimos años no tenías que devolverla hasta el lunes. Así, cada fin de semana mi hermano mayor y yo íbamos al video-club (perdón, a la videoteca), y nos dejábamos el dinero más o menos ahorrado o prestado en productos puramente ochentenos: nos tragamos la pentalogía de Rocky, la trilogía de Rambo, la de la Loca Academia, las de Chuck Norris, alguna de ninjas… la mayoría, films fácilmente olvidables que no pasaban del fin de semana, y de vez en cuando, muy de vez en cuando, alguna joya inesperada, como la película que he revisionado recientemente y de la que voy a hablar (que ya va siendo hora…).
Los ochenta, con el fin de la Guerra Fría y los últimos coletazos del Vietnam, nos trajeron un buen puñado de películas que combinaban la acción y el cine bélico en una fórmula bien conocida, basada en un hombretón formado y muy, muy americano que se enfrentaba solito a un puñado de enemigos con un cierto aire comunista (invariablemente, asiáticos o sudamericanos), con la pérdida de algún/a compañero/a por el camino y una justificada matanza final. Así fue como se gestó Rambo, una serie que estropeó un film no suficientemente valorado como es “Acorralado”, y la filmografía de Chuck Norris casi al completo. Una de las favoritas de mi hermano y mía era Commando, con un primerizo Arnold Schwarzenegger (a partir de ahora, y por razones obvias, lo llamaré “Chuache”) y una por entonces virginal (supongo) Alyssa Milano: un hombre, un montón de armas, un ejército y todos sabemos quién gana, ¿alguien da más? Por eso, cuando en el correspondiente fin de semana nos topamos con “Depredador”, no nos lo pensamos dos veces. ¿Chuache con un arma? Eso hay que verlo otra vez. Y vaya si lo vimos…

(Hay que decir que, por aquel entonces, sin Internet y con no demasiadas ocasiones de ir al cine, la única relación entre espectador y película antes de arriesgarse a llevarla a casa era la carátula, de forma que, por extraño que parezca, podías llevarte cualquier cosa sin saber muy bien qué era y qué ibas a ver).
La película arranca bien. Una misión de rescate de un comando especial formado por mercenarios, vale. Por si fuera poco, Carl Weathers, el Apollo Creed de la serie de Rocky, aparece también por allí. El grupo se dirige al lugar de la incursión, y en el trayecto nos damos cuenta de que se trata del típico puñado de soldados de lo más heterogéneo: el tonto con gafas (algo que, como insigne miope, siempre me ha ofendido), el negro grandote, el vaquero, el indio cherokee… todos topicazos; por suerte no durarán mucho.
Una vez en la jungla, nos damos cuenta de que algo no marcha. Los hombres de Chuache realizan su misión (que no es un rescate, aunque eso no importa para nada), pero a su alrededor, alguien les vigila. Tal vez un comunista, piensa el espectador confiado. Pero no encaja: sea quien sea, los ve a través de un extraño visor calorífico, además de ser capaz de camuflarse con la misma selva. El hallazgo de un montón de cadáveres desollados y colgados de un árbol no hace más que inquietarnos.
Y entonces empieza la acción. La supuesta película bélica se convierte en una cacería en la que son los militares los que sirven de presa. Uno a uno, los hombres de Chuache son abatidos por el misterioso y oculto enemigo, que irá revelando su identidad progresivamente. El negro, el vaquero, el gafas (ese es el primero), incluso Apollo cae. Y no sólo eso, sino que el asaltante utiliza una brutalidad increíble para dar muerte a sus objetivos (tremenda la mutilación del cadáver del indio… le está bien empleado).
Al final, como es previsible, sólo queda Chuache y una chica que se habían encontrado por el camino y que, la verdad, pinta más bien poco. Y solo entonces el asesino se presenta tal y como es, quitándose incluso la máscara que oculta su rostro (y bueno, sólo hay que ver la foto para ver lo que ocultaba. Terrible, ¿verdad?)

Chuache vence, aunque no diré como, llevándose por el camino la mitad de la selva en una gran explosión que acaba con el extraterrestre (puesto que de eso se trata, como se deduce). El film tuvo una secuela bastante menos aceptable tres años más tarde, en la que el extraterrestre trasladaba su base de operaciones hasta Los Angeles, con un Danny Glover desconcertado (y quién no) que no acaba de comprender en ningún momento a qué se enfrenta. Más oscura y brutal si cabe que la primera parte, Depredador 2 tuvo el acierto de incluir un guiño a la saga Alien, que con el tiempo ha dado lugar aun curioso cross-over entre los dos extraterrestres asesinos de las últimas décadas, y que tuvo su primera versión en las páginas de un cómic.
En cualquier caso, y si bien en mi opinión Alien V.S. Predator es un experimento que no acaba de convencer, la aproximación por primera vez o no a este film resulta casi obligatoria. Aunque, eso sí, no se podrá repetir el desconcierto de aquel tierno infante que, creyendo que vería una película de acción a lo Rambo, se encontró con un alienígena asesino sin escrúpulos. Y sólo él era el depredador.

Este post podría contener interesantes y jugosos spoilers acerca de acontecimientos sucedidos a partir del número 16 de Los Nuevos Vengadores, cómic que aun no ha sido publicado en España, de modo que si no quieres conocerlos de antemano, mi mas sincera recomendación es que no sigas leyendo.

Avisado quedas.

Bien, pues el caso es que echando un vistazo a la siempre bien informada web Silver Bullet Comics, me encuentro con que uno de los anuncios que ha hecho Marvel en la expo del cómic que se está celebrando actualmente en Toronto es el de la aparición a lo largo del próximo año de una nueva serie del supergrupo canadiense por excelencia, Alpha Flight, a cargo del equipo creativo de Thor: Blood Oath, formado por Mike Avon Oeming y Scott Kollins.
Sin embargo, todo aquel que haya leído el número de Los Nuevos Vengadores mencionado anteriormente, sabe que en apariencia, los miembros de Alpha Flight caían fulminados justo al principio del cómic en uno de esos magistrales y escalofriantes planos que con frecuencia suele regalarnos el dibujante Steve McNiven. De modo que... ¿como puede Marvel rescatar a los Alpha Flight cuando todos ellos han muerto?.
Muy sencillo, creando un nuevo grupo radicalmente distinto: Omega Flight.

Ya en esa primera imagen, muy al estilo de la portada de Los Nuevos Vengadores #1 (salvando las distancias entre Kollins y David Finch, de entre los cuales personalmente me quedo con el primero) podemos intuir los que serán los miembros que conformen la alineación titular de este nuevo grupo, cuya formación, y como casi todo lo que veamos en los primeros meses de 2007 será como es obvio consecuencia de la Guerra Civil que asola el Universo Marvel en la actualidad.

Como ya he comentado en algún que otro post anterior, últimamente me llaman bastante la atención series poco comunes como Marvel Zombies, Beyond!, Claws o la nueva Heroes for Hire. Series que Marvel publica en paralelo a otros eventos en teoría mas importantes y publicitados como House of M o la propia Civil War y entre las que incluiría, por su mas que previsible frescura, a esta Omega Flight. No se vosotros, pero yo estoy deseando echarle el guante.

A propósito, en este enlace tenéis mas detalles acerca de esta y otras series aportados por C.B. Cebulski (haciendo las veces de Quesada), Bendis y compañía en la convención de Toronto.

Continuamos ofreciéndoos versiones actualizadas de Templos Frikis ya mostrados y esta vez le toca el turno al templo de nuestro compañero Dani López, que ha decidido enseñarnos como su pequeño santuario se va llenando de mas y mas tebeos a cada día que pasa. Además, en esta ocasión ponemos a vuestra disposición unas imágenes a mayor resolución que en la vez anterior para que podáis apreciar los títulos que albergan las estanterías con mayor detalle:

Recordad también que podéis encontrar todos los Templos Frikis listados por orden pulsando aquí. Y por supuesto, que esperamos las fotos de vuestros templos en la dirección de email habitual: templosfrikis@gmail.com
¿A que esperáis para mostrar al mundo vuestras posesiones frikis mas preciadas?

Ok... la historia se repite un año más... jo, y este año encima me caen 26, buf...
En fin, siempre me quedará el consuelo de que, de alguna forma, el gran (por entonces) Claremont eligió el mismo día para una de sus mejores historias, tal y como recordó unos meses después...

Y, más aún, contar con la propia bendición del artista...