Hola a todos. Este post no tiene otro objetivo que el de despedirme de vosotros después de más de un año contando mil tonterías. Todo se debe a razones personales en las que no voy a entrar ahora y por mi deseo de apartarme un poco de esto de los blogs y foros en Internet. Supongo que a muchos de vosotros todo esto os dará completamente igual, pero también que habrá otros que leyeron y se entretenieron con mis textos, algunos incluso participando en los debates que proponía y apoyándome o replicándome. Sea como sea, mil gracias a todos. Gracias también a Carlos Romero (por ofrecerme escribir en Volatilis hace más de un año y ayudarme en más de una ocasión) y al resto de compañeros: Igor, los dos Javier, Borja, Dani y Sergio (espero no dejarme a nadie, jeje). ¡Nos leemos!

Última entrega. Espero que esta sección os haya resultado útil para seguir de cerca la actualidad friki durante los largos y calurosos días de Julio y Agosto. Que me decís... ¿vale la pena repetir la jugada el verano que viene?. En cualquier caso, y aunque en los próximos días trataré de llevar a cabo una última recopilación con los enlaces mas interesantes, recordad que podéis encontrarlos todos pulsando aquí.

Me encanta el diseño que se ha realizado para el Megatron de la película de los Transformers. Tenía que decirlo.

Y sí, soy consciente de que hay un gran número de fans de los Transformers que han puesto el grito en el cielo porque éste no se parece en absoluto al Megatron original. Y la verdad es que aunque comprendo que haya alguno por ahí mosqueadillo por el hecho de que Bumblebee vaya a ser un Chevrolet Camaro en lugar de un Wolkswagen Beetle, por poner un ejemplo, opino que este diseño se debe a que cualquier cosa parecida en exceso al original hubiera dado lugar en la gran pantalla a algo desagradablemente parecido a uno de esos Megazords que gastaban los nada entrañables Power Rangers. Idem para el resto de Transformers, me temo, y por la misma razón que el aspecto de cualquier Batman cinematográfico debe ser siempre tan necesariamente diferente al de los comics. Cuestión de seriedad, supongo.

El caso es que si por mi fuera, de hecho, todos los Decepticons estarían cortados por el mismo patrón que este Megatron. Michael Bay ha dicho, además, que éste será el mas grande de todos los Transformers que veamos en la película.

Estoy deseando verlo en movimiento.

Eslogan de Planet Express.
Visto en Futurama, Episodio 1ACV02: "La serie ha aterrizado"

Sí, ya se que dije que iba a dedicar un post a hablar sobre la primera remesa de figuras de Lost/Perdidos presentada en la pasada Comic-Con de San Diego, pero lo cierto y verdad es que el trabajo de McFarlane Toys es en esta ocasión tan, tan bueno y tan espectacular que cualquier cosa que yo pueda decir sobre los muñecajos en cuestión serviría mas bien de poco. Además, escribir esto está siendo realmente complicado, ya que cada vez que veo el diorama que representa la escena de la apertura de la escotilla no puedo evitar dejar el teclado perdido de babas, así que creo que lo justo será que las imágenes hablen por si mismas.

Que McFarlane fabrica las que de lejos son las figuras mas realistas, detalladas y con una mejor relación calidad/precio de toda la industria juguetera norteamericana no es ningún secreto, pero en esta ocasión no me cabe duda de que la empresa que dirige el creador de Spawn se ha superado con creces. De tal modo, y en lo que respecta al diseño y creación de figuras de acción, de ahora en adelante no me queda otra que gritar a los cuatro vientos... In Todd we trust!

Desde el estreno de Superman Returns el 12 de julio, muchos recuerdos me vinieron a la mente de cuando apenas era un niño, y de cómo disfrute de la autentica y original versión cinematográfica de Superman The Movie, cuando se emitió en su día por Televisión Española, a mediados de los 80 (un 19 ¿? según podréis leer más abajo en las imágenes). Su salida en antena fue todo un acontecimiento en España, y el despliegue informativo en revistas y periódicos fue de un gran impacto social. Con anterioridad yo ya había visto en el cine Superman III, una película de la que todo el mundo habla muy mal, pero qué a mí me parece de lo más entretenida, con algunas escenas realmente memorables. Pero centrándonos en el tema, Superman I representa algo más que una película, fue el descubrimiento de uno de los grandes iconos del Siglo XX, aunque por esa época los cómics no eran nada del otro mundo, hasta la llegada de John Byrne al Hombre de Acero en 1986, otro verdadero acontecimiento para los fans de héroe. Otra anécdota, es que en su día las madres andaban preocupadas porque los niños vieran volar a Superman, pues temían que los niños se tiraran por las terrazas o las ventanas como si tal cosa, más de una madre puso una alambrada alta de plástico para impedir una tragedia. Sinceramente la atracción de los niños por Superman es inimaginable, cuando se proyectó con motivo del estreno de Superman Returns, la versión extendida de Superman I el 15 de julio, por Antena 3 (con ese horrible nuevo doblaje), estuve viéndola una vez más, pero ésta vez con mi hija de tres años, ella no pudo sentir mayor admiración por el personaje, pues aún hoy, sigue recordándome la nena, ¿qué cuando salva a la chica Superman? Parece que la historia continua y se repite afortunadamente. ¡Larga vida a Superman!

Creo que fue Peter David quien, a propósito de El Protegido, dijo que era imposible encasillar los films de M. Night Shyamalan en un género concreto: “Sus películas son un género en sí mismo, con unos rasgos propios que se repiten”. Estos rasgos, después de una producción cinematográfica todavía breve pero que permite ser considerada en su conjunto, será el único referente a la hora de algo tan necesario y desagradable como clasificar. Dentro del afán veraniego por “re-visionar” películas que en algún momento me gustaron, y a pocos días del estreno en nuestro país de La Joven del Agua, la última película del director de origen indio, he aprovechado para revisar el film inmediatamente anterior, El Bosque, posiblemente la más vapuleada y criticada de sus obras.

Justo después de la inquietante Señales, Shyamalan sorprendía a seguidores y críticos (me temo que no admite el término medio) con un film de aire decimonónico centrado en una apartada y cerrada aldea gobernada por un consejo local que ejerce una influencia absoluta sobre sus habitantes, apartándolos del mundo exterior por el miedo a “aquellos de los que nunca hablamos”, extraños seres ocultos tras el color rojo. En ese asfixiante contexto, un joven emprendedor que ansía ir más allá de los límites de su comunidad (Joaquin Phoenix), una joven ciega que oculta un inmenso valor y decisión (Bryce Dallas Howard) y un deficiente mental (Adrien Brody) constituyen el núcleo de la historia, un conflicto de intereses entre la iniciativa de la juventud y el inmovilismo de los ancianos del lugar, encarnados por los veteranos William Hurt y Sigourney Weaver. Por supuesto, el misterio acerca del bosque y la aldea irá desvelándose poco a poco, revelando no pocas sorpresas.
El film, que no acabó de funcionar del todo en taquilla, fue duramente criticado como un paso atrás en la producción de Shyamalan. Tal vez el principal problema de la película fue venderla como una historia de terror, siendo (digámoslo todos a la vez con Peter David) cine de Shyamalan. Encasillarla como “historia de miedo” es tan absurdo como decir que Señales es una historia de ciencia-ficción sólo porque la trama gira en torno a una invasión extraterrestre, o considerar a El Protegido como una película de superhéroes. Tampoco ayudó demasiado la traducción del mismo título, ya que El Bosque sugiere una historia de lugares ocultos en un ambiente adverso; en cambio, el título original, The village, se refiere más bien al ambiente cerrada de una comunidad. En cualquier caso, fueron muchos los espectadores que acudieron al cine a ver una película de terror y se sintieron estafados. En mi opinión, sin embargo, se trata de uno de los mejores films de Shyamalan, por una sola razón: es la película en la que más claramente y con mayor habilidad aparecen esos rasgos propios que definen el estilo de su director, y que hacen que su cine sea, en la producción hollywoodiense actual, algo único. Veamos ahora cuáles son esas características:

1. La historia.
Shyamalan es un director de constantes, y como tal, sus películas repiten un esquema basado en la combinación de dos tipos de historia: por un lado, un relato personal marcado por la tragedia, la soledad o la falta de esperanza, y que se centra en los personajes principales y su entrono. Por otra parte, una historia de misterio con un cierto aire sobrenatural, que afecta también a unos personajes condenados a resolver el enigma, enfrentarse a sus miedos y, con ello, hallar su lugar en el mundo y abrir una puerta a un nuevo futuro. Tal vez su mayor habilidad sea, precisamente, vestir esas historias personales con unas formas de misterio y casi de terror (centrémonos en ese “casi”) que la aproximan a un público más amplio.
En El Bosque, el inmovilismo queda marcado en esa comunidad decimonónica en la que el tiempo jamás transcurre, hasta que la tragedia lleva a uno de sus miembros a enfrentarse a los miedos que le han inducido y resolver el enigma que envuelve al misterioso bosque. Sólo al final comprenderemos el por qué de esa sensación de cerrado y la necesidad de apartarse del mundo. Recordad: la seguridad no es tal si no permite la libertad.

2. Los personajes.
Para ser un director que se encuentra constantemente jugando con lo sobrenatural, resulta del todo sorprendente el trabajo con actores que realiza Shyamalan en cada una de sus películas: espíritus del más allá, monstruos, extraterrestres o superhombres ofrecen siempre ese elemento de misterio que se ha convertido en uno de sus sellos personales, pero en el fondo la trama central es siempre la relación entre los protagonistas, a menudo un conflicto interno que se irá resolviendo a medida que la historia “sobrenatural” alcance su resolución. Asimismo, el director logra sacar lo mejor de actores como Bruce Willis, más acostumbrado a pegar tiros y poner cara de palo que a actuar.
En el caso de El Bosque, Shyamalan recupera a Joaquin Phoenix en un papel hecho a su medida (de hecho, lo escribió pensando en él), y descubre a la maravillosa Bryce Dallas Howard en el rol de una intrépida ciega que se convertirá, a su pesar, en el elemento central del film. El director, sin embargo, no logrará lo mismo con Adrien Brody, que no parece encontrar su lugar tras El Pianista, y que interpreta a un deficiente mental no del todo inconsciente; junto a este “triángulo” (nunca mejor dicho), veteranos como William Hurt o Sigourney Weaver aportan el valor de la experiencia.

3. La dirección.
Si el guión sirve de fondo a cualquier film, la forma se ha de identificar necesariamente con la dirección, es decir, la manera en que esa historia se ve plasmada en imágenes a través de algo tan simple como el objetivo de una cámara. De la audacia o el talento del director, último responsable de esta faceta, dependerá que el resultado final sea un estreno cinematográfico o un burdo telefilm. En el caso de Shyamalan, guionista y director coinciden, pero la manera de narrar es tan única como la idea que da origen al film. Basta recordar escenas como la conversación ininterrumpida en una sola toma de Bruce Willis en El Protegido, o la escena totalmente a oscuras en el sótano de Señales. Frente a la audacia, el director indio gusta igualmente de un esteticismo que convierte escenas sencillas en verdaderas muestras de dominio en el uso de la cámara: ¿alguien recuerda la escena de la lona sobre la piscina en El Protegido? Nunca hundirse en el agua pudo parecer más bello.
El Bosque presenta, igualmente, escenas de contrastada belleza y audacia narrativa: pensemos en ese diálogo final con un desconocido que lee el periódico (y que no es otro que el mismo Shyamalan), o esa increíble escena en la que Bryce Dallas Howard es perseguida por una criatura en medio del bosque; jamás la ceguera, el miedo ante aquello que se siente pero no se ve, se ha podido expresar de una forma más angustiosa y trepidante que en ese escaso minuto de película. Sin oscurecer la imagen, tan sólo a través de planos cortos y rápidos, el espectador queda tan ciego como la protagonista, y sufre con ello la auténtica carencia de no ver.

4. La emoción.
Hemos dejado claro antes, citando al gran Peter David, que Shyamalan no permite un claro encasillamiento en ninguno de los géneros típicos del cine. Sí es cierto, en cambio, que un elemento común de su filmografía será la intranquilidad, ese sentimiento incómodo de saber que algo está apunto de suceder, y es por ello que el director no ahorra sustos y sorpresas a un espectador que más de una vez salta de su asiento. No hay sangre ni asesinos psicópatas tras la puerta, pero Shyamalan cuida muy bien esos momentos de sorpresa, que suelen espantar al inocente espectador: es el caso de la primera aparición del extraterrestre en Señales, casi oculto entre dos setos (tengo esta imagen grabada de la película, y lo cierto es que llegó casi a obsesionarme…)
Sin tratarse, como ha quedado claro, de una película de terror, en El Bosque tampoco faltarán sustos: la primera aparición de “aquellos de los que nunca hablamos” deja al espectador intranquilo, sin poder ver a la misteriosa criatura (que aparece de repente, sin avisar) más que de refilón; al igual que la citada escena de Bryce Dallas Howard perseguida por el interior del bosque. Lo misterioso, lo terrorífico, cobra una forma mucho más real si aparece en un mundo que podemos tomar por auténtico.

5. El giro.
Finalmente, el más evidente y personal de los rasgos del cine de Shyamalan sea la presencia, hacia el final del film, de algún tipo de giro argumental o sorpresa oculta que o bien descubre la auténtica historia, o varía por completo el planteamiento inicial; de cualquier forma, son películas con un enorme “spoiler” que, sin ser lo más importante del film, sí se convierten en lo más recordado una vez abandonada la sala del cine.
El caso de El Bosque tal vez sea uno de los más evidentes en la filmografía de Shyamalan: algo, alguien, alguna cosa hace variar las expectativas del espectador, que se encuentra sorprendido por una revelación que varía por completo cualquier expectativa tras casi dos horas de metraje. La explicación, sin embargo, no burla la inteligencia en ningún momento, y me atrevo decir que, junto a El sexto sentido, es la película en la que Shyamalan resuelve con mayor brillantez este apartado.

Y, de momento, eso es todo hasta la fecha en la obra de M. Night Shyamalan. Con La Joven del Agua, repite director y actriz, aparte de la presencia del siempre agradecido Paul Giamatti: de nuevo, seres misteriosos, sustos por doquier, personajes al límite… y un probable giro que cualquier espectador avispado podrá esperar (o tal vez no: tal vez de nuevo nos sorprenda…). En cualquier caso, al menos para mí, siempre nos quedará El Bosque.

¿Recordáis esta publicidad de Kill Bill?

Pues la idea ha sido reciclada para la promoción de otra película...

Mas apropiado imposible.

Visto en Brief Blog

Cuando casi me han entrado ganas de ver "Serpientes en el avión" (con todo lo que ese título pueda implicar) me entero vía Uruloki de que lo próximo de Samuel L. Jackson se llama Black Snake Moan, la nueva película del director de Hustle & Flow, Craig Brewer cuyos primeros posters siguen la moda impuesta por Grind House, la doble maravilla (en teoría no tendría por que no serlo) que preparan Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, en cuanto a que rebosan estética de cómic pulp por los cuatro costados. Aquí tenéis las fotos que les han hecho en la web Cinematic Happenings Under Development:

El argumento de la película es escabroso y típico a partes iguales y narra las desventuras de Lazarus (Samuel L. Jackson), un viejo músico de jazz temeroso de Dios cuya intención es redimir el alma de Rae (Christina Ricci), una adicta al sexo victima de todo tipo de abusos durante su infancia. El reparto se completa con nombres como Justin Timberlake o S. Epatha Merkeson.
Black Snake Moan está ya completamente rodada y aunque su estreno estaba previsto en principio para el próximo mes de Septiembre, los productores decidieron posponerlo hasta Febrero de 2007 con el fin de evitar el a todas luces contraproducente exceso de serpientes que provocaría la llegada de Snakes on a Plane a los cines en esas mismas fechas.

Jinx es la tercera obra de las cuatro que forman la serie del mismo nombre y que navegan en el género negro con un dibujo muy apropiado que sólo muestra éste color (y el blanco, claro). Sin duda Jinx es un cómic diferente y que, básicamente, culmina lo hecho anteriormente en Fire y Goldfish (aunque Torso está dentro de la línea, es una obra aparte, mucho menos personal) y nos muestra a Bendis desatado por completo. Ahora entraremos en ello con más detalle.
Jinx, publicada originalmente entre 1996 y 1998 (y la primera en pasar a publicarse en Image), recupera a David Gold, el personaje protagonista de Goldfish, quien trata de ir dejando de lado su vida como criminal. Mientras que su compinche, Columbia, se empeña en ponerle las cosas difíciles, conoce a una mujer que cambiará su vida por completo. Ella es Jinx, una atractiva cazarrecompensas que se encontrará con dilemas y con conflictos de los que sólo Gold puede sacarle (o: a los que sólo Gold puede meterle... y ella tratar de sacarle... o no).

En Jinx, David empieza una relación nueva con una mujer e intenta redimirse al mismo tiempo. Sin duda es lo primero lo que más importancia tiene en la novela gráfica, llegando incluso a tomar el protagonismo absoluto de la trama Jinx en varias ocasiones. En este sentido, como vemos, la importancia del papel de la mujer ha ido creciendo cómic a cómic de la serie llegando hasta éste, en el que se intenta estudiar la psicología femenina trabajando con el personaje, y dejando a David Gold de lado, aunque no por completo (no olvidemos que en una relación hay dos personas). La verdad es que, probablemente, Jinx tenga la historia mejor elaborada de las obras comentadas, e incluso la más atrayente. Aunque hay varios peros.
El problema principal, aunque no nos hace olvidar las virtudes, es que todo se diluye en una explosión de un Bendis desatado que nos regala un desalentador tomo (que ocupa como Fire y Goldfish juntas, quizás algo más) en el que se descontrola en sus tics más habituales dejando diálogos bien escritos pero que, por momentos, se autoparodian y repiten en interminables parrafadas, experimentos gráficos de todo tipo que lastran el ritmo y un tempo de lo más contenido. En fin, que una buena historia y unos personajes interesantes se diluyen, a mi modo de ver, en la inmensidad de un tomo que se hace largo pese a sus momentos brillantes. Es cierto que la trama está llena de momentos geniales y que el personaje de Jinx es memorable, pero es complicado (si no se es un admirador del trabajo de Bendis) hacer que la balanza compense defectos y virtudes. En cualquier caso, el tomo, que en España cuesta 15 euros, es una compra que, por lo menos, nos va a asegurar un buen rato de lectura y, si se dosifica con cuidado e inteligencia, una lectura por capítulos interesante, divertida y absorbente en algunos momentos.
En definitiva: quizás la mejor idea de Bendis pero es él mismo quien se encarga de lastrarla con sus excesos. Una pena que, sea como sea, nos guste o no, es la cumbre (y no en el buen sentido) del "estilo Bendis".

Y vamos con más novedades variaditas en el tiempo y el espacio, reseñadas brevemente y sin spoilers (veamos si consigo empezar Septiembre sin atrasos...):

Patrulla X #6: Sinceramente a mí no me ha echo gracia el número de retro-tonterías (con Mojo y los Bebés-X) y el otro... En fin, un número al estilo de toda la colección, bastante aburrido, aunque no tanto como otros anteriores y con un dibujo agradable pero no de Alan Davis.
Nota: 5/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48
Patrulla X #7: Sin embargo este número sí me ha gustado a pesar de ser de Claremont y de crossover con Dinastía de M. Un número que tiene cosas interesantes y nos lleva al mundo del Capitán Britania y demás personajes con un dibujo soberbio de Alan Davis que demuestra que conoce a los personajes.
Nota: 7/10 - Precio: 1,7 Euros - Páginas: 24
Lobezno #7: Termina Millar su etapa con un número bien escrito pero algo soso con un flashback de Logan en un campo de concentración Nazi (que parece que levantó polémica pero a mí no me levanta ni del sofá) y el primer número de Yoshida que es un buen guionista pero que acostumbra a ser demasiado correcto y previsible.
Nota: 6/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

Spiderman #52: Sinteticemos. El número de JMS es bastante mejor que los anteriores de la colección en que Spidey estaba en los Vengadores. El número de Hudlin es una parodia exagerada de Superman y no ofrece demasiado a parte de eso. El peor de lejos como siempre. El número de Breakout me sigue pareciendo de lo más agradable y bien escrito, además de tener el mejor dibujo del tomo.

Jóvenes Titanes #9: Conceptos interesantes y mucho humor en una serie que avanza lenta pero segura con un buen guión y un dibujo a la altura o mejor de McKone (que creo que hizo en esta colección su mejor trabajo). No será como los primeros números pero prácticamente es lo mismo (recuerdo las alarmas que señalaban un bajón a partir del número 7).

Outsiders #10: Termina el presente arco, un arco de lo más entretenido aunque lleno de acción intrascendente. Además ahonda un poco más en un personaje ajeno al grupo y da buenas dosis de mala leche. Buen dibujo de Raney que lo hace mejor que en el número de la Patrulla-X que comento arriba.

Wonder Woman #7: Un número en el que apenas pasa nada y muestra las consecuencias de lo ocurrido en el número anterior y abre un nuevo frente al final. El dibujo es pasable pero sigue sin estar a la altura del personaje.

Wonder Woman #8: Un número dedicado a uno "los malos" de la colección desde el inicio y que es entretenido pero, pese a estar dedicado a un sólo personaje, tampoco ahonda tanto en él como sería deseable, aunque sí sabemos algo de sus motivaciones y, sinceramente, me parecen algo vagas.

Flash #8: Con el tono superheroico restaurado la serie es entretenida y llena de buenos momentos pero también de buenos diálogos y reflexión. Además, introduce algunos puntos nuevos y deja un final que aventura "número de explicaciones". El dibujo de Porter es adecuado aunque tiene cosas raras.

Batman #2: A parte de estar consistentemente bien escritas (unas más que otras, sí) el dibujo de las colecciones de Bats están bien dibujadas y ambientadas por lo que no dan problemas de lectura ni dolores de cabeza. Quizás un poco a quienes no se hayan leído Batman: Silencio, para entender mejor la colección de Lieberman (aunque, a veces, actúa como si no hubiera existido y tampoco duele). A las colecciones normales se le añade un número final con material clásico que es, eso, clásico. No molesta pero creo que sobra subir el precio por él.

Superman #3: Otra vez cambiada la estructura. Este mes nos libramos de Austen pero Azzarello sigue demostrando que no sabe escribir al personaje, ni de lejos (y no sé si sabrá hacer algo con superhéroes tradicionales). Rucka, sin embargo, hace un buen trabajo, mejor que en Wonder Woman y deja buen sabor de boca. El número especial de Johns es correcto y ya.

Pues sí, para que engañarnos... Un largo de animación al estilo de la intro del juego Ultimate Alliance bien podría ser todo lo que necesitamos los Marvel Zombies para morir tranquilos. Juzguen ustedes mismos:

Vía Bajo la Máscara

Me dicen por mail que no, que no es La caída de los dioses el cómic de Superman que se da con la suscripción al coleccionable de Planeta como yo mismo dije en este post pese a la imagen que se muestra en la página web. Así pues, con la suscripción se regalará el cómic Las cuatro estaciones y la película Superman: The movie más un cómic gratuito que incluye la edición metálica de éste.

A.K.A. Goldfish (A.K.A. abrevia Also Known As, es decir, también conocido como..., por si alguien no lo sabía) es la segunda novela gráfica de la serie Jinx y es una especie de precuela de la posterior, Jinx, en el sentido de que incluye como protagonista (o uno de los protagonistas principales) al mismo personaje, David Gold, también conocido como Goldfish. Si bien es cierto que, ambas obras, comparten algo más que el protagonista: a parte del tono que, como ya he comentado, es común en las cuatro novelas gráficas de la línea, comparten género, subgénero y que, una mujer, es un engranaje fundamental de la historia (más en la segunda que en la primera). A decir verdad, incluso en Fire, la anterior obra, una mujer es un eslabón importante de la obra, pero estas reflexiones deberían de ir en otro artículo distinto. Centrémonos en Goldfish.

El cómic nos cuenta la historia de David Gold, un timador, un ladrón, un jugador, que vuelve después de 10 años a su ciudad, una ciudad donde las cosas han cambiado mucho, en busca de su hijo común con Lauren, su antigua novia, quien ahora es una jefaza de los bajos fondos. En su búsqueda se encontrará con viejos amigos y otros nuevos, viéndose envuelto en persecuciones y tiroteos, pero también en enfrentamientos emocionales que pueden costarle la vida.

A.K.A. Goldfish se publicó entre los años 1994 y 1995 y sin duda muestra a un BMB que se despereza por completo y da rienda suelta a sus manías y virtudes, además de contar una historia más personal. Uno de los indicativos de las primeras es que la extensión del cómic es más del doble que la de Fire, en la que aún se contenía algo (la cumbre de la "extensión argumental" se da en Jinx donde nos encontramos con un tomo igual a la suma de las dos anteriores obras: un tocho imponente y desalentador). Digo que esto es un buen indicador porque, probablemente, la duración de Goldfish se podría haber acortado a la mitad y Bendis habría contado lo mismo. Y es que en este cómic ya aparecen en (casi) todo su esplendor los "diálogos reales" de BMB con las réplicas rápidas y las repeticiones, lo cual propicia que las conversaciones se alarguen más de lo necesario. Conviene que aclaremos esto. Con lo de se alarguen más de lo necesario no me refiero a que sean insustanciales, aburridas o mal escritas, sino que lo necesario (que no siempre es lo mejor) para que hubiera un diálogo sería menos. De todos modos, conociendo al Bendis actual, muchos puede sentirse tentados a dejar pasar esta obra (y el resto de la línea) y les aseguro que no es lo mismo ser que estar. En cualquier caso, como era de esperar, no sólo aparecen los diálogos largos sino también la experimentación gráfica y las páginas en las que predomina el texto, otros dos culpables de la duración. Entonces ¿es demasiado larga? ¿se hace aburrida? Para mí, ni de lejos, al contrario que Jinx, que resulta demasiado larga pese a tener una buena historia.

¿Y las virtudes? La verdad es que la trama es interesante y llena de emociones, la ambientación es soberbia, el dibujo es interesante (puede o no gustar por su estatismo y el excesivo uso de modelos, pero interesante es), los diálogos absorbentes y, sobre todo, tiene la virtud de crear dos cosas fundamentales para el éxito de una obra: situaciones geniales y personajes tridimensionales que inspiran todo tipo de sentimientos encontrados. Con todo lo dicho, tengo que decir que, para mí, esta es la mejor obra de su personal etapa en blanco y negro. Quizás Torso tenga algunas virtudes que no tiene, pero es mucho menos personal que cualquiera de las otras tres (aunque sólo sea porque comparte su guión con otro autor) y más fría, puede que debido a su condición de "documental". Sin duda, Goldfish, es un cómic recomendable que en nuestro país podéis encontrar en un tomo de 12 euros y que os proporcionará una lectura entretenida y diferente. Los únicos que tienen que abstenerse son los enemigos acérrimos de Bendis. Los que puedan leerle que le echen un vistazo: esto no son Los Nuevos Vengadores.

P.D.: Gracias por recordarme en algunos comentarios que tenía que seguir con esta serie de posts. El verano es una época difícil para ser regular, pero ya llevaba mucho retraso con ellos... ¿cómo os habéis acordado?

Hace ya algunas semanas que, aprovechando el calor del verano y la imposibilidad de salir a la calle, decidí dedicar mi tiempo a re-visionar algunas de mis películas preferidas, o al menos, aquellas que me habían marcado especialmente. El matiz, sumamente importante, se refiere a aquellos films que me han impactado por encima de su calidad, su valor cinematográfico o incluso el trabajo de sus actores. Es por ello que mi lista empezó con uno de los films más injustamente olvidados de la década de los 90, pero que no puedo evitar ver una vez y otra, descubriendo siempre algo nuevo: estoy hablando de Un día de furia.

Posiblemente, Michael Douglas sea, dentro de la esfera de la industria cinematográfica hollywoodiense, uno de los personajes más difíciles de clasificar. Hijo de una de las grandes leyendas del cine americano, el mítico Kirk Douglas, su carrera empieza como productor, pasando inexplicablemente a trabajar como actor, con una breve estancia televisiva en la serie ochentena “Las calles de San Francisco”. Su trayectoria en el cine no puede ser más iregular, con muestras de consumado intérprete junto a auténticos bodrios, en los que permite ver un carácter que se repite: el del hombre aparentemente recto que acaba dominado por una situación externa, provocada bien por su hermano (The Game), su hija (Traffic) o con frecuencia una mujer de fuerte dominio sexual (Instinto Básico, Atracción Fatal o Acoso). En medio de esta carrera llena de altibajos encontramos una vuelta de tuerca (y de dirección) a esa tendencia de Michael Douglas por los personajes manipulados: esta vez no será él el verdugo, pero tampoco la víctima, o al menos no más que cualquiera que trate de arreglar la misma sociedad en la que vivimos. Falling Down (traducida en España como “Un día de furia”) es la historia de un hombre supuestamente corriente en un mundo corriente, que se rebela contra la aceptación del desorden que impera en esa sociedad que todos aceptamos. El film nos advierte con un humor negro y una violencia en su justa dosis (el que espere una ensalada de tiros o sangre a borbotones se equivoca) que la solución a nuestros errores es a menudo peor que el error mismo, y por encima de todo, que cada uno de nosotros puede albergar en su interior a un auténtico monstruo.
El film empieza con Michael Douglas en un atasco, a casi cuarenta grados de temperatura y sin posibilidad de avanzar. La situación se va haciendo tensa, hasta que el conductor estalla: abandona su coche y decide regresar andando a casa. Este “regreso a casa” será su obsesión a lo largo de toda la película. El único nombre es el que aparece en la matrícula de su coche: “D-Fens”: es decir, “defensa”, bien de su integridad, o de su persona.
El primer encontronazo de D-Fens con el abuso será en un establecimiento regentado por un asiático, que no sólo se niega a darle cambio para una llamada, sino que pretende cobrarle más de la cuenta por un simple refresco. Una reacción airada, un bate de béisbol y una tienda destrozada será el testimonio del paso de D-Fens por allí, y la primera de las pistas de un periplo que apenas acaba de iniciarse. La segunda, el intento de atraco en un descampado de unos desafortunados ladrones, que probarán el mal genio y la contundencia del bate de D-Fens. Y a partir de aquí, la caída (Falling Down, recordemos) será inevitable.
Así, golpe a golpe (y nunca mejor dicho), D-Fens va dejando a su paso todo un rastro de destrucción que tan sólo un policía en su último día de servicio (Robert Duvall) es capaz de ir siguiendo, uniendo las piezas hasta dar con la identidad del misterioso individuo. Por el camino, el bate de béisbol da paso a una navaja, la navaja a una pistola, y ésta a una bolsa llena de armas que acaba por convertir a D-Fens en un auténtico arsenal. También, a medida que se aproxime a su destino, descubriremos cuál es su objetivo: nada menos que regresar a casa de su exesposa y ver a su hija, en un regreso que nadie más que él mismo desea.
Hasta aquí, podría interpretarse que la película tiene un tono claramente fascista y de ultraderecha. Algo de eso puede haber, si bien el personaje principal no ofrece más antipatías o comprensión que la que cada espectador decida ofrecerle (ya que el retrato del director resulta estrictamente objetivo, a veces incluso crudo), pero todo ello queda borrado en cuanto D-Fens se encuentre, precisamente, con un simpatizante nazi que odia a los homosexuales, negros, chicanos y demás calaña, y que después de haber seguido las hazañas de D-Fens por la emisora de la policía, cree haber encontrado a su igual. Por supuesto, D-Fens no tarda en revelarle a su supuesto “amigo” que en realidad nada les une, convirtiéndolo en una víctima más de su periplo urbano hasta casa.
El film concluye, lógicamente, con el final de ese viaje de retorno que Douglas inicia en el momento de bajarse del coche, revelándonos finalmente quién era él antes de esa decisión, cuál era su vida y, por encima de todo, qué le lleva a querer volver a casa. A través de los ojos del veterano policía, las piezas de la personalidad de D-Fens encajan en un retrato de imagen nítida: la película es la construcción de una personalidad a través de un viaje de retorno en el que la misma sociedad es puesta a prueba frente al individuo. El desenlace, con un gran clímax en el que ambos protagonistas (perseguido y perseguidor) se encuentran finalmente, supone la aceptación de esa superioridad de la sociedad frente al hombre. Sólo la aceptación del idealismo como aquello que –por real- se aleja de la misma realidad abre algo de esperanza. Y, como siempre, ese camino de la violencia estará plagado de buenas intenciones.
Dirige Joel Schumacher (sí, el mismo que se cargó la franquicia de Batman), si bien el film descansa en la interpretación de un Douglas con un aspecto muy distinto al del galán de sexualidad reprobable que todos conocemos; y un Robert Duvall que sigue con uno de esos papeles de veterano que parecen haberle encasillado con la edad. A su alrededor, la comparsa de secundarios no es más que un mero acompañamiento para estos dos actores. El film, por otra parte, combina a la perfección la violencia (que en ningún momento resultará desagradable) con un toque de humor que, sin ser del todo negro, no hace más que provocar la hilaridad del espectador: es el caso de la escena en el burguer, con la protesta de D-Fens por la hamburguesa que le acaban de servir, y que no se parece en nada a la de la foto del menú: “Mira esa foto. Es jugosa y apetecible. Mira esta mierda: está aplastada”; o la respuesta al falso mendigo: “Tío, ayúdame. Soy un veterano de Vietnam” “¿Vietnam? ¿Y qué tenías, siete años?”
Posiblemente, Un día de furia no pasará a la historia como una de las mejores películas de su época, ni siquiera como una brillante colaboración de Schumacher, Duvall o el mismo Douglas, pero después de volver a verla, sigo encontrándole algo que la hace irrepetible: todos somos un poco D-Fens, todos padecemos abusos en nuestra sociedad, y algunos –sólo algunos- lo sacaremos fuera algún día. Y no todos lo podremos controlar.

Por si no había suficientes personas que se quejaran de la tontería de las "Ediciones especiales" llegamos a un punto curioso: este mes tenemos sólo una portada, ¿qué hacemos?... ¿no sacamos edición especial o la sacamos con la misma portada pero diferente maquetación?. Si ya desde el el principio todo esto me olía mal e incluso me daba la sensación de ser una estupidez de la que no iban a sacar mucha tajada, con este ejemplo nos adentramos ya en terreno vedado.
Hombre, especial es, porque no te viene con las rallitas del Dinastía de M (y ves la portada entera). Ya puestos podemos aprovechar para hacer debate: ¿qué tipo de portada os gusta más? Gracias Panini.

Nostalgia. Esa es la palabra que mejor define el porqué alguien es capaz de gastar su tiempo y su dinero en producir unos tebeos basados en personajes que gozaron de éxito hace dos décadas. Es el caso de las Tortugas Ninja, los Transformers... o los G.I.Joe, que son quienes nos preocupan ahora.

De la mano de Recerca Editorial llega a España los nuevos cómics de todo un icono de los años ochenta que hoy en día sigue siendo recordado con cariño y aprecio. Quienes ahora tenemos veintitantos hemos jugado en nuestra infancia con sus muñecos, hemos pasado horas viendo sus dibujos animados e incluso leyendo sus tebeos. G.I.Joe, el equipo de fuerzas especiales que combatía al malvado Cobra, vuelve ahora en una nueva colección regular que se caracteriza por un buen montón de cosas: la continuidad no está atada a la de los viejos cómics, sino que comienza de cero, se puede disfrutar sin haber leído antes G.I.Joe; cuenta con autores de cierto calibre como Paul Jenkins, Javier Saltares, Ron Lim, John Ney Rieber, que hacen de ésta una buena lectura; y en cuanto a la edición española es especialmente buena (formato comic book con más de cincuenta páginas, dos episodios completos, papel satinado, buen diseño interior, artículos informativos, etc.) y a un precio insólito: 3.5 €.

Recerca ha apostado fuerte por ella y por todo un conjunto de series en esta denominada "Línea económica" que verdaderamente gozan de un precio muy bueno. Es esto precisamente lo que ha hecho que me atreva a probar con unos cómics que, de otra forma, muy probablemente no habría comprado. El primer capítulo recoge el especial Cobra Reborn y el segundo el G.I.Joe Reborn. Ambos vienen a mostrarnos el debú del villano y de la formación del equipo para hacerle frente. Es a partir del tercero que ya comienza a publicarse la serie regular propiamente dicha. A diferencia de otros cómics contemporáneos en que la acción brilla por su ausencia y las tramas argumentales son exageradamente alargadas estos G.I.Joe resultan que se distancia totalmente de aquellos. El dibujante Javier Saltares peca en ocasiones de no saber narrar correctamente y la personalidad de los protagonistas es un tanto plana, pero esto no quita que sea una lectura la mar de entretenida para quienes les guste las historias militares y de corte similar. Y aparte queda la Biblioteca G.I.Joe, serie de tomos que recogen cómics modernos que sí continúan la antigua continuidad, pero de eso ya hablaré otro día (o tal vez no, jeje).

Si, ya se que vais a decirme que la película basada en el videojuego Dead or Alive que se estrena en Septiembre tiene una pinta casposilla visible a kilómetros de distancia (y ahí están Eric Roberts y Natassia Malthe, la María Tifoidea de "Elektra" como Ayane luciendo pelucón rosa para confirmarlo) pero no se... después de ver los primeros posters... creo que estoy dispuesto a enfrentarme a ella con otra disposición. Incluso puede que me plantee ir a verla al cine.

Después de todo, su director, Corey Yuen ha hecho cosas interesantes como dirigir The Transporter o coreografiar las (nunca suficientes) escenas de lucha de la primera X-Men de Bryan Singer, así que en teoría no tendríamos por que desconfiar de él a la hora de adaptar al cine un videojuego de tortas protagonizado por tías buenorras con katanas. Además, Devon Aoki siempre es un importante factor a tener en cuenta.

Y... ¡que diablos, mirad lo que hace Holly Vallance con ese sostén!

Por cuestiones lingüísticas la publicación de todo tipo de cómics en España se ha seguido de cerca por parte de los lectores sudamericanos y viceversa. Las circunstancias económicas de algunos países, o simplemente las editoriales, han obligado a que más de uno recurra al otro lado del charco para leer aquello que quiere y en el idioma que entiende. Tanto es así que es fácil (o casi) encontrar en nuestras librerías tebeos de compañías que no nos son tan lejanas (pese a la distancia) como Novaro o Vid o Sticker Design o... Y allá, en Argentina o en Chile, encontrar cómics de Planeta DeAgostini, de Ediciones Zinco, de Norma Editorial o Panini. Es recordado, y para mal, los tiempos en que la mexicana Vid importaba a nuestro país sus publicaciones, y de igual forma en aquellas tierras reciben y critican el material que les llega publicado para España. Lo que a unos parece encantarles a los otros les horroriza, y así llevamos ya unas cuantas décadas.

La explotación del mercado sudamericano por parte de las grandes editoriales españolas es un objetivo que en más de una ocasión se han marcado y que, por diversas razones, no ha terminado de cuajar nunca. En su momento Zinco exportó sus cómics de DC con el objetivo de maximizar sus ventas (hasta que Vid lo denunció, que para algo tenían ellos la licencia, claro). También Planeta lo intentó con Marvel en Argentina, pero es de suponer que no les debió de marchar bien si lo dejaron. El gran problema para el lector (que a fin de cuentas es quien paga por el cómic) en este tipo de cosas es que normalmente la edición no suele acercarse a lo que él querría. La historia del cómic en cada país conlleva costumbres o tradiciones a la hora de traducir según qué nombres, por no decir que el público objetivo puede situarse en un marco de edad distinto. Muestra de ello es que mientras que los lectores españoles somos, mayoritariamente, adultos y con muchos años de experiencia, en otros países la situación es radicalmente distinta. Es imposible olvidar aquellos Bat-trivia que publicaba Vid o los “inocentes” comentarios que enviaban sus lectores a la sección de correo. Aquellos cómics parecían hechos para niños. Es más, lo eran. A un lector español todo aquello le rechinaba. Al lector español que busca un producto bien acabado con artículos sesudos, etc. le parecía espantoso lo de los mexicanos. Tal vez por esto siempre que una editorial ha intentado aumentar su mercado trabajando también para otros países ha resultado todo un fracaso, pues no se han adaptado realmente al país en cuestión, sino que simplemente han exportado sus productos... y eso incluye, por seguir con el ejemplo, los Bat-trivia o los “inocentes” comentarios. En ese sentido Panini ha entrado en España como toca. Ahora podremos criticar ciertas decisiones que tomen, pero es indudable que sus ediciones nos son cercanas y no son simplemente la sobra de otros. Están hechas por y para nosotros.

También hay que decir que la mentalidad de algunos lectores sudamericanos es inquietante. Sin ánimo alguno de dejarlos por “borregos” llama la atención la simpleza con la que se comportan estos pocos por foros de Internet, casi como niños que no saben razonar lo que dicen y que son incapaces de mantener una conversación inteligente. Ejemplos se pueden poner muchos, pero mejor el más reciente que he encontrado:

“En Argentina antiguamente existia Comics Conosur, los cuales editaban comics que eran de una calidad exelente en un lapso de tiempo coherente con unos costos muy bien logrados. Pero ahora ustedes lo que estan haciendo es ahogar el mercado con comics con muchos comics, con historias ya comenzadas, a precios increibles. De modos que es imposible seguirlo y ademas dan pocas ganas seguir tantas. Ademas de que no se molestan en cambiar la terminologia española, cuando Conosur nos habia acostumbrado a una exelente traduccion a el castellano.”

Las respuestas de los tertulianos españoles no han tardado en aparecer:

“Excelentes las traducciones argentinas. Recientemente me hice con algunos de los comics que están importando algunas librerías de cierta editorial (no sé si argentina o chilena) que publica DC. Me pareció que el uso del castellano era tan perfecto que ahora me compro los originales en inglés o la edición mas retrasada con terminologia española. Más que nada, con todos mis respetos, porque no puedo ver a Batman voseando, me da la risa.”

“Sí. Lo hacemos a posta. Nos reunimos todos los lectores y editores y tenderos y hasta la señora de la esquina y dijimos: 'Vamos a matar el cómic en Argentina'. 'Anda, qué buena idea'. Y fue unánime. Bueno, todos menos un señor que vive en Ceuta que tiene una novia por internet en Buenos Aires. Pero lo estamos haciendo a escondidas. No nos va a pillar ni Grissom.

Sé que hay, y muchos, sudamericanos inteligentes. Buenos conversadores. Personas sensatas. Genios. Pero, por favor, que aparezca alguno pronto.”

Insisto: no quiero generalizar. Yo mismo estoy en contacto con personas sudamericanas que se desmarcarían de esto, pero cuando llevas años y años leyendo foros y ves la de tonterías que más de uno dice... Vaya, es para planteárselo. Desde reducir una conversación a emoticones a mansalva sin sentido alguno a decir cosas que no tienen ni pies ni cabeza (como puede ser el caso de acusar a los españoles de lo que le pueda pasar al mercado argentino...).

Muy probablemente esto viene a reafirmar lo dicho anteriormente: que cada persona es distinta, y más aún si una es argentina y otra española. Que la lengua nos une, pero a la hora de los negocios cada mercado es distinto, y hay que adaptarse a cada uno para triunfar. Y más allá de esto a esperar que algún día las cosas cambien por aquellos lares, que es un poco triste lo que uno tiene que leer cada dos por tres.

Me ha costado ponerle título a este post, la verdad. Tenía pensadas cosas como "Superman, ese maldito estupido inconsciente" o "El superconfiado Superman y su blindada supercontraseña". Aunque, porque negarlo, creo que algo simple y efectivo como "Supergañán" también hubiera quedado de perlas.

Y es que vía Microsiervos me encuentro con una curiosa página de un cómic de Superman de los años 70 en la que se ve a un joven hacker informático (por suerte para el Hombre de Acero) a los mandos de su antediluviano TRS-80 Modelo III tratando de averiguar nada mas y nada menos que la contraseña de acceso a la Fortaleza de la Soledad por medio de lo que en criptoanálisis se conoce como "Ataque de fuerza bruta" y que básicamente consiste en obtener una clave probando todas las combinaciones posibles de caracteres hasta encontrar la que permite el acceso.

El chaval, por supuesto, lo logra (en gran parte gracias a una enciclopedia que contiene... ¡el alfabeto kriptoniano!) y acaba descubriendo que el password no es otro que "Kal-El".
Ahora entenderéis el por que de los títulos propuestos. De tal modo, y si no queréis correr los riesgos que entraña el absoluto desdén para con la seguridad informática, hacedme un favor... no utilicéis vuestro propio nombre como contraseña.

En octubre de 2005 apareció en Estados Unidos el primer número de Supergirl, la quinta serie que ha tenido a lo largo de su historia. Este personaje fue presentado por Jeph Loeb en las páginas de Superman/Batman y su origen es el mismo que tuviera la versión de la Edad de Plata: ella es Kara Zor-El, prima de Kal-El que consiguió salvarse también de una muerte segura en Krypton.

Desde que John Byrne recreara a Superman en 1986 los diferentes guionistas que han trabajado con el Hombre de Acero han procurado no caer en la tentación de presentar a nuevos supervivientes de aquel mundo. De esta forma sería verdaderamente el "último hijo de Krypton" con todo el drama existencial que esto conlleva. Loeb, empeñado en que los tebeos deben funcionar a base de golpes de efecto, deja de lado todo esto y se saca de la manga a una kryptoniana Supergirl. Peor aún: ni cortos ni perezosos la gente de DC decide que hay que concederle su propia colección. ¿El resultado? Lamentable.

Sí, el origen de esta Supergirl es el mismo que el del personaje clásico, pero carece totalmente de cualquier tipo de encanto. Por mucho que Loeb crea no todo consiste en traer los viejos conceptos que a él le gustaban siendo crío. También es necesario saber desarrollarlos y, sobre todo, que tengan una finalidad, que no existan por que sí. De hecho el guionista deja la colección de la muchacha a los pocos episodios (ya se ve que tenía grandes planes para ella...) a la vista de suculentas ofertas de la competencia. Sin idea de qué leches hacer con la chica opta por hacer la de siempre: que haya muchos personajes invitados (en este caso la JSA), muchas páginas de pelea, diálogos cortitos y espacio mas que suficiente para que el dibujante pueda lucirse. Y así hasta que deja la serie a los pocos números.

Atrás quedan los tiempos en que Peter David escribía al personaje. No a éste, Kara Zor-El, sino la Supergirl creada Byrne (un ser multiforme venido de otra dimensión, sin origen kryptoniano y con poderes varios) y que remodelaría a su gusto dándole una consistencia increíble. Pero claro, de David a Loeb va un mundo. Mientras que el primero es capaz de crear esos golpes de efecto pero dándoles cierto sentido y coherencia, el segundo no tiene ni de lejos su calidad e imaginación. Peter David podía escribir historias con fuerza, con épica, pero también otras más basadas en las relaciones humanas. Como buena parte de su The Incredible Hulk, Supergirl era una serie entretenida que en más de una ocasión rozaba unas cotas de calidad superiores a las del resto de tebeos. Desgraciadamente a DC esto no pareció importante mucho cuando cerraron la serie en su número ochenta. Y menos aún cuando la serie mejoró sus ventas con la saga "Many Happy Returns", aquella en que aparecía la original Supergirl, la de la Edad de Plata que daría su vida en Crisis en tierras infinitas. Sólo comparad aquella Kara escrita por David y la actual, la de Loeb. Vale, la actual está basada en aquella pero no tiene por qué ser idéntica, pero coño, qué pena que no lo sea. Por que esta Supergirl actual es, simplemente, penosa. Y visto lo visto sólo puedo pedir dos cosas: Primero, que los nuevos guionistas la mejoren; segundo, ¡que Loeb esté mucho tiempo en Marvel!

Durante el Panel del Universo Ultimate de Marvel en la pasada Wizard World Chicago, Jeph Loeb habló del trabajo de Joe Madureira para la tercera parte de The Ultimates y de como Christian Lichtner aplicaría el color directamente de forma digital sobre los lápices de éste. Para ilustrar el ejemplo, mostraron una imagen correspondiente en teoría a la serie en la que se veía a Pantera Negra y a la Avispa enfrentándose a la versión Ultimate de Veneno y que hasta ahora solo habían podido contemplar los asistentes al evento.

Pues bien, aquí tenéis dicha imagen (que podéis ver a un tamaño aun mayor pulsando aquí)

Juzgad vosotros mismos.

Cuando aun no hemos podido disfrutar de esa obra maestra que probablemente será A Scanner Darkly, hoy me entero de que el día 22 de Septiembre se estrena en los Estados Unidos otra pequeña maravilla generada por ordenador llamada "Renaissance".

No hay mas que ver el trailer para comprobar que la película rebosa novela gráfica por todos lados. Echadle un vistazo y me contáis.

El volatilink que enlazaba al video con las primeras secuencias animáticas que han trascendido sobre la adaptación al cine de Transformers no ha durado demasiado tiempo activo y en estos momentos no hace sino obsequiarnos con un molesto error 404. Aun así, y como viene siendo habitual, el video en cuestión no ha tardado demasiado en subirse al maravilloso YouTube, por lo que el fragmento del programa Access Hollywood con las declaraciones de la actriz Megan Fox y el director Michael Bay ya está a disposición de todo aquel que quiera echarle un vistazo. Las (inacabadas) secuencias por ordenador pueden contemplarse justo al final en segundo plano. Algo es algo.

Y vamos con más novedades variaditas (este mes va a ser terrible para mi bolsillo: hasta vienen algunas novedades del pasado Salón del Cómic atrasadas...), en el tiempo y el espacio, reseñadas brevemente y sin spoilers:

Dinastía de M #3: Aunque el número es más entretenido que el anterior y contiene algunas ideas interesantes, no deja de ser parte de una farsa de importantes repercusiones. Una farsa, eso sí, muy bien dibujada por Coipel.
Nota: 4/10 - Precio: 2,9 Euros - Páginas: 48

X-Men / La canción final de Fénix #3: Un número con bastante acción en el que vemos grandes escenas merced a un gran ilustrador y un guionista sorprendentemente decente e inteligente. Lo del precio me parece una broma, pero bueno.

X-Men / La canción final de Fénix #4: Aunque sigue habiendo acción, en este número hay otras cosas más importantes que nos hacen girar la cabeza para decir "¡Ah! que todo realmente tiene que ver con ella". El dibujo de Land mejoraría cualquier guión con su trazo precioso, pero Park se vale sólo para ofrecernos una miniserie notable.

New X-Men / Academia X # 11: Una colección que no hace otra cosa que contarnos buenas historias y manejar bien a sus personajes. Como si eso fuera poco. Termina la miniserie sobre los Infernales que resulta un buen refresco.

Los 4 Fantásticos #2: No termino de verle el punto a la etapa de JMS aunque planteé buenos puntos de vista e interesantes reflexiones. Espero que luego mejore. En MK: 4, una historia que podría haber sido escrita hace tanto tiempo que ni importa ni hace sufrir demasiado.

MK: Daredevil #5: Nos libramos de la miniserie de Quesada por un par de meses (parece) de forma incomprensible, aunque se agradece: leer dos mese de Bendis deja algo más que uno sólo. Aún así sorprende lo poco que se cuenta en este cómic, pese a que no está mal contado, teniendo en cuenta que, encima, estamos en un continuo flashback. Bien hecho pero sin chicha.

Hulk #6: Vuelve Peter David. Esto malo no puede ser, aunque estos primeros números distan mucho de lo que llegó a ofrecernos en su anterior y larga etapa. Aún así deja algunos misterios y sigue escarbando en el pasado de Banner con éxito.

JSA #6: Un número que termina casi todo lo abierto últimamente y continua una línea abierta hace poco (con los "rebeldes" de la JSA actuando por libre) hasta llegar a dos números intrascendentes de Navidad y Acción de Gracias, que no pasan de entretenidos.

Ex-Machina #1: No os engañéis: aquí Vaughan no habla de superhéroes pese a que uno de ellos forme parte de la premisa, y hable de héroes en cualquier caso. Un cómic sobre política y sobre el mundo real con un elemento fantástico. Lectura obligada (sí, es tarde, quien no lo tenga...).

Shanna: Una broma que no merece la pena comprar ni por el gran dibujo de Cho, ni si uno es un lector que lo único que espera del cómic es ver dinosaurios y a una mujer de grandes pechos. Es triste, pero aquí hablamos mucho de ella y dudo que mis compañeros esperaran su flojera argumental (sin explicaciones prácticamente a nada), esperaban entretenimiento puro y duro y casi nunca lo consigue. Un tomo de lujo para una obra menor de un autor que puede mucho, mucho más, ya lo ha demostrado.

En Septiembre se cumplen 40 años de la creación de Star Trek. En Action Tales, queremos rendir un pequeño y modesto homenaje. Pongamos en antecedentes.
En 1966 se inicio el camino de la saga de ciencia ficción más longeva de la historia de la TV y del Cine: Star Trek.
Todo fue fruto de la mente de Gene Rodenberry, que pensó en una visión del futuro apartada de las visiones apocalípticas que abundaban en el género. En Star Trek, la humanidad había dejado todas sus diferencias, dejando de lado las guerras, el hambre y todos los problemas, para unirse en la exploración de las estrellas. Star Trek fue un hito en su época, sobretodo por intentar romper barreras de la conservadora televisión americana de los años 60. En Star Trek se pudo ver una tripulación internacional, con orientales (Suku), gente de color (Uhura) y hasta un ruso, en plena época de la guerra fria (Checov), el primer beso interracial de la historia de la TV, se pudo ver en Star Trek, entre el capitán Kirk y Uhura. En La serie, participaron escritores de ciencia ficción como Harlan Ellison, D.C. Fontana y otros, consiguiendo un gran nivel en guiones y argumentos. Tras el final de su segunda temporada, Paramount quiso dejar de emitir la serie y sus oficinas se llenaron de cartas de fans y la productora se vio obligada a continuar una temporada más. En los años 1973 y 1974 se emitió una serie de animación de Star Trek.
En 1979, Star Trek regreso en forma de saga cinematográfica, con Star Trek la película, que fue el inicio de una saga de films que se prolongaría por 10 entregas. Seis con la tripulación de la serie original y cuatro con la tripulación de la Nueva Generación.

En TV, Star Trek volvió a la pequeña pantalla, con Star Trek La Nueva Generación (1987-1994) esta vez ambientada 100 años después de la primera serie y con una nueva Enterprise y tripulación. Dos años antes de su finalización, se estrenaba Star Trek Espacio Profundo Nueve (1993-1999), que narraba las aventuras de la Estación Espacio Profundo Nueve. En el año 1995 se inició Star Trek Voyager (1995-2001), y donde por primera vez se veía a una mujer, la capitana Kathryn Janeway, al mando de una nave estelar. La última entrega televisiva ha sido Star Trek Enterprise(2001-2005), que era una precuela situada 100 años antes de la Serie Original. Lo próximo de la saga lo podremos ver en el año 2008, de la mano de J.J. Abrams (Alias, Lost, Misión Imposible 3), que se encargará de Star Trek XI, contando la primera misión de James T. Kirk y Spock.
Además de en la TV y el cine, la saga cuenta con cientos de libros basadas en el universo Trek, e incluso comics (Marvel, Dc Comics, Malibu y Wildstorm los publicaron en distintas épocas).

El fenómeno de Star Trek, en general, y en España en particular, no esta demasiado bien visto. A los “trekkies” se les ve como a bichos raros, cuando no son más que gente muy aficionada a la saga, no son muy diferentes a otros fans, como los otakus, los fans de Star Wars, del Señor de los Anillos o de los comics. Todo ello es debido al desconocimiento, culpa en gran parte de que por aquí, las televisiones no han emitido mucho material de la saga. Mucha gente no quiere ni acercarse ni oír hablar de Star Trek. Una lastima, se pierden un universo de ciencia ficción, cohesionado y sólido, con personajes carismáticos y para todos los gustos. Pura ciencia ficción, mezclada con aventura, romanticismo, acción, investigación, space opera y todo tipo de elementos que pueden satisfacer a la mayoría de paladares. Si alguien se adentra en la saga, descubrirá a personajes como Worf, un klingon dividido entre su origen klingon y su deber como oficial de la Flota Estelar, a Seven of Nine, una exborg, que deberá recuperar su humanidad tras ser asimilada por la raza cibernética cuando era solo una niña, al Doctor, un holograma médico que con el tiempo irá adquiriendo características y emociones humanas, a Jadzia Dax, que tiene en su interior un huésped y que ha vivido docenas de vidas anteriores en otros cuerpos, a Odo, un metamorfo con un elevado sentido de la justicia, a Data, un androide que querría ser humano, al capitán Jonathan Archer, dispuesto a descubrir lo que ocultan las estrellas. Emocionantes batallas, como la de Wolf 359, donde los borg aplastaron a una flota de la Federación, a guerras a escala intergaláctica, como la guerra del Dominion, una guerra que hizo unirse a enemigos irreconciliables como los klingon, los romulanos y la Federación, para parar el avance de el Dominion, asistir a la aparición de extrañas formas de vida, a explorar una parte desconocida de la galaxia en el cuadrante Delta junto a la Uss Voyager, a intentar sobrevivir mientras te adentras en territorio borg y muchas cosas más, las posibilidades son infinitas. Star Trek es una saga que si le das una oportunidad, puede hacer que te adentres en un nuevo y rico universo de ficción.

En septiembre se cumplen los 40 años de la creación de la saga. Son 40 años de aventuras, viajando hacía ningún hombre jamás. Muchos serán los actos que se organizaron para celebrar tal aniversario. Y uno de ellos esta organizado por Action Tales, la página de los Fan-fictions. Hace un año se creo la línea Star Trek, y ahora se publicarán números especiales dentro de las series, para conmemorar el aniversario de la saga. Se editarán números cuyo argumento homenajeara de algún modo algún momento o personaje de estos 40 años.
En el Star Trek Anual#1 podremos ver al vulcano Tuvok, compartiendo una aventura con el capitán Picard, ambientada 30 años en el pasado, cuando Picard era el capitán de la Uss Stargazer. Estará escrita por un humilde servidor y con una bonita portada de Julio Nieto.
En Star Trek Universe#5 asistiremos al homenaje a uno de los personajes más entrañables de la saga, a Montgomery Scott “Scotty”, el ingeniero de la Uss Enterprise y cuyo actor, James Doohan, falleció hace cosa de un año. Le rendimos un sincero homenaje, con varios relatos, escritos por Sikileia y Luis Capote entre ellos.
En el Star Trek Original Series#5, Sikileia nos narrará un espectacular y emotivo encuentro entre las tripulaciones de la Serie Original y la de la Nueva Generación. Y por ultimo, en Star Trek Valhalla#7 donde el capitán Winters y la Uss Valhalla se verá envuelto en una aventura que le juntará con el capitán Hikaru Sulu y la Uss Excelsior.
Esperemos que tanto los aficionados a Star Trek, como aquellos que no lo sean, disfruten de este aniversario.

Action Tales

Con la Comic-Con de San Diego generando noticias aun a pesar de haber concluido hace ya un par de semanas, hoy ha dado comienzo la convención Wizard World de Chicago y como es lógico, las webs de información norteamericanas no han tardado en hacerse eco del evento. En concreto, y por lo que hemos podido leer hasta ahora, ha sido Marvel la editorial que con mas fuerza ha empezado a presentar el futuro a corto plazo de sus personajes. Así, además de hablar de la nueva serie de Puño de Hierro a cargo del cada vez mas prolífico Ed Brubaker, de algún que otro lanzamiento interesante como la secuela de X-23 o del estado de gestación en el que se encuentra el proyecto de trasladar La Torre Oscura de Stephen King al genero de la novela gráfica, Marvel nos ha sorprendido con el anuncio del regreso de la clásica serie What If...?, donde distintos autores ofrecen un final alternativo a distintas historias ya publicadas anteriormente por la editorial. Así, durante el mes de Noviembre veremos hasta tres What If...? centrados en las sagas "Vengadores Desunidos" de Los Vengadores, "El Otro", publicada en las series de Spiderman y "Enemigo del Estado" en la serie regular de Lobezno. Tenéis toda la información, equipos creativos incluidos, en este enlace.

Por supuesto, todas las noticias que genere ésta Wizard World de Chicago y que no os hayamos comentado durante este fin de semana las encontraréis convenientemente recopiladas en los Volatilinks del próximo Lunes.

Vicente García

Dolmen # 110 (marzo de 2005)

No querría con este post criticar la labor de Dolmen, ojo. Simplemente es que me ha llamado la atención leer esta frase (y de un número del año pasado, ¿cómo es que no lo había leído antes?) del editor de esta revista. Porque vale, "réplica exacta" de la Wizard no era, pero con cierto parecido sí. En sus inicios, claro, no ahora.

Pongo como ejemplo el Wizard # 60 publicado en Estados Unidos en 1996 y el Dolmen # 17 (de agosto de 1997), concretamente un artículo dedicado a los Teen Titans de Dan Jurgens. Ahí van unas cuantas frases:

Esto es únicamente el primer párrafo. Como véis, aunque cambian algunas cosas (Vicente García puso ejemplos y ejemplos de titanes que Jurgens podría haber usado. Y menuda frasecita le quedó, por cierto) la idea es básicamente la misma. Y creedme, el resto del artículo sigue igual, siguiendo el mismo esquema que tenía el artículo de la Wizard y aprovechando las declaraciones del autor. Por suerte, hoy en día la situación ha cambiado lo suficiente como para que no se tengan que reciclar los trabajos de otros. Y que dure así.

Regresan los Templos Frikis a Volatilis de la mano de nuestro amigo y antiguo colaborador Borja Cano, a quien podéis leer (y escuchar) en su blog Apokolips y que amablemente nos ha enviado las fotos de la habitación donde alberga estanterías repletas de comics, figuras, dividis, libros y demás merchandising en la mejor tradición de los templos ya vistos en este vuestro weblog. ¡Un millón de gracias, Borja!

Está visto que las vacaciones no son un buen periodo para estar al día en las compras ni en su reflejo bloguero pero uno que se compromete se compromete de verdad. Este mes espero que estén aquí las novedades de Julio y Agosto (que ya de por sí es un mes malo para los cómics) ya que voy un mes retrasado que no sé si podré recuperar. Por lo pronto, empecemos con algunas novedades variadas que he ido leyendo y que os reseño muy brevemente y sin spoilers:

¿¡Que no sabes quien es Joey Fatone!?

No importa. Yo, de hecho, hasta hace aproximadamente media hora no tenía ni la mas remota idea de que este señor era uno de los componentes del grupo N´Sync. Ha sido navegando por la impresionante Superman Homepage cuando he llegado hasta un video extraído del programa MTV Cribs en el que Fatone muestra algunas partes de su residencia y donde después de enseñarnos su amplia colección de guitarras dedicadas así como el dormitorio de sus hijas, nos lleva hasta una sala exclusivamente dedicada al Hombre de Acero. Una especie de museo en miniatura con todo tipo de parafernalia del personaje presidido nada mas y nada menos que por un gigantesco escudo de Superman situado en el suelo. Lo mejor será que lo veáis vosotros mismos:

Por supuesto, aprovecho la ocasión para animaros a que nos enviéis las instantáneas de vuestros propios Templos Frikis. Para ello, podéis utilizar la dirección habitual (templosfrikis@gmail.com) sin preocuparos del tamaño que tengan las fotos. ¡Las esperamos!